Movies-KinoKinoKino 2024 - German and English on Germanradioshow.com by Susanne Nielsen
Movies-KinoKinoKino - German and English on Germanradioshow by Susanne Nielsen
2024 Films/Filme reviewed by Susanne Nielsen:
Published in:
(in German) GERMANRADIOSHOW.COM (germanradioshow.blogspot.com )
(in English) ACED Magazine /Tampa, WWW.ACEDMAGAZINE.COM (search: Susanne Nielsen)
(in English) https://www.spinbinmag.com
(publications by John Delia, Sr., Film Editor/Critic , Member of Southeastern Film Critics Association SEFCA and Critics Association of Central Florida CACF )
NEW REVIEWS:
von/by Susanne Nielsen
(English) https://acedmagazine.com/the-outrun-poetic-and-beautiful/ The Outrun, A soft voice (actress Saoirse Ronan) with a Scottish accent tells the poetic myth of seals who come on land to become beautiful humans, but if not returned to the sea by onset of sunlight must remain in human form on land, thus trapped in an existence that keeps them from being whole and free. The faces of these sea creatures lure us into the film, and the stunning landscape, as well. As we meet Saoirse Ronan’s character Rona she, too, seems to be unhappy, roaming and searching for a purpose in life, vacillating between the rugged landscape and its plant and wildlife of the Orkney Islands in Scotland, and when here where her roots are, also missing her life in London, compelling with its fun-loving group of friends and strangers in pubs and bars. But her nightlife-sojourns turn into nightmares as she seeks to forget her troubles, drowning her sorrows in alcohol, and making a mess. Beautifully, director Nora Fingscheidt (her screenplay co-written with Amy Liptrot, based upon Liptrot's memoir “The Outrun: A Different Kind of Addiction Memoir”, the film a coproduction between the United Kingdom and Germany) weaves scenes of the protagonist as a little girl who loves nature, growing up between parents who cannot offer her stability: A mother who tries to care and a father filled with manic-depressive episodes she politely calls his state of being “unwell.” And as her mother seeks solace and strength in deep faith, Saoirse escapes in binge-drinking episodes she hopes will allow her to forget, yet, instead, push her deeper into desperation.She, a brilliant scholar with a Master's in Biology, falls in love and looses all again when the family history and dependency catch up with her over and over again. She tries to regain her life but as we see in flashbacks, we and she are pulled back, forced to repeat the past!The film weaves Saoirse’s poetic waxing on lore, and history, and science with the protagonist’s chaotic emotional state, as she seeks to rid herself of her ghosts! The film takes us on a journey of the harsh and beautiful land with glimpses of the life of its people of the islands. Her willingness to overcome her dilemma, to start afresh, offer hope. Her love of nature gives her redemption, be it helping a yew to give birth on her parent’s farm, or the effort to hear and record a bird close to extinction. Like the bird she she, too, is endangered, always being pulled back into reliving the burden she has inherited. Saoirse’s strong performance makes the film a testament to strength in light of struggle that perhaps those who see themselves in the experience can best understand.A film of hope nonetheless, poetic and beautiful and with a lovely surprise at the very end.
(German) The Outrun, eine sanfte Stimme (Schauspielerin Saoirse Ronan) mit schottischem Akzent erzählt den poetischen Mythos von Robben, die an Land kommen, um sich in schöne Menschen zu verwandeln, aber wenn sie nicht bei Sonnenaufgang ins Meer zurückkehren, müssen sie in menschlicher Gestalt an Land bleiben und sind so in einer Existenz gefangen, die sie daran hindert, vollständig und frei zu sein. Die Gesichter dieser Meerestiere und auch die atemberaubende Landschaft nehmen uns in den Film mit. Als wir Saoirse Ronans Figur Rona kennenlernen, scheint auch sie unglücklich zu sein, sie wandert umher und sucht nach einem Lebenssinn, schwankt zwischen der rauen Landschaft und ihrer Flora und Fauna der Orkney Inseln in Schottland, und wenn sie hier, wo ihre Wurzeln sind, ist, vermisst sie auch ihr Leben in London mit Pubs und Bars. Aber ihre nächtlichen Aufenthalte verwandeln sich in Albträume, als sie versucht, ihre Probleme zu vergessen, ihren Kummer im Alkohol ertränkt und ein Chaos anrichtet. Auf wunderbare Weise verknüpft Regisseurin Nora Fingscheidt (das Drehbuch schrieb sie gemeinsam mit Amy Liptrot und basiert auf Liptrots Memoiren „The Outrun: A Different Kind of Addiction Memoir“, der Film ist eine britische und deutsche Koproduktion) Szenen der Protagonistin als kleines Mädchen, das die Natur liebt und zwischen Eltern aufwächst, die ihr keine Stabilität bieten können: Eine Mutter, die versucht, sich um sie zu kümmern, und ein Vater, der von manisch-depressiven Phasen geplagt wird, deren Zustand sie höflich als „unwohl“ bezeichnet. Und während ihre Mutter Trost und Kraft in tiefem Glauben sucht, flüchtet sich Rona in Situationen, die sie noch tiefer in die Verzweiflung treiben. Sie, eine brillante Gelehrte mit einem Master in Biologie, hte und Abhängigkeit sie immer wieder einholt. Der Film verwebt Ronas poetische Monologe aus Mythen, Geschichte und Wissenschaft mit den chaotischen Zuständen der Protagonistin, während sie versucht, wieder herauszufinden! Der Film nimmt uns mit auf eine Reise durch das raue und schöne Land mit Einblicken in das Leben der Inselbewohner. Ihre Bereitschaft, ihr Dilemma zu überwinden und neu anzufangen, gibt Hoffnung. Ihre Liebe zur Natur verschafft ihr Erlösung, sei es, dass sieTieren auf der Farm ihrer Eltern arbeitet, oder sich bemüht, einen vom Aussterben bedrohten Vogel zu finden. Wie der Vogel ist auch sie gefährdet. Dank Saoirse Ronans ausgezeichneter Schauspiel-Leistung zeugt der Film von Stärke angesichts des Kampfes, den vielleicht diejenigen am besten verstehen können, die sich selbst in ihr wiederfinden. Dennoch ist es ein Film der Hoffnung ausstrahlt, poetisch und wunderschön ist, mit einer schönen Überraschung ganz am Ende.
"Megalopolis," a Masterwork, https://acedmagazine.com/megalopolis/
"Transformers One", an animated Thriller, https://acedmagazine.com/transformers-one-an-animated-thriller/
All four hitch a train ride to reach the very shiny but deathly dangerous surface of Cybertron and find the secret to their plant’s current state.
(German) Transformers One – entführt uns direkt in das von vielen geliebte Transformer-Universum. Diesmal bekommen Fans der Filme einen Science-Fiction-Animations-Actionfilm, der Hasbros Transformers-Spielzeugserie zum Leben erweckt und die Hintergrundgeschichte zweier ihrer größten Helden, Optimus Prime und Megatron, erzählt.
Der action- und abenteuerreiche Film unter der Regie von Josh Cooley und nach einem Drehbuch von Eric Pearson mit dem Team Andrew Barrer/Gabriel Ferrari spielt auf dem Heimatplaneten der Transformers, Cybertron. Die vier Hauptfiguren des Films werden vom Bergarbeiter Orion Pax in eine düstere unterirdische Welt voller (zahnradloser) gehorsamer Arbeiter geführt, die ihre Tage damit verbringen, Energon auszugraben, die mittlerweile knappe Energiequelle ihres Planeten, die früher frei floss. Jetzt muss sie von Minenarbeitern zutage befoerdert werden, damit alle überleben können.
Sentinel Prime, der seit dem Ende der Herrschaft der ursprünglichen Primes (einer Elitetruppe von Kriegern, die im Kampf gefallen sind) Anführer dieses Planeten ist und auch Iacon leitet, lobt seine Bergleute für ihre harte Arbeit und bietet als Abwechslung z.B. das große „Iacon 500“-Rennen! Aber seine eigenen Taten, der Kampf gegen die außerirdischen Feinde Quintessons und die fortgesetzte Suche nach der Matrix der Führung, um die Energiequelle wieder frei für alle fließen zu lassen, lassen alle zu diesem Anführer aufschauen und härter arbeiten um ihm zum Erfolg verhelfen.
Nur ein Minenarbeiter, Orion Pax (lateinisch für „Frieden“), ist auf einer geheimen Mission und sucht selbst nach der Matrix der Führung. Als er eine kleine Speicheraufzeichnung auf einem Altmetallgerät findet, weist sie ihm an den Ort auf der Oberfläche seines Planeten, einen sehr gefährlichen Ort, an den sich alle nicht hintrauen.
Zu Beginn der Geschichte schmiedet Orion Pax (mit jugendlicher Energie und Hoffnung in der Stimme von Chris Hemsworth) Pläne, Geschichte zu schreiben. Er verspricht seinem zweifelnden Kumpel D-16 (Stimme von Brian Tyree Henry) ein Abenteuer und macht sie, die einzigen Rennfahrer ohne "Cog"=Kraftelement zur Verwandlung, für alle sichtbar! Was mit einer unmöglichen Aufgabe beginnt – sich in dieses Rennen zu stürzen, um zu gewinnen, obwohl sie sich nicht verwandeln koennen, verändert ihr Schicksal, und schickt sie auf ein 104-minütiges Abenteuer!
Mit auf der Reise sind der sehr komische Bergarbeiterkollege B-127 (Stimme von Keegan-Michael Kay) und eine in Ungnade gefallene Vormaennin, Elita-1 (mit mutiger Stimme, Scarlett Johansson). Durch den Zufall sind sie alle in Iacons Abfallwirtschaftsabteilung gelandet, und die weibliche Anführerin ist am richtigen Ort, um sie alle zur Oberfläche des Planeten zu führen, von der Orion Pax weiß, dass es der Schlüssel zur Freiheit aller sein wird.
Alle vier fahren per Zug, um die sehr glänzende, aber tödlich gefährliche Oberfläche von Cybertron zu erreichen und das Geheimnis des aktuellen Zustands ihrer Anlage zu entdecken.
Die Bilder fangen nicht nur die wunderbar massigen Actionfiguren und ihre industrielle Unterwelt der Bergbauumgebung ein, sie zeigen uns auch, wunderschön im Art-Deco-Stil mit seinen glänzenden, geschwungenen und eckigen Oberflächen (denken Sie an das Chrysler Gebaeude in New York City) eine glitzernde, in orangefarbenes Licht getauchte, Landschaft, deren Felsen wie Kristalle vor unseren Augen mit Hochgeschwindigkeit wachsen! Die vier Entdecker werden von einer Herde silbriger, hirschähnlicher Tiere begleitet, die auf der äußeren Schicht grasen.
Die Antworten, die sie alle suchen, finden sie, als sie eine riesige dunkle Höhle betreten. Diese Szene führt uns zurück in eine alte Zeit, als die 13 Primes ihre Welt regierten.
Jetzt liegt es an Orion Pax und D-16, auf das zu reagieren, was sie gelernt haben.
Der Film zeigt uns die Entwicklung der Beziehung zwischen den beiden Minenarbeitern: Von der Rückkehr zum Anfang bis zum Ende des Filmes, als Orion Pax zu Optimus Prime geworden ist, dem Anführer der Autobots (er hat die Macht, sich in einen cybertronischen Truck zu verwandeln) und D-16, Orions als zunaechst sein bester Freund, der nun von Rache an dem betrügerischen Anführer des Planeten und anderen, die ihm im Weg stehen, getrieben wird. Indem er dies tut und Orion Pax im Stich lässt, wird er zum Erzfeind seines langjährigen Freundes. D-16 ist zu Megatron geworden (der die Macht hat, sich in einen silbernen cybertronischen Panzer zu verwandeln), dem Anführer der Decepticons, und die neue Welt verlassen muss, in der Frieden und das Teilen von Ressourcen unter der Führung von Optimus Prime nun das Ziel aller ist.
Die Animationstechnik ist perfekt für dieses unterhaltsame, actiongeladene Abenteuer für alle Altersgruppen. Und es gibt reichlich Stoff für viele weitere Nachfolgefilme.
(English) With TOUCH (2024), director Baltasar Kormákur brings us a love story between two young students, both from island nations still scarred by the war years in 1970s London. Even though the story is now told through the ageing man's eyes, it is an ode to life. As a young man, the Icelandic student Kristófer fell in love with the beautiful Japanese woman Miko in London. It is the time of the opening of cultures to unite, a new era, when John Lennon and Yoko Ono wanted to open everyone's eyes to this and with their action publicly announced their love to the world. She is aware that Niko's father would oppose his daughter's love for someone other than her compatriot. But she does not know why and simply thinks this is old-fashioned. But Kristófer leaves university for Miko and, in order to be close to her, he starts working as a dishwasher in Niko's father's small Japanese restaurant. It is a good omen that when he is hired he discovers similarities with the Japanese owner. They are both strangers here, they both grew up on an island by the sea fishing, perhaps Iceland and Japan are (soul)mates. But Niko's father, a widower, carries a heavy secret with him. Behind the Japanese man who supposedly comes from Tokyo is his connection to Hiroshima. There is a lot connected to this real origin that determines the plot of the film. Kristófer is a very eager culinary student and not only interested in Japanese cuisine, but also the country’s culture and history, and even learns to read and write Japanese poetry.
The love story of the two young people begins gently in the courtyard of the restaurant where they meet during work breaks and in Kristófer's apartment where Miko secretly spends time with her lover. The young man is dismayed to discover that one day the whole family suddenly disappears from the British metropolis - and with it from his life. Kristopher is heart broken and returns to Iceland, his homeland. Around fifty years later, - Kristófer (Egil Olafsson) has long since made a life in his homeland of Iceland. When he receives a doctor's diagnosis and is advised to take care what is important to him, the widower reflects on his life and decides to search for his great love, Miko. The story is set just as the Corona pandemic begins. Kristófer travels to London, the city where their love began. He now has to catch up on many years, and with help from there, he travels to Japan, where his search comes to a surprising conclusion.
The portrayals of Koki and Palme Kormakur Baltasarsson as the young lovers who had to hide their relationship from Niko's father (Masahiro Motoki), and the older couple (Olafsson with Yoko Narahashi) are tender and told in calm images. The coolness of the Icelandic landscape, the wonderfully designed Japanese restaurant ambience, the preparation of the food in London and the trips to Japan take us on a lively and interesting journey full of music and food culture in this film. At the center is a poetic romance between two different cultures that are shaped by the history of the 20th century. It is a gently story told .
(German) Mit TOUCH (2024) erzählt uns Regisseur Baltasar Kormákur eine Liebesgeschichte zwischen zwei jungen Studenten, beide aus Inselstaaten, die noch immer von den Kriegsjahren im London der 1970er Jahre gezeichnet sind. Auch wenn die Geschichte nun aus der Sicht des alternden Mannes erzählt wird, ist sie eine Ode an das Leben. Als junger Mann verliebt sich der isländische Student Kristófer in London in die schöne Japanerin Miko. Es ist die Zeit der Öffnung der Kulturen, eine neue Ära, in der John Lennon und Yoko Ono allen die Augen dafür öffnen wollten und mit ihrer Aktion ihre Liebe öffentlich der Welt verkündeten. Sie ist sich bewusst, dass Nikos Vater sich der Liebe seiner Tochter zu jemand anderem als ihrem Landsmann widersetzen würde. Aber sie weiß nicht warum und findet das einfach altmodisch. Doch Kristófer verlässt die Universität für Miko und beginnt, um ihr nahe zu sein, als Tellerwäscher im kleinen japanischen Restaurant von Nikos Vater zu arbeiten. Es ist ein gutes Omen, dass er bei seiner Einstellung Ähnlichkeiten mit dem japanischen Besitzer entdeckt. Sie sind beide Fremde hier, sie sind beide auf einer Insel am Meer beim Fischen aufgewachsen, vielleicht sind Island und Japan (Seelen-)Verwandte. Doch Nikos Vater, ein Witwer, trägt ein schweres Geheimnis mit sich. Hinter dem Japaner, der angeblich aus Tokio stammt, verbirgt sich seine Verbindung zu Hiroshima. Mit dieser realen Herkunft ist vieles verbunden, das die Handlung des Films bestimmt. Kristófer ist ein sehr eifriger Kochschüler und interessiert sich nicht nur für die japanische Küche, sondern auch für die Kultur und Geschichte des Landes und lernt sogar, japanische Gedichte zu lesen und zu schreiben.
Die Liebesgeschichte der beiden jungen Leute beginnt sanft im Innenhof des Restaurants, wo sie sich in den Arbeitspausen treffen, und in Kristófers Wohnung, wo Miko heimlich Zeit mit ihrem Geliebten verbringt. Der junge Mann ist bestürzt, als er eines Tages feststellen muss, dass die ganze Familie plötzlich aus der britischen Metropole verschwindet – und damit aus seinem Leben. Kristopher ist untröstlich und kehrt nach Island, seiner Heimat, zurück. Rund fünfzig Jahre später hat sich Kristófer (Egil Olafsson) in seiner Heimat Island längst ein Leben aufgebaut. Als er eine ärztliche Diagnose erhält und ihm geraten wird, auf das zu achten, was ihm wichtig ist, denkt der Witwer über sein Leben nach und beschließt, nach seiner großen Liebe Miko zu suchen. Die Geschichte spielt zu Beginn der Corona-Pandemie. Kristófer reist nach London, der Stadt, in der ihre Liebe begann. Viele Jahre muss er nun nachholen und reist mit Hilfe von dort nach Japan, wo seine Suche ein überraschendes Ende findet.
Die Darstellungen von Koki und Palme Kormakur Baltasarsson als junges Liebespaar, das seine Beziehung vor Nikos Vater (Masahiro Motoki) verheimlichen musste, und dem älteren Paar (Olafsson mit Yoko Narahashi) sind zärtlich und in ruhigen Bildern erzählt. Die Kühle der isländischen Landschaft, das wunderbar gestaltete japanische Restaurant-Ambiente, die Zubereitung des Essens in London und die Ausflüge nach Japan nehmen uns in diesem Film mit auf eine lebendige und interessante Reise voller Musik und Esskultur. Im Mittelpunkt steht eine poetische Romanze zwischen zwei unterschiedlichen Kulturen, die von der Geschichte des 20. Jahrhunderts geprägt sind. Es ist eine sanft erzählte Geschichte.
"Two to One”, a good Situation Comedy, https://acedmagazine.com/two-to-one-a-good-situation-comedy/
(English) The German Film "Two to One”(Zwei zu Eins), in its word-play on a soccer win, is set in the former East Germany (GDR) shortly after the fall of the Berlin Wall and German reunification.set The Eastern town of Halberstadt is ready to switch its soon-to-be-worthless East-Mark into West-Mark currency. Friends Maren (Sandra Hüller), Robert (Max Riemelt) and Volker (Ronald Zehrfeld), who have known and loved each other since childhood, in the summer of 1990, are thrown into quite an adventure! By chance, they find millions of GDR paper currency in an old mining shaft, stored there because the bills were "too good a commodity" to burn, their new friend (Peter Kurth) explains the reason for this old money storage. With his help ("if you do something with it, I'm in") they smuggle out backpacks full of money. Together with their buddies the three who knew how to play against the old government supervision, along with friends and neighbors they develop an ingenious system to exchange the now worthless money for goods and to outwit the incoming Westerners and their system of capitalism, when in the few days, then weeks, before the final two-to-one exchange for their old currency, they can become quite rich! Because if they stick together now - they learned that over many years existing in the German East - and play smart, this summer will be a great adventure and maybe, they imagine, when they hold all this money in their hands, count it and convert it into goods, it will be a big turning point in their lives. The fun of fooling their own People's Police a little and bypassing them with a sophisticated rope transport system will, they hope, land a really big coup. The ungratefully deported bigwigs of the old regime can also be won over in this scheme, and right at the very end the “Treuhand”,the organization redistributing wealth, gives them what they have always used as a means of building their own socialist state, their VEB (People's Own Enterprise) for just a few Deutsch-Marks. When they realize that with this home enterprise, too, they had been used as cheap suppliers for the West, and their illusions fall away completely. What remains is their love and friendship for each other. Hueller, Riemelt, Zehrfeld, and especially Peter Kurth, Ursula Werner, and Olli Dittrich and Uwe Preuss are wonderful East-German actors playing out their own family’s histories. A comedy for those who know and those who want to know about what went on in both German states…..
(German) Zwei zu Eins (in germanradioshow)
Zwei zu Eins spielt in der ehemaligen DDR kurz nach dem Berliner Mauerfall und der Deutschen Wiedervereinigung. In Halberstadt im Sommer 1990 leben Maren (Sandra Hüller), Robert (Max Riemelt) und Volker (Ronald Zehrfeld), die sich sich seit ihrer Kindheit kennen und lieben. Zufällig finden sie in einem alten Bergbau-Schacht die Millionen Papiergeld der DDR, die dort eingelagert wurden, weil es “zu gute Ware war”, so ihr neuer Freund (Peter Kurth) um zu verrotten. Mit seiner Hilfe (“wenn ihr damit watt macht, bin ick dabei”) schmuggeln sie Rucksäcke voll Geld heraus. Gemeinsam mit ihren Freunden und Nachbarn entwickeln sie ein ausgeklügeltes System, um das inzwischen wertlose Geld in Waren zu tauschen und den anrauschenden Westlern und ihrem Kapitalismus noch in den wenigen Tagen, dann noch Wochen, vor dem endgültigen Zwei zu Eins fuer ihre alte Währung, ein Schnippchen zu schlagen. Denn wenn man jetzt zusammenhält - das hatten sie ja viele Jahre im Osten gelernt, und schlau ist, wird dieser Sommer ein super großes Abenteuer, und vielleicht, so stellen sie sich vor, als sie dieses viele Geld in Händen halten, zählen und in Waren umsetzten, auch ein grosser Wendepunkt in ihrem Leben werden. Der Spass auch ihre eigene Volkspolizei ein bisschen an der Nase herum zu führen, und mit einem ausgeklügelten Seiltransport System zu umgehen, führt, wie sie nun hoffen zu dem ganz grossen Coup. Einbeziehen lassen sich dabei auch die undankbar abgeschobenen Bonzen des alten Regimes und ganz zum Schluss auch die Treuhand, die ihnen schenkt was ihnen immer als Mittel zum Aufbau des eigenen sozialistischen Staates diente, ihr VEB ( Volkseigener Betrieb). Als sie erkennen, das auch dieser sie nur als billige Zulieferer fuer den Westen ausgenutzt hatte, fallen die Illusionen gänzlich. Was bleibt ist ihre Liebe und Freundschaft fuer einander. Hueller, Riemelt,Zehrfeld, und vor allem Peter Kurth, Ursula Werner, und Olli Dittrich und Uwe Preuss sind wunderbar!
Le Theoreme de Marguerite ( French, 2024)
(English)
(German) Die Gleichung ihres Lebens, frz. Film 2023) In Anna Novions Film sind Primzahlen Marguerites (Ella Rumpf) große Leidenschaft. Die brillante Mathematikstudentin ist die einzige Frau im Promotionsprogramm unter dem renommierten Professor Werner (Jean-Pierre Darroussin) an der École Normale Supérieure in Paris. Doch als sie bei der Präsentation vor einem Forschergremium mit einem gravierenden Fehler in ihrer Arbeit konfrontiert wird und die Fassung verliert, lässt ihr Doktorvater sie fallen und widmet sich ganz dem talentierten Promovanden Lucas (Julien Frison). Tief erschüttert und voller Selbstzweifel wirft Marguerite alles hin und sucht sich einen Aushilfsjob und zieht zu einer Überlebenskünstlerin (Sonia Bonny). Schnell muss sie erkennen, dass auch das Leben außerhalb der Universität überraschende Erkenntnisse bereithält und sich weder die Mathematik noch Lucas so einfach aus ihrem Leben verbannen lassen. Aber sie findet Dank ihrer neuen Liebe und dem Verstaendnis , das sie gewinnt, dass auch das wirkliche Leben mit all seinen Gefuehlen zaehlt, einen Weg zu ueberleben , das ihre Liebe zu Zahlen ( in diesem Fall MahJong) zum Thema nimmt, und eine Teamarbeit , die auf gegenseitigem Vertrauen basiert, einen Weg zurueck , der ein Leben mit ihren Zahlen erlaubt und auch die Liebe selbst. Ein interessanter Film!
Touch, in germanradioshow.com
With TOUCH (2024), director Baltasar Kormákur brings us a love story between two young students, both from island nations still scarred by the war years in 1970s London. Even though the story is now told through the ageing man's eyes, it is an ode to life. As a young man, the Icelandic student Kristófer fell in love with the beautiful Japanese woman Miko in London. It is the time of the opening of cultures to unite, a new era, when John Lennon and Yoko Ono wanted to open everyone's eyes to this and with their action publicly announced their love to the world. She is aware that Niko's father would oppose his daughter's love for someone other than her compatriot. But she does not know why and simply thinks this is old-fashioned. But Kristófer leaves university for Miko and, in order to be close to her, he starts working as a dishwasher in Niko's father's small Japanese restaurant. It is a good omen that when he is hired he discovers similarities with the Japanese owner. They are both strangers here, they both grew up on an island by the sea fishing, perhaps Iceland and Japan are (soul)mates. But Niko's father, a widower, carries a heavy secret with him. Behind the Japanese man who supposedly comes from Tokyo is his connection to Hiroshima. There is a lot connected to this real origin that determines the plot of the film. Kristófer is a very eager culinary student and not only interested in Japanese cuisine, but also the country’s culture and history, and even learns to read and write Japanese poetry.
The portrayals of Koki and Palme Kormakur Baltasarsson as the young lovers who had to hide their relationship from Niko's father (Masahiro Motoki), and the older couple (Olafsson with Yoko Narahashi) are tender and told in calm images. The coolness of the Icelandic landscape, the wonderfully designed Japanese restaurant ambience, the preparation of the food in London and the trips to Japan take us on a lively and interesting journey full of music and food culture in this film. At the center is a poetic romance between two different cultures that are shaped by the history of the 20th century. It is a gentle story told
(German) Mit TOUCH (2024) erzählt uns Regisseur Baltasar Kormákur eine Liebesgeschichte zwischen zwei jungen Studenten, beide aus Inselstaaten, die noch immer von den Kriegsjahren im London der 1970er Jahre gezeichnet sind. Auch wenn die Geschichte nun aus der Sicht des alternden Mannes erzählt wird, ist sie eine Ode an das Leben. Als junger Mann verliebt sich der isländische Student Kristófer in London in die schöne Japanerin Miko. Es ist die Zeit der Öffnung der Kulturen, eine neue Ära, in der John Lennon und Yoko Ono allen die Augen dafür öffnen wollten und mit ihrer Aktion ihre Liebe öffentlich der Welt verkündeten. Sie ist sich bewusst, dass Nikos Vater sich der Liebe seiner Tochter zu jemand anderem als ihrem Landsmann widersetzen würde. Aber sie weiß nicht warum und findet das einfach altmodisch. Doch Kristófer verlässt die Universität für Miko und beginnt, um ihr nahe zu sein, als Tellerwäscher im kleinen japanischen Restaurant von Nikos Vater zu arbeiten. Es ist ein gutes Omen, dass er bei seiner Einstellung Ähnlichkeiten mit dem japanischen Besitzer entdeckt. Sie sind beide Fremde hier, sie sind beide auf einer Insel am Meer beim Fischen aufgewachsen, vielleicht sind Island und Japan (Seelen-)Verwandte. Doch Nikos Vater, ein Witwer, trägt ein schweres Geheimnis mit sich. Hinter dem Japaner, der angeblich aus Tokio stammt, verbirgt sich seine Verbindung zu Hiroshima. Mit dieser realen Herkunft ist vieles verbunden, das die Handlung des Films bestimmt. Kristófer ist ein sehr eifriger Kochschüler und interessiert sich nicht nur für die japanische Küche, sondern auch für die Kultur und Geschichte des Landes und lernt sogar, japanische Gedichte zu lesen und zu schreiben.
Die Liebesgeschichte der beiden jungen Leute beginnt sanft im Innenhof des Restaurants, wo sie sich in den Arbeitspausen treffen, und in Kristófers Wohnung, wo Miko heimlich Zeit mit ihrem Geliebten verbringt. Der junge Mann ist bestürzt, als er eines Tages feststellen muss, dass die ganze Familie plötzlich aus der britischen Metropole verschwindet – und damit aus seinem Leben. Kristopher ist untröstlich und kehrt nach Island, seiner Heimat, zurück. Rund fünfzig Jahre später hat sich Kristófer (Egil Olafsson) in seiner Heimat Island längst ein Leben aufgebaut. Als er eine ärztliche Diagnose erhält und ihm geraten wird, auf das zu achten, was ihm wichtig ist, denkt der Witwer über sein Leben nach und beschließt, nach seiner großen Liebe Miko zu suchen. Die Geschichte spielt zu Beginn der Corona-Pandemie. Kristófer reist nach London, der Stadt, in der ihre Liebe begann. Viele Jahre muss er nun nachholen und reist mit Hilfe von dort nach Japan, wo seine Suche ein überraschendes Ende findet.
Die Darstellungen von Koki und Palme Kormakur Baltasarsson als junges Liebespaar, das seine Beziehung vor Nikos Vater (Masahiro Motoki) verheimlichen musste, und dem älteren Paar (Olafsson mit Yoko Narahashi) sind zärtlich und in ruhigen Bildern erzählt. Die Kühle der isländischen Landschaft, das wunderbar gestaltete japanische Restaurant-Ambiente, die Zubereitung des Essens in London und die Reisen nach Japan nehmen uns in diesem Film mit auf eine lebendige und interessante Reise voller Musik und Esskultur. Im Mittelpunkt steht eine poetische Romanze zwischen zwei verschiedenen Kulturen, die von der Geschichte des 20. Jahrhunderts geprägt sind. Es ist eine sanft erzählte Geschichte.
Riviera Revenge (N'avoue jamais , 2024, comedy , 1:34 min , French) Old Love letters set the characters in this light French comedy directed by Ivan Calberac into motion: When husband François Marsault (veteran actor André Dussolier) decides to clean up the attic to make a playroom for his grand children he stumbles across a packet of old love letters, that leave the retired French General completely in shock! These are not in his own hand writing, but from another man, and above all, the addressee is Annie (charming Sabine Azéma), his wife of many years. He is not amused that there are verbose erotic outpourings describing his wife Annie that definitely did not come from him, he seeks to confront her immediately. He doesn't care that the letters are 40 years old and as most would say, including Annie herself, are of "museum value" at most. He is very conservative and has his principles! And he will not tolerate the fact that he has ever been betrayed! He confronts the charming lady of his house, who dismisses the matter as a minor trifle in her young marriage, when François was too involved in his career to pay her the proper attention. But the old warhorse does not give up easily, he has to defend his honor, feels insulted and intends to demand revenge from his rival - if he can find him. The old General quickly mobilizes his connections with the secret service, apeals to the loyalty of an old subordinate, and tracks down the Casanova of yester-year, a mutual friend on the days with Annie living on the French Riviera at the time. Confident of victory, he travels to sunny Nice with Annie. But he finds the old rival in great shape as a Karate instructor, far superior to him in terms of athleticism and, for as Annie, still very attractive to her: Boris (Thierry Lhermitte), a bon vivant and musical free spirit, knows how to defend himself easily. While Annie enjoys the trip down memory lane (complete with nightly skinny dipping with her new old cavalier) more and more, husband François enlists his faithful son, as a military man duty bound to dad, in his plans for revenge and refuses to give up. The comedy pits the old values of dad against the easy going charm of free spirited playboy in pursuit of the ladies -
A French summer comedy with lots of charm and, of course, an equally tried and true happy ending!
(German) Briefe aus Nizza, (N'avoue jamais, 2024, Komödie, 1:34 min, französisch) Alte Liebesbriefe bringen die Charaktere dieser leichten französischen Komödie von Ivan Calberac in Bewegung: Als ihr Ehemann François Marsault (der erfahrene Schauspieler André Dussolier) beschließt, den Dachboden aufzuräumen, um ein Spielzimmer für seine Enkelkinder einzurichten, stößt er auf ein Paket alter Liebesbriefe, die den pensionierten französischen General völlig schockieren! Sie sind nicht von seiner eigenen Hand geschrieben, sondern von einem anderen Mann, und vor allem ist die Adressatin Annie (die bezaubernde Sabine Azéma), seine langjährige Frau. Er findet es nicht amüsant, dass es wortreiche erotische Ergüsse über seine Frau Annie gibt, die definitiv nicht von ihm stammen, und versucht sie sofort zur Rede zu stellen. Dass die Briefe 40 Jahre alt sind und, wie die meisten sagen würden, einschließlich Annie selbst, höchstens „Museumswert“ haben, stört ihn nicht. Er ist sehr konservativ und hat seine Prinzipien! Und er lässt es nicht hinnehmen, dass er jemals betrogen wurde! Er stellt die charmante Dame seines Hauses zur Rede, die die Angelegenheit als Nebensache in ihrer jungen Ehe abtut, als François zu sehr in seine Karriere vertieft war, um ihr die gebührende Aufmerksamkeit zu schenken. Doch der alte Haudegen gibt nicht so schnell auf, er muss seine Ehre verteidigen, fühlt sich beleidigt und beabsichtigt, von seinem Rivalen Rache zu fordern – wenn er ihn finden kann. Schnell mobilisiert der alte General seine Verbindungen zum Geheimdienst, appelliert an die Loyalität eines alten Untergebenen und spürt den Casanova von einst auf, einen gemeinsamen Freund aus der Zeit, als Annie an der französischen Riviera lebte. Siegessicher reist er mit Annie ins sonnige Nizza. Doch dort findet er den alten Rivalen in Topform als Karatelehrer vor, ihm in puncto Sportlichkeit weit überlegen und für sie als Annie immer noch sehr attraktiv: Boris (Thierry Lhermitte), ein Lebemann und musikalischer Freigeist, weiß sich mühelos zu wehren. Während Annie die Reise in die Vergangenheit (inklusive nächtlichem Nacktbaden mit ihrem neuen alten Kavalier) immer mehr genießt, spannt Ehemann François seinen treuen Sohn, der als Soldat seinem Vater verpflichtet ist, in seine Rachepläne ein und weigert sich, aufzugeben. Die Komödie stellt die alten Werte des Vaters dem lockeren Charme des freigeistigen Playboys auf der Jagd nach den Damen gegenüber - Eine französische Sommerkomödie mit viel Charme und natürlich einem ebenso altbewährten Happy End!
My Favorite Cake ( Iranian, 2024)
(English) In the film "My Favorite Cake", written and lovingly directed by Maryam Moghadam and Behtash Sanaeehas, we get to know 70-year-old Mahin (Lily Farhadpour) in the company of her friends, all of whom have now grown old and meet once a week, but are no longer able to travel far, Mahin especially misses her daughter and grandchildren who live far away outside the country. They talk about the families, and also about the dreams of the widowed women, Mahin lost her husband thirty years ago, to experience the happiness of living with a partner once again. They all encourage Mahin to change her life, to look around at the men in her neighborhood, perhaps in a senior citizens' cafe, for example. Since the death of her husband and the departure of her daughter to Europe, she has lived alone in her beautiful apartment with a garden on the outskirts of Tehran. And the convivial afternoon tea with friends gives her the idea to finally make an effort to leave her lonely and monotonous everyday life behind. Her desire to reactivate her love life inspires her to start looking for a suitable new partner of similar age. In a senior cafe where the older townspeople meet, she overhears a conversation between the men at the next table. She learns that a taxi driver of the same age, Faramarz (Esmail Mehrabi), is telling his friends that he is lonely. After this news and this chance encounter, Mahim sets out to find this friendly man. She finds his taxi company and waits for him there. When his working day takes him back to the taxi company at the end of the day, she introduces herself and asks him to drive her home. Feeling she has found the right person, she spontaneously opens her heart to this man and asks him to come. He is very taken with her and admires her beautiful home and garden. She invites him again to enjoy a meal with her, and ultimately a piece of her favorite cake, which brings back to mind all the long-denied joys of their youth, now restricted in modern-day Iran, where dancing and food and wine have to be done in private. In their world, the two reminisce and the joy of life returns to both of them on this day, even if only for a brief moment that they share. A lovingly melancholic comedy-drama film to dream about, which tells of an unforgettable evening, Lily Farhadpour and Esmail Mehrabi are wonderful as Mahin and Faramarz!
(German) In dem von Maryam Moghadam und Behtash Sanaeehas geschriebenen und liebevoll in Szene gestzten Film " Ein kleines Stück vom Kuchen", wir lernen die 70 jaehrige Mahin (Lily Farhadpour) in der Runde ihrer Freundinnen kennen, alle nun alt geworden, und nicht mehr in der Lage sich regelmäßig mit allen und besonders ihrer weit entfernten Tochter und den Enkeln zu treffen. Man erzählt von den Familien, und auch von den Träumen der verwitweten Frauen noch einmal die Gemeinschaft mit einem Partner zu erleben. Auch Mahin machen sie besonders Mut, sich doch einmal nach den Herren in ihrer Nachbarschaft umzuschauen, vielleicht in einem Senioren Cafe z. B. Sie lebt seit dem Tod ihres Mannes und der Ausreise ihrer Tochter nach Europa allein in ihrer schoenen Wohnung mit Garten in Teheran. Und der gesellige Nachmittagstee mit Freundinnen gibt ihr den Anstoß dazu, ihren einsamen und monotonen Alltag hinter sich zu lassen. Ihr Wunsch ihr Liebesleben wieder zu aktivieren, regt sie an, sich auf die Suche nach einem neuen Partner zu machen. In einem Cafe wo sich die aelteren Staedter treffen, ueberhoert sie ein Gespräch zwischen den Maennern an den Nebentischen. Dabei erfaehrt sie, dass ein gleichaltriger Taxifahrer, Faramarz (Esmail Mehrabi) seinen Freunden erzählt, dass er einsam ist. Nach der zufälligen Begegnung macht sich Mahim auf die Suche nach diesem freundlichen Mann, findet seine Taxi Firma und wartet auf ihn. Als sein Arbeitstag ihn an den Stand zurueckfuehrt, bittet sie ihn, sie nachhause zu fahren. Sie öffnet spontan ihr Herz für diesen Mann, und bittet ihn herien. Er zeigt sich von ihr und ihrem schönen Heim und Garten sehr angetan, und sie laedt ihn ein, zusammen mit ihr eine Mahlzeit, und letztlich ein Stück ihres Lieblings-Kuchens, das ihnen all die längst versagten Freuden ihrer Jugend mit Tanz und Essen und Wein, wieder in Erinnerung ruft, zu geniessen. In ihrer Welt kehrt an diesem Tag bei beiden die Lebensfreude , wenn auch nur fuer einen kurzen Augenblick, den sie teilen, zurück. Eine liebevoll melancholische Komoedie zum Träumen, der von einem unvergesslichen Abend erzaehlt, Lily Farhadpour und Esmail Mehrabi sind wunderbar als Mahin und Faramarz in diesem Film!
Juliette im Fruehling/in Spring (Juliette au Printemps, French, 2024) Blandine Lenoir's film is based on Camille Jourdy's 2016 graphic novel "Juliette: Ghosts Return in Spring", a family story told with care and depth in its exploration of relationships, between the young Juliette, her quirky dad, her artist mom and her gransmother who is losing her mind. The story begins gently with the protagonist (Izia Higelin) visiting her aging divorced father in the French country in Spring. She is an illustrator who likes to use her own family to inspire her characters, and we see them willingly join in to pose for her photos. But it gradually becomes clear that this visit for Juliette is also about fleeing her own melancholy. We follow her in this visit into memories and rediscovering and coming to terms with her own childhood past. Initially Juliette hopes to spend two relaxing weeks with her family. Instead, she meets her sister (Sophie Guillemin) in the midst of an existential crisis, their loving but moody father (Jean-Pierre Darroussin) lonely in his home without the family, her mother (Noemi Lvovsky), an artist with broad love-my-life themes and having just discovered the New Age movement for herself with her adoring partner. Lastly Juliette sees her beloved grandmother become ever more forgetful and has to come to terms with her new life in a nursing home. We learn how complicated her relationships are with her father. Her sister, who is currently secretly keeping up appearnaces as good mother and wife of a unassuming husband (Eric Caravaca), is secretly busy spending time in the garden with an amorous bunny-costumed lover (Thomas de Porquery). As nothing seems to cheer her up, she makes a new friend, the likeable translator Polux (Salif Cisse). He is seeking solice, and rents the family's old house, where Juliette now rediscovers childhood memories as she cleans out old childhood treasures for the new inhabitant. A family celebration, Juliette's birthday, brings everyone together at one table.
Her mother stages a wild art opening at a gallery, grandmother has some clear moments in which to help Juliette recognize a childhood secret.
The cat and a duckling demonstrate that life always has surprises and moments of catharsis in store. The wonderful children's book drawings provide enchanting framework in this beautiful film about the chaos and mystery that is her own (and perhaps everyone's) family story. The film's characters are charming and believable and the illustrations that find their way into the film allow the viewer to loose oneself in this beautiful story.
(German) Juliette im Fruehling (Juliette au Printemps, Französisch, 2024) Blandine Lenoirs Film basiert auf Camille Jourdys Graphic Novel „Juliette: Ghosts Return in Spring“ aus dem Jahr 2016, einer Familiengeschichte, die mit Sorgfalt und Tiefe in ihrer Erforschung der Beziehungen zwischen der jungen Juliette, ihrem schrulligen Vater, ihrer Künstlermutter und ihrer Großmutter, die den Verstand verliert, erzählt wird. Die Geschichte beginnt sanft damit, dass die Protagonistin (Izia Higelin) im Frühling ihren alternden, geschiedenen Vater auf dem französischen Land besucht. Sie ist eine Illustratorin, die ihre eigene Familie gerne als Inspiration für ihre Figuren nutzt, und wir sehen, wie sie bereitwillig mitmachen, um für ihre Fotos zu posieren. Doch allmählich wird klar, dass es bei diesem Besuch für Juliette auch darum geht, ihrer eigenen Melancholie zu entfliehen. Wir folgen ihr bei diesem Besuch in Erinnerungen und beim Wiederentdecken und Aufarbeiten ihrer eigenen Kindheitsvergangenheit. Zunächst hofft Juliette, zwei erholsame Wochen mit ihrer Familie verbringen zu können. Stattdessen begegnet sie ihrer Schwester (Sophie Guillemin) in einer existentiellen Krise, ihrem liebevollen, aber launischen Vater (Jean-Pierre Darroussin), der einsam ohne die Familie in seinem Haus lebt, ihrer Mutter (Noemi Lvovsky), einer Künstlerin mit breit angelegten Liebe-mein-Leben-Themen, die gerade mit ihrem ihn anbetenden Partner die New-Age-Bewegung für sich entdeckt hat. Schließlich erlebt Juliette, wie ihre geliebte Großmutter immer vergesslicher wird und sich mit ihrem neuen Leben in einem Pflegeheim abfinden muss. Wir erfahren, wie kompliziert ihre Beziehung zu ihrem Vater ist. Ihre Schwester, die derzeit heimlich den Schein einer guten Mutter und Ehefrau eines bescheidenen Ehemanns (Eric Caravaca) wahrt, verbringt heimlich Zeit im Garten mit einem verliebten Liebhaber im Hasenkostüm (Thomas de Porquery). Als nichts sie aufzuheitern scheint, findet sie einen neuen Freund, den sympathischen Übersetzer Polux (Salif Cisse). Er sucht Trost und mietet das alte Haus der Familie, in dem Juliette nun Kindheitserinnerungen wiederentdeckt, während sie alte Kindheitsschätze für den neuen Bewohner ausräumt. Eine Familienfeier, Juliettes Geburtstag, bringt alle an einem Tisch zusammen.
Ihre Mutter inszeniert eine wilde Kunstausstellung in einer Galerie, die Großmutter hat einige klare Momente, in denen sie Juliette dabei hilft, ein Kindheitsgeheimnis zu erkennen.
Die Katze und ein Entlein zeigen, dass das Leben immer Überraschungen und Momente der Katharsis bereithält. Die wunderbaren Kinderbuchzeichnungen bieten einen bezaubernden Rahmen in diesem schönen Film über das Chaos und das Mysterium, das ihre eigene (und vielleicht jedermanns) Familiengeschichte ist. Die Charaktere des Films sind charmant und glaubwürdig und die Illustrationen, die ihren Weg in den Film finden, ermöglichen es dem Zuschauer, sich in dieser schönen Geschichte zu verlieren.
(review in acedmagazine.com)
Fuehrer and Seducer (Fuehrer und Verfuehrer) The plot of Goebbels and the Führer, the new film by German director Joachim Lang, spans the period from March 1938 to May 1945. In 1938, Goebbels (Robert Stadlober, with an interesting tone of voice as the propaganda minister, which is recognizable in the documentary film clips) is at the peak of his power. With his help, approval of Hitler's policies reaches levels never seen before. But now the dictator is determined to steer towards war. The propaganda, however, had concentrated heavily on the topic of peace. A sudden change of course is not possible for Goebbels any time soon, and his work is heavily criticized by his commander. Goebbels finds himself visibly distanced from "his" Fuehrer (Fritz Karl), and he now tries everything to regain his reputation and standing. He tries to stoke the enthusiasm of the population for the war, to stage it.
He cleverly initiates the events of November 9, 1938, by having an incident reported at a large gathering with perfect timing. He also plans targeted propaganda films, in whose production Hitler himself intervened down to the last detail. The media mobilization was in full swing, propaganda companies were founded. An almost perfect and controlled staging was achieved, particularly at large mass events. The climax was the victory parade after the capitulation of France, planned down to the last detail. In 1941, Goebbels was back in Hitler's favor. With the "Russian campaign", the war really began for Hitler and the mass murders reached their peak. After the defeat at Stalingrad, Goebbels struck out, calling for "total war". He celebrates his Sportpalast speech as his masterpiece of propaganda. Again and again he calles for a tougher approach and urges the Fuehrer to appear more in public. But the situation becomes increasingly more hopeless. By the end of 1944 at the latest, it becomes clear in view of the catastrophic situation that Hitler has no alternative plan. With his propaganda, Goebbels was now increasingly concerned with leaving posterity of his own image in the Third Reich. This also includes its downfall. After Hitler's suicide, Goebbels murderes his family, his wife (Franziska Weisz) and six children, and commits suicide as the most radical propaganda act he could still carry out. The film uses archive material and documentary footage that is familiar, cruel and haunting. There will always be leaders and seducers, whether we recognize them or not.
(German) Führer und Verführer , in germanradioshow,
Die Handlung von Goebbels und der Führer, dem neuen Film des deutschen Regisseurs Joachim Lang, umspannt den Zeitraum von März 1938 bis Mai 1945. 1938 ist Goebbels (Robert Stadlober, mit interessantem Tonfall als Propagandaminister, der in den dokumentarischen Filmausschnitten wiedererkennbar ist) auf dem Höhepunkt seiner Macht. Mit seiner Hilfe erreicht die Zustimmung zu Hitlers Politik ein nie dagewesenes Niveau. Doch nun ist der Diktator entschlossen, auf Krieg zu steuern. Die Propaganda hatte sich jedoch stark auf das Thema Frieden konzentriert. Ein plötzlicher Kurswechsel ist für Goebbels so schnell nicht möglich, seine Arbeit wird von seinem Kommandeur schwer kritisiert. Goebbels distanziert sich sichtbar von „seinem“ Führer (Fritz Karl) und versucht nun alles, um dessen Ansehen und Ansehen wiederherzustellen. Er versucht, die Begeisterung der Bevölkerung für den Krieg zu schüren, ihn zu inszenieren.
Geschickt inszeniert er die Ereignisse des 9. November 1938, indem er mit perfektem Timing einen Vorfall bei einer großen Versammlung berichten lässt. Zudem plant er gezielte Propagandafilme, in deren Produktion Hitler selbst bis ins letzte Detail eingreift. Die Medienmobilisierung läuft auf Hochtouren, Propagandafirmen werden gegründet. Besonders bei großen Massenveranstaltungen gelingt eine nahezu perfekte und kontrollierte Inszenierung. Höhepunkt ist die bis ins letzte Detail geplante Siegesparade nach der Kapitulation Frankreichs. 1941 steht Goebbels wieder in der Gunst Hitlers. Mit dem „Russlandfeldzug“ beginnt für Hitler der Krieg erst richtig und die Massenmorde erreichen ihren Höhepunkt. Nach der Niederlage bei Stalingrad schlägt Goebbels zu und ruft zum „totalen Krieg“ auf. Seine Sportpalastrede feiert er als sein propagandistisches Meisterwerk. Immer wieder fordert er ein härteres Vorgehen und drängt den Führer, mehr in der Öffentlichkeit aufzutreten. Doch die Lage wird zunehmend aussichtsloser. Spätestens Ende 1944 wird angesichts der katastrophalen Lage klar, dass Hitler keinen Alternativplan hat. Goebbels ging es mit seiner Propaganda nun immer mehr darum, der Nachwelt im Dritten Reich sein eigenes Bild zu hinterlassen. Dazu gehört auch dessen Untergang. Nach Hitlers Selbstmord ermordet Goebbels seine Familie, seine Frau (Franziska Weisz) und sechs Kinder und begeht Selbstmord als radikalsten Propagandaakt, den er noch durchführen konnte. Der Film verwendet Archivmaterial und dokumentarische Aufnahmen, die vertraut, grausam und eindringlich sind. Es wird immer Führer und Verführer geben, ob wir sie erkennen oder nicht.
(English) DEADPOOL & WOLVERINE! There is a happy ending in this Marvel Studio film. Directed by Shawn Levy, Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin, Morena Baccarin, Rob Delaney, Leslie Uggams, Karan Soni and Matthew Macfadyen are brought to life again, starting with the action-packed opening sequence, because DEADPOOL & WOLVERINE is all about action and lively, if not always youth-friendly dialogue, especially from Ryan Reynolds' Deadpool, his very special talent! Of course, a super story is needed again, as someone wants to enlist the recognition-hungry Reynolds in their evil plans. But Ryan isn't going along with it, not because worlds are at stake, but because his friends will also die. They are of course very important! And to save them he needs (a) Wolverine, and because it's about parallel worlds, there are past ones, and he finds one who is still alive (remember, in the last film he died saving the good cause) and actually still fits quite well into a yellow costume. And we don't just get the typical tufts of Wolverine hair, but the whole package, so to speak - the superbly styled upper body that is still a sight to behold. The Reynolds-heavy screenplay for DEADPOOL & WOLVERINE was written by Ryan Reynolds & Rhett Reese & Paul Wernick & Zeb Wells & Shawn Levy. After fierce battles, reunions with old friends and enemies, and a pretty finale that Reynolds also tailored to his needs, the villain gets his comeuppance, the heroes are put back in line for the next film, and there are lots of great scenes, clips of Hugh Jackman in particular bringing him back to life from his youth to the present. Kevin Feige, Ryan Reynolds, Shawn Levy and Lauren Shuler Donner are producers and producer, Louis D'Esposito, Wendy Jacobson, Mary McLaglen, Josh McLaglen, Rhett Reese, Paul Wernick, George Dewey, Simon Kinberg and Jonathon Komack Martin serve as executive producers. This film is best experienced in its original language; it's hard to imagine how these witty word combats that accompany the physical action would translate into any other language. Lots of fun in this super human action adventure! )
(German) DEADPOOL & WOLVERINE! germanradioshow.com
Jeder braucht ein Happy End! Lang erwartet, nun endlich auf der großen Leinwand kommt der Marvel Studio Film DEADPOOL & WOLVERINE. Unter der Regie von Shawn Levy werden Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin, Morena Baccarin, Rob Delaney, Leslie Uggams, Karan Soni und Matthew Macfadyen wieder sehr lebendig. Das fängt schon in der action-packed Anfangssequenz klar, in DEADPOOL & WOLVERINE geht es um viel Aktion und spritzige, wenn auch nicht sehr jugendfreie Dialoge, besonders von Deadpool, Ryan Reynolds’ Deadpools ganz besonderem Talent! Natuerlich braucht es wieder eine Super Story, da will jemand den nach Anerkennung lechzenden Reynolds fuer seine bösen Pläne einspannen. Aber Ryan macht nicht mit, nicht weil Welten auf dem Spiel stehen, sondern weil seine Freunde damit auch draufgehen. Die sind natürlich hoch wichtig! Und um sie zu retten braucht er (einen) Wolverine, und weil es um parallele Welten geht, gibt es vergangene und er findet einen, der noch lebt (wir erinnern uns, im letzten Film starb der als Retter der guten Sache) und tatsächlich noch recht passabel in ein gelbes Kostüm passt. und wir bekommen nicht nur die typischen Wolverine Haarbüschel, sondern sozusagen das ganze Packet - den prima gestylten Oberkörper, der sich noch sehen lassen kann. Das Reynolds-lastige Drehbuch zu DEADPOOL & WOLVERINE stammt von Ryan Reynolds & Rhett Reese & Paul Wernick & Zeb Wells & Shawn Levy. Nach heftigen Schlachten, Wiedersehen mit alten Freunden und Feinden, und einem hübschen Finale, das auch sich Reynolds zurecht geschneidert hat, bekommt der Bösewicht die Abrechnung, werden die Helden wieder fuer den nächsten Film aufgestellt, und sieht man viele tolle Szenen, die besonders Hugh Jackman von der Jugend bis ins jetzt in Clips aufleben lassen. Kevin Feige, Ryan Reynolds, Shawn Levy und Lauren Shuler Donner zeichnen als Produzenten und Produzentin verantwortlich, Louis D'Esposito, Wendy Jacobson, Mary McLaglen, Josh McLaglen, Rhett Reese, Paul Wernick, George Dewey, Simon Kinberg und Jonathon Komack Martin fungieren als ausführende Produzentinnen und Produzenten. Dieser Film ist am besten in der Originalsprache anzuhören, überhaupt nicht auszudenken, wie man diese Amerikanischen Sätze ins Deutsche übertragen würde.
(English) Fly Me to the Moon (https://acedmagazine.com/fly-me-to-the-moon-a-creative-rom-com/)
For those in the mood for a perfect romantic comedy, with smart dialogues and the perfect casting, Fly Me to the Moon is all of that!
The Apollo Mission to the Moon and all the sixties fashions (with a nod to predecessor movie “Barbie,”) are at the center of the story.
We meet hunk Channing Tatum as launch director Cole Davis, who works hard to get the next Apollo Mission off the ground, and are introduced to a gorgeous bleach blonde marketing wiz Kelly Jones (Scarlett Johansson) in her element, using every trick of the trade to sweet-talk a group of execs into selling sports cars to the ladies of the house.
Shady behind the scenes character Moe Berkus with a direct line to the President (yes, the White House) is played with panache by Woody Harrelson, Secret Service man extraordinaire - who holds all the strings of the action.
Harrelson first gets Johansson’s character found out by the reluctant car execs, only to enlist her to help him drum up the interest of the American entire nation for his boss’s favorite project: Nixon wants to make Kennedy’s dream reality: To put a man on the Moon! And, of course, to beat the Russians to the finish line!
First, in this story, the gal has to meet the guy. Tatum spots her sitting Monroe-style at a table and gazes love struck at the beautiful blonde, and gets to save her, all in a diner near their place of work, the Florida Apollo launch site Cape Canaveral.
With NASA’s not so secret weapon, the fabulous Advertising lady from New York as their new Press Agent, who is willing to do almost everything to get NASA back into the limelight, the project cannot fail, then again, Moe wants to make very sure.
Kelly's very first task, having a window installed to update her new office, shows her talent to push past every obstacle and enlist the men and adoring female assistant (Ruby Martin) around her to get the job done.
There is another twist that will drive the story, Moe’s reason for keeping Johansson ever so close, he knows her secret and could make it go away, if she plays along. And so she does.
Since technology is pretty new and a quite volatile, America’s public trust has to be served and political funding depends on it. So Moe pushes for parallel realities, a moon landing on the earth to be broadcast, just in case the one on the moon runs into a snag.
A zany film director(Jim Rash) and a black cat (and what a great actress she is!) play some leading and very funny roles. There is enough wit and just enough romance to keep us guessing and hoping - a very enjoyable catch! The Sinatra song will have you humming your way home.
(German) To the Moon, Für alle, die Lust auf eine perfekte romantische Komödie mit cleveren Dialogen und der perfekten Besetzung haben, ist Flieg mich auf den Mond genau das Richtige!
Die Apollo-Mission zum Mond und die Mode der 60er Jahre (mit Anspielung auf den Vorgängerfilm „Barbie“) stehen im Mittelpunkt der Geschichte.
Wir treffen den gut aussehenden Channing Tatum als Startleiter Cole Davis, der hart daran arbeitet, die nächste Apollo-Mission auf die Beine zu stellen, und lernen die wunderschöne, blondierte Marketing-Expertin Kelly Jones (Scarlett Johansson) kennen, die in ihrem Element ist und alle Tricks des Fachs anwendet, um eine Gruppe von Führungskräften dazu zu überreden, den Damen des Hauses Sportwagen zu verkaufen.
Der zwielichtige Charakter Moe Berkus mit direktem Draht zum Präsidenten (ja, zum Weißen Haus) wird mit Bravour von Woody Harrelson gespielt, einem außergewöhnlichen Geheimdienstmann, der alle Fäden der Handlung in der Hand hält.
Harrelson sorgt dafür, dass Johanssons Figur zunächst von den widerstrebenden Automanagern entdeckt wird, nur um sie dann zu gewinnen, um ihm dabei zu helfen, das Interesse der gesamten amerikanischen Nation für das Lieblingsprojekt seines Chefs zu wecken: Nixon will Kennedys Traum wahr machen: Einen Mann auf den Mond bringen! Und natürlich die Russen im Ziel überholen!
In dieser Geschichte muss die Traumfrau erst einmal ihren Traummann treffen. Tatum entdeckt sie im Monroe-Stil an einem Tisch sitzend, verguckt sich in die schöne Blondine und rettet sie sogar, Ort der Begegnung ist ein Diner in der Nähe ihres Arbeitsplatzes, dem Apollo-Startplatz in Florida, Cape Canaveral.
Mit NASAs neuer Geheim-Waffe, der fabelhaften Werbedame aus New York als neuer Presseagentin, die bereit ist, fast alles zu tun, um die NASA wieder ins Rampenlicht zu rücken, kann das Projekt nicht scheitern. Andererseits will Moe ganz sicher gehen.
Kelly beginnt ihre Arbeit damit, ein grosses Fenster in das alte Büro einbauen zu lassen, um es - wie da ganze Projekt, auf den neuesten Stand zu bringen, Beweis fuer ihr Talent, jedes Hindernis zu überwinden und die Männer um sich herum und ihre devote Assistentin (Ruby Martin) zu gewinnen, um alle Arbeit voran zu treiben.
Und gleich nach der Romanze kommt eine wichtige Wendung, die die Geschichte bestimmt: Moes Grund, Johansson ganz nahe im Blick zu behalten, und ihr klarzumachen, dass er ihr Geheimnis kennt und es verschwinden lassen kann, aber nur wenn sie brav mitspielt. Und so tut sie das.
Da die Technologie ziemlich neu und ziemlich unbeständig ist, meint Moe das öffentliche Vertrauen Amerikas mit ein paar extra Tricks zu bedienen und auch die politische Finanzierung hängt vom Erfolg der Sache ab. Also drängt Moe darauf parallele Realitäten aufzustellen: Seine Idee, eine Mondlandung auf der Erde, die übertragen werden soll, - nur für den Fall, dass die Mondlandung als Event doch nicht ganz so glatt verläuft.
Ein verrückter Filmregisseur (Jim Rash) und eine schwarze Katze (und was für eine großartige “Schauspielerin” sie ist!) spielen eine gewisse Rolle und tragen zur Kommodere bei. Es gibt genug Komik und Romantik, wir rätseln und hoffen auf ein Happy End – ein sehr unterhaltsamer Film! Das Sinatra-Lied bleibt einem noch lange im Kopf.
Run Lola Run - game is not over yet! in https://acedmagazine.com/run-lola-run-wonderfully-fresh/
On its 25th
anniversary’s rerelease in 2024, German director Tom Tykwer’s film “Run Lola
Run” is still wonderfully fresh and exciting. His was a very novel way of film
story-telling using the video game format as concept in 1998). Lola ( Franka
Potente) with a “Skittles-red” shock of hair, tank-top, torn jeans, and heavy
boots, answers her boyfriend Manni’s ( Moritz Bleibtreu) call for help from a
phone booth in the middle of Berlin.
The two-bit criminal has just lost a bag of money, payment for loot, left
behind on a streetcar when he tries to avoid getting caught for riding without
a ticket.
Unfortunately, he has only twenty minutes left to hand over the 100,000.- Marks
to gangster-boss Ronnie ( Heino Ferch).
And girlfriend Lola now needs to save Manni from some very big consequences.
And after some rapid thinking, Lola starts to run. As she leaves the apartment
and storms down the staircase Tykwer switches to a Lola-cartoon, only to turn
her back into the breathless Franka Potente as she sprints through the city’s
streets. The soundtrack is a steady beat of Tykwer lyrics to percussion. Lola’s
goal with every step: to get the money, and save a life! The steady rhythm
starts with a giant clock. It sets the movie’s pace like a timer for the game.
The prolog tells us there are rules - and as a soccer ball is kicked in the air
the theme “After the game is before the game, (S. Herberger) sets the scene. A
watchman says: “The ball is round, (the) game is 90 minutes. …that much is
clear! “And so it begins. Lola, in her run through
town, crosses paths with a number of people. In snapshot manner, Tykwer gives
glimpses of what their fate, decided by one moment. Our focus is on the action,
how the story will play out for Lola. We are hoping for a “ win”. The clock hits the twenty minute mark, and the game must end.But then, amazingly, and to everyone’s delight, Lola says “ no” and gets
another chance. The game starts over. Off she goes again. Tykwer repeats the story - lets it play three times in all.
Lola and Manni, a bit like Bonnie and Clyde, are playing a game of chance.
Their personalities match today’s on-the-edge generation well. And Lola’s
piercing scream shows she is the master of this game.
Tykwer’s Berlin is every (big)city, where the established society, represented
by Lola’s middle class parents ( Herbert Knaup, Ute Lobosch) play their own
games (breaking established rules) and as ever, dismiss the next generation for
their rebellious and defiant behavior.
In the end , Lola and Manni - with goodwill (Monika Bleibtreu as blind and
trusting, and Beate Finck as casino cashier chipping in some cash) and luck,
and love for each-other, may well be headed towards a “win”.
(German) Lola Rennt – “Vor dem Spiel ist nach dem Spiel”, und es ist noch nicht vorbei!Anlässlich seiner Wiederauffuehrung im Kino zu seinem 25. Jubiläum im Jahr 2024 ist der Film „Lola Rennt“ des deutschen Regisseurs Tom Tykwer immer noch wunderbar frisch und spannend. Sein Film war 1998 eine komplett neuartige filmische Erzählweise , die das immer wiederbeginnendeVideospielformat als Konzept verwendete. Lola (Franka Potente) mit „Skittles-roter“ Haarpracht, Tanktop, zerrissenen Jeans und schweren Stiefeln vernimmt ueber ihr rotes Telefon den Hilferuf ihres Freundes Manni (Moritz Bleibtreu) aus einer Telefonzelle mitten in Berlin.Der Klein-Kriminelle hat gerade eine Tasche mit Geld, Bezahlung für verkaufte Beute, in einer Straßenbahn zurückgelassen, als er diese fluchtartig verlassen hatte um nicht erwischt zu werden, als er ohne Fahrschein fuhr.Leider bleiben ihm nur zwanzig Minuten, um die Summe von 100.000 Mark an Gangsterboss Ronnie (Heino Ferch) zu übergeben.Nun muss sie, Lola fuer Manni den Karren aus dem Dreck ziehen, sonst gibt es sehr schlimme Konsequenzen.Und nach einigem Überlegen, schnappschussartig fuer den Zuschauer mit zu verfolgen, rennt Lola los. Als sie die Wohnung verlässt und die Treppe hinunterstürmt, wechselt Tykwer zu einem Lola-Cartoon, nur um sie wieder in die echte Lola zurueck zu verwandeln, während sie atemlos durch die Straßen der Stadt sprintet. Der Soundtrack ist ein gleichmäßiger Beat von Tykwers Texten zu Schlagzeug. Lolas Ziel bei jedem Schritt: das Geld zu bekommen und Mannis Leben retten! Der gleichmäßige Rhythmus beginnt mit einer riesigen Uhr. Sie gibt das Tempo des Films vor wie ein Timer für das Spiel. Der Prolog sagt uns, dass es Regeln gibt – und als ein Fußball in die Luft geschossen wird, bestimmt das Thema „Nach dem Spiel ist vor dem Spiel“ (S. Herberger) den Ablauf jeder Szene. Ein Wachmann sagt: „Der Ball ist rund, (das) Spiel dauert 90 Minuten. …soviel ist klar!“Und so beginnt das Spiel. Lolas Lauf durch die Stadt kreuzt den Weg einer Reihe von Menschen. In Momentaufnahmen-Manier gibt Tykwer Einblicke in deren Schicksal, das sich in einem Moment entscheidet. Unser Fokus liegt auf der Handlung, darauf, wie die Geschichte für Lola ausgehen wird. Wir hoffen auf dass sie einen Sieg davon traegt“.Die Uhr zeigt die 20-Minuten-Marke an und das Spiel muss jedesmal beendet werden.Aber dann sagt Lola erstaunlicherweise und zur Freude aller „Nein“ und bekommt eine weitere Chance.Das Spiel beginnt von vorne. Sie rennt wieder los.Tykwer wiederholt die Geschichte zeitlich leicht versetzt –und lässt sie insgesamt dreimal ablaufen.Lola und Manni spielen, ein bisschen wie Bonnie und Clyde, ein Glücksspiel. Ihre Persönlichkeiten passen gut zur heutigen Generation am Rande der Gesellschaft. Und Lolas durchdringender Schrei zeigt, dass sie die Meisterin dieses Spiels ist.Tykwers Berlin ist jede (Groß-)Stadt, in der die etablierte Gesellschaft, vertreten durch Lolas Mittelklasseeltern (Herbert Knaup, Ute Lobosch), ihre eigenen Spiele spielen (und etablierte Regeln brechen) und wie immer die nächste Generation für ihr rebellisches und trotziges Verhalten abtut.Am Ende könnten Lola und Manni – mit gutem Willen guter Menschen (Monika Bleibtreu als blinde und vertrauensselige Spielerin und Beate Finck als Casino-Kassiererin, die etwas Geld beisteuert), Glück und Liebe zueinander – durchaus auf einen „Sieg“ zusteuern.
(English) WE Grown Now , https://acedmagazine.com/we-grown-now-charms-and-compels/
This charming coming-of-age film follows two boys (wonderful performances by Blake Cameron as Malik and Gian Knight Ramirez as Eric) who grow up in the early 1990s in Chicago’s largest public housing project, Cabrini-Green. Malik and his pal Eric dream of reaching the stars, and, as narrator Malik explains, the kids know that what makes them stand out is to be able to “jump”!
The film opens with images of the kids soaring above the asphalt, an image that sets the tone for this story. As boys and girls jump rope or pivot off a mattress, they rise above their environment, literally. Malik, who is the film’s narrator, leads the task of dragging a mattress from an abandoned apartment on the top floor of a 12-story building to use in their games. They make it all the way down the many stairs. That the elevator is broken, the boys simply accept with grace. We meet Malik’s mother (June Smollett) as she spends her days keeping the family going, tired from the job that does not pay enough. Her frustration is palpable, in her quest for more for her mother and her son, but the prospects seem distant. Grandmother Anita (a perfectly cast S. Epatha Merkerson) had once moved from her native South to Cabrini-Green on the promise of this same dream. The bright orange curtains she had sewn when she first arrived remain a reminder of her hopes. They will take us through to the film’s end, when reminders for a precious new life may no longer be needed. The real sacrifice, Bain shows us, is the loss of the old ties. Merkerson as Anita is empathetic, an always kind grandmother who encourages her daughter to seize every opportunity to grow. We and she see Malik’s creativity and we know he needs saving.
Chicago writer and director Minhal Baig who also co-produced the film, gives us an example when Malik takes his friend Eric on an adventure. The best friends break out of their status quo. They cut class and ride a train to visit Chicago’s Art Institute. Art is a way for 10-year olds to experience an alternative to their stress filled housing situation.
The film is set in the early 1990s, and we are surprisingly presented with a nostalgic view of an oasis of a childhood. We Grown Up offers hope in light of the decline of the large housing project. Director Baig centers the action on actual 1992 incident that brings residents together. Change is overdue. The film’s main characters’ portrayal is wonderful, the children are naturals, bringing to their roles a joy that truly shines!
(German)We Grown Up (Wir sind jetzt erwachsen) Dieser charmante Film über das Erwachsenwerden handelt von zwei Jungen (wunderbare Darstellungen von Blake Cameron als Malik und Gian Knight Ramirez als Eric), die Anfang der 1990er Jahre in Chicagos größtem Sozialwohnungsprojekt, Cabrini-Green, aufwachsen. Malik und sein Kumpel Eric träumen davon, nach den Sternen zu greifen, und, wie der Erzähler Malik erklärt, wissen die Kinder, dass sie sich dadurch auszeichnen, dass sie „springen“ können! Der Film beginnt mit Bildern der Kinder, die über den Asphalt schweben, ein Bild, das den Ton für diese Geschichte angibt. Wenn Jungen und Mädchen Seil springen oder sich von einer Matratze abheben, erheben sie sich buchstäblich über ihre Umgebung. Malik, der Erzähler des Films, leitet die Aufgabe, eine Matratze aus einer verlassenen Wohnung im obersten Stockwerk eines 12-stöckigen Gebäudes zu schleppen, um sie für ihre Spiele zu verwenden. Sie schaffen es die vielen Treppen hinunter. Dass der Aufzug kaputt ist, akzeptieren die Jungen einfach mit Anmut. Wir treffen Maliks Mutter (June Smollett), die ihre Tage damit verbringt, den Familienzusammenhalt zu erhalten, müde von ihrem Job, der nicht genug abwirft. Ihre Frustration ist spürbar, in ihrem Streben nach mehr für ihre Mutter und ihren Sohn, aber die Aussichten scheinen in weiter Ferne. Großmutter Anita (perfekt besetzt mit S. Epatha Merkerson) war einst mit der Erwartung eines besseren Lebens Taus den Südstaaten nach Chicago in den Cabrini-Green Distrikt gezogen. Die leuchtend orangefarbenen Vorhänge, die sie bei ihrer Ankunft genäht hatte, bleiben eine Erinnerung an ihre Hoffnungen. Ihre Vision wird uns bis zum Ende des Films begleiten, lange nachdem sie vielleicht noch nötig waren. Das Opfer, das sie fuer ihre Veraenderung bringen muss, so zeigt uns Bain, ist der Verlust der alten Bindungen. Merkerson ist als Anita einfühlsam, eine immer positive Großmutter, die ihre Tochter ermutigt, jede Gelegenheit zu ergreifen, um zu ueber sich hinaus zu wachsen. Wir und sie sehen Maliks Kreativität und wissen, dass er “gerettet” werden muss. Die Chicagoer Drehbuchautorin und Regisseurin Minhal Baig, die den Film auch co-produziert hat, macht dies fuer uns an einer Begebenheit deutlich. Sie schickt Malik und seinen Freund Eric auf ein Abenteuer. Die besten Freunde brechen aus ihrem Status Quo aus. Sie schwänzen die Schule und fahren mit dem Zug zum Art Institute of Chicago. Kunst ist für die 10-Jährigen eine Möglichkeit, eine Alternative zu ihrer stressigen Wohnsituation zu erleben.
Der Film spielt in den frühen 1990er Jahren und bietet uns überraschenderweise einen nostalgischen Blick auf eine Oase der Kindheit. “We Grown Up” gibt uns Hoffnung angesichts des Niedergangs dieses großen Wohnprojekts. Die Handlung konzentriert Regisseurin Baig auf einen tatsächlichen Vorfall aus dem Jahr 1992, der die Bewohner zusammenbringt. Veränderungen sind überfällig. Die Darstellung der Hauptfiguren des Films ist wunderbar, die Kinder sind Naturtalente und bringen eine Freude in ihre Rollen, die wirklich wie eine Sonne strahlt!
(English) BABES, in https://acedmagazine.com/babes-quick-whited-comedy/
Pamela Adlon directs the new comedy Babes - Two New York friends, Eden and Dawn have always promised to stick together through thick and thin, and one of them, Eden, after a romantic evening with a handsome man (Stephan James), discovers that she is pregnant. What do you do when you run a yoga studio in Astoria and the handsome man has unfortunately disappeared? Not everyone is ready for this, not her best friend Dawn (Michelle Buteau) and especially not her dad (played for a few great moments by Oliver Platt) - "I'd be happy to meet your kid some day", he says. So she soldiers on and we believe her, from loving food to extra emotions, in her case maybe not what you would expect. Of course she wants her best childhood friend to accompany her on this new adventure, even if Dawn has been through it all, and now is literally consumed by her family, the second child and the job she really wanted to get back to. She is a dentist with an adoring husband (Hasan Minhaj), and two adorable, demanding little kids, and a now ever progressive needy mommy-to-be. If breast-feeding is one's only all consuming concern, the home is happy, it is time to own up to that childhood promise to share everything, including what Dawn already knows, that this is not going to be easy. The film is smart, loud and cheeky, but such a comedy is urgently needed, who hasn't experienced something like that? Ilana Glazer wrote Babes together with her colleague Josh Rabinowitz, and is its leading actress. The friend duo, Eden and Dawn, Ilana Glazer and Michelle Buteau, are wonderful in it and play off each other perfectly. A real women's film, guys invited, for sure! Be prepared to hear and ( almost) see everything you always wanted to know from conception to cutting the umbilical cord, it is all said out loud. Motherhood as comedy, we could use more of that! Great fun through the New York scene, Nora Ephron would be proud!
(German) Babes, Pamela Adlon führt bei der neuen Komödie Babes Regie – Zwei New Yorker Freundinnen, Eden und Dawn, haben sich immer versprochen, durch dick und dünn zusammenzuhalten, und eine von ihnen, Eden, entdeckt nach einem romantischen Abend mit einem gutaussehenden Mann (Stephan James), dass sie schwanger ist. Was tut man, wenn man ein Yogastudio in Astoria betreibt und der gutaussehende Mann leider verschwunden ist?Nicht jeder ist darauf vorbereitet, nicht ihre beste Freundin Dawn (Michelle Buteau) und vor allem nicht ihr Vater (gespielt für einige großartige Momente von Oliver Platt) – „Ich würde mich freuen, Ihr Kind eines Tages kennenzulernen“, sagt er. Also macht sie weiter und wir glauben ihr, von der Liebe zum Essen bis hin zu zusätzlichen Emotionen, in ihrem Fall vielleicht nicht das, was man erwarten würde. Natürlich möchte sie, dass ihre beste Freundin aus Kindertagen sie bei diesem neuen Abenteuer begleitet, auch wenn Dawn alles durchgemacht hat und jetzt buchstäblich von ihrer Familie, dem zweiten Kind und dem Job, zu dem sie wirklich zurückkehren wollte, in Anspruch genommen wird. Sie ist Zahnärztin mit einem sie anbetenden Ehemann (Hasan Minhaj), zwei entzückenden, anspruchsvollen kleinen Kindern und einer mittlerweile immer fortschrittlicheren, bedürftigen werdenden Mama. Wenn das Stillen die einzige alles verzehrende Sorge ist und das Zuhause glücklich ist, ist es an der Zeit, sich zu dem Kindheitsversprechen zu bekennen, alles zu teilen, auch das, was Dawn bereits weiß, nämlich dass es nicht einfach wird.Der Film ist klug, laut und frech, aber so eine Komödie braucht es dringend, wer hat so etwas nicht schon erlebt? Ilana Glazer hat Babes zusammen mit ihrem Kollegen Josh Rabinowitz geschrieben und ist die Hauptdarstellerin. Das Freundinnenduo Eden und Dawn, Ilana Glazer und Michelle Buteau, sind darin wunderbar und spielen perfekt zusammen. Ein echter Frauenfilm, Männer sind auf jeden Fall eingeladen! Machen Sie sich darauf gefasst, alles zu hören und (fast) zu sehen, was Sie schon immer wissen wollten, von der Empfängnis bis zum Durchtrennen der Nabelschnur, alles wird laut ausgesprochen. Mutterschaft als Komödie, davon könnten wir mehr gebrauchen! Ein toller Ausflug durch die New Yorker Szene, Nora Ephron wäre stolz!
(English) Wildcat, in https://acedmagazine.com/wildcat-a-surreal-tapestry/
(English) Wildcat, Director Ethan Hawke co-wrote (with Shelby Gaine) and directed the 2023 film “Wildcat” starring Maya Hawke as Flannery O’Connor and Laura Linney as her mother Regina. In it he weaves the life of American iconic author and her poignant Gothic tales about rural life in her native American South into an intense 105 minute tapestry of the surreal! Hawke’s daughter Maya portrays O’Connor, the author of many short stories and a one novel that all have a decidedly dark side. From the opening scene we are in Flannery’s imagination, prickly typed tales in which we and she experience the protagonist’s every moment. The film has Hawke and Linney as her mother in a series of seamless episodes morph from real to fictitious characters playing out scenarios spun in O’Connor’s head! A bride is carried over the threshold, a fearful girl cowering in her car, a man fascinated by a woman’s prosthetic leg, a mother who pays the ultimate price for a seeming good deed, and a woman sealing her daughter’s fate. Each segment offers a peek into O’Connor’s creative universe!O’Connor is portrayed as a shy, awkward young woman in her 1950s college and social settings far from home. Already recognized as a promising American literary star by her professor, poet Robert Lowell (Philip Ettinger) who is in love with her intellect, O’Connor turns her unrequited love for him into the drama of her Gothic tales. From the opening sequence of a B movie trailer, we find ourselves immersed in O’Connor’s fictitious world, never sure where life turns into fiction, characters or actions are real or imagined, and how intensely the drama will play out in the vast unforgiving landscape, excellently captured by Steve Cosens’ cinematography.The film moves from snippets of Flannery’s obsessions, as she navigates life outside of her community to episodes set in her quirky Southern family. O’Connor’s mother becomes the towering figure - in a wide range from simplistic to elegant – the model for stories forming in the author’s head. As she communicates intensely with the publisher of her prize-winning first novel she resolutely insists to go it alone and quickly retreats back to her native South.She leaves her professor and confidante with whom she shares her love of literature, to spend - as the film’s epitaph notes - her final 14 years in her room, dying of Lupus at the age of only 39. Her main form of contact, letters, excerpts read in Hawke’s voice, offer beautiful insights into this relationship beyond the mailbox she is able to physically reach.A cameo by Liam Neesen shows the film’s view of O’Connor’s desire as devout Catholic to use her talent to achieve the ultimate – the desire for grace. We follow the author as she grapples with the growing discomfort of Lupus, the disease her father succumbed to too early in life. Under the protective watchful eyes of her mother, she endures its effects and painful treatment.Thanks to the writing of Ethan Hawke, Maya Hawke as O’Connor, the always wonderful Laura Linney, and an excellent supporting cast, the film brings an important icon of American literary South, Flannery O'Connor, to life!
(German) Wildcat, Regisseur Ethan Hawke ist Mit-Autor (mit Shelby Gaine) und Regisseur des 2023 erschienenen Films „Wildcat“ mit Maya Hawke als Flannery O’Connor und Laura Linney als ihrer Mutter Regina. Darin webt er das Leben der amerikanischen Kultautorin und ihre eindringlichen duesteren Geschichten um das ländliche Leben ihrer heimischen Südstaaten zu einem intensiven 105-minütigen Wandteppich des Surrealen! Hawkes Tochter Maya porträtiert O’Connor, die Autorin vieler Kurzgeschichten und eines Romans, die alle eine ausgesprochen dunkle Seite haben. Von der Eröffnungsszene an befinden wir uns in Flannerys Fantasie, in stacheligen Geschichten, in denen wir und sie jeden Moment im Leben ihrer Protagonisten hautnah erleben. Im Film verwandeln sich Hawke und Linney als ihre Mutter durch einer Reihe nahtloser Episoden, von realen zu fiktiven Charakteren, die die Szenarien durchleben, und alle O’Connors Fantasie entspringen!Eine Braut wird über die Schwelle getragen, ein ängstliches Mädchen kauert in ihrem Auto, ein Mann ist fasziniert von der Beinprothese einer Frau, eine Mutter zahlt den höchsten Preis für eine scheinbar gute Tat und eine Frau besiegelt das Schicksal ihrer Tochter. Jede Szene gibt Einblicke in O’Connors erstaunlich kreatives Universum!O’Connor wird als schüchterne, unbeholfene junge Frau in ihrem College- und sozialen Umfeld der 1950er Jahre, weit weg von zu Hause, dargestellt. Ihr Professor, der Dichter Robert Lowell (Philip Ettinger), der in ihren Intellekt verliebt ist, erkennt sie bereits als vielversprechenden amerikanischen Literaturstar an und O’Connor verwandelt ihre unerwiderte Liebe zu ihm in das Drama ihrer Geschichten.Von der Eröffnungssequenz, einem B-Movie-Trailer an tauchen wir in O’Connors fiktive Welt ein und sind uns nie sicher, wo das Leben zur Fiktion wird, wo die Charaktere oder Handlungen real oder eingebildet sind, und wie intensiv sich das Drama in der riesigen, unerbittlichen Landschaft abspielen wird, die von Steve Cosens’ Kameraarbeit hervorragend gezeigt wird.Der Film reiht Ausschnitte von Flannerys Obsessionen aneinander, während sie sich durch das Leben außerhalb ihrer Gemeinschaft schlägt, unterbrochen von Episoden, die in ihrer schrulligen Südstaatenfamilie spielen. O’Connors Mutter wird zur überragenden Figur – in einer breiten Palette von simpel bis elegant – zum Vorbild für Geschichten, die sich in der Gedankenwelt der Autorin bilden. Während sie intensiv mit dem Verleger ihres preisgekrönten ersten Romans kommuniziert, besteht sie entschlossen darauf, es allein zu versuchen, und zieht sich schnell wieder in ihre Heimat Südstaaten zurück. Sie verlässt ihren Professor und Vertrauten, mit dem sie ihre Liebe zur Literatur teilt, um – wie es in der Nachschrift des Films heißt – ihre letzten 14 Jahre in ihrem Zimmer zu verbringen und im Alter von nur 39 Jahren an Lupus zu sterben. Ihre wichtigste Kontaktform, Briefe, Auszüge, die mit Hawkes Stimme vorgelesen werden, bieten schöne Einblicke in diese Beziehung jenseits des Briefkastens, den sie physisch erreichen kann.Ein Kurz-Auftritt von Liam Neesen zeigt die Sicht des Films auf O’Connors Wunsch als gläubige Katholikin, ihr Talent zu nutzen, um das Höchste zu erreichen – den Wunsch nach Gnade. Wir begleiten die Autorin bei ihrem Kampf mit den zunehmenden Beschwerden von Lupus, der Krankheit, der ihr Vater viel zu früh erlag. Unter den beschützenden, wachsamen Augen ihrer Mutter erträgt sie die Folgen und die schmerzhafte Behandlung.Dank des Drehbuchs von Ethan Hawke, Maya Hawke als O’Connor, der immer wunderbaren Laura Linney und einer hervorragenden Nebenbesetzung erweckt der Film eine wichtige Ikone der amerikanischen Literatur des Südens, Flannery O’Connor, zum Leben!
Adios, Buenos Aires, A Love Story, https://acedmagazine.com/adios-buenos-aires-a-love-story/
(English) Shayda - Australian Iranian story of one woman’s quest for freedom, a woman sits with her six year old daughter and receives instructions how to be and stay safe from the child’s estranged father. It is a very emotional scene that immediately sets the stage for the story of Shayda, for which Iranian-Australian filmmaker Noora Niasari’s directorial debut is named. Its main character, played with great audience connection by French-Iranian actor Zar Amir Ebrahimi, shows the young Iranian mother’s courage and love for the life of her six year old daughter (played wonderfully by Selina Zahednia as Mona). We meet them, sometime in the 1990s, post the altercation that led them to take refuge at an Australian women’s shelter during the two weeks of Persian New Year (Nowruz). After fleeing her abusive husband Hossein (Osamah Sami, convincingly portrayed by Osamah Sami, a university student whom his young wife and child had accompanied from their native Iran, Niasari describes Shayda’s first careful steps navigating life alone in a new country with the help of her new-found friends. How will she navigate her Iranian expat community that continues to live by its traditional values? The scenes of the father’s visits with his daughter illustrate the child’s confusion and the “dance” between the two worlds. The film, based upon a true story (photos during the credits show the mother and daughter who served as its inspiration), does include Shayda’s efforts to convince her Iranian husband to accept her, and her new-found understanding of how life is lived in another culture. Hossein with initial charm and more and more frustration, tries to draw his wife and his their daughter into returning home to Iran. His wish that all resume their former given roles, lead to an increasingly tense drama. While Shayla follows the path of many women who are victimized in their marriages, as an immigrant Niasari shows how she has to navigate the two cultures, with ties to her past life that continues to hold her captive in her new found country. She has to not only learn new cultural values but also quickly find a voice in a new language. The director shows a translator accompanying her process of liberation and also excellently providing added cultural information. Her Australian advocates sensitively guide her to stay protected and yet still be able to interact with her Iranian culture and to share its positive values with her child, i.e. attending a holiday celebration and visiting with her Iranian exile community. Though the women in this group accept the old values that restrict women compared to freedoms enjoyed by their Australian sisters, in the end it is these women, though tied to their cultural heritage who help Shayda to separate herself from her husband without giving up her love of her culture.In this story, they, too, learn that the treatment of Shayda, and all women as victims cannot continue. Against the backdrop of Australia’s contemporary special concern for victims of marital abuse, this film, produced in part by celebrity Cate Blanchett, sends the message that no matter the cultural differences, intimidation both verbally nor physically is acceptable and that immigrants are as protected as are those born in the country. It is film filled with hope, an important film that speaks to our global outlook and the lessons for a peaceful coexistence.
(German)Ghostbusters, Die neuen “Ghostbusters” beginnen mit einer wilden Verfolgungsjagd, bei der die Spengler/Grooberson-Familie (Paul Rudd, Carey Coon, McKenna Grace, Finn Wolfhard) in ihrem “Ghost-Mobil” einer bösartig aussehenden, riesigen, Aal-ähnlichen Kreatur mit sehr scharfen Zähnen durch die Straßen von New York, knapp über dem Verkehr der Stadt fliegend, nachjagt. „Ohhhh“, sagt ein Polizist zu seinem Kollegen und beide blicken hoch, „rufen Sie die Zentrale nicht – sie haben es (die vorbei rasenden Ghostbusters!) super im Griff!“ Wie die Polizei und Feuerwehr sind auch die “Ghostbusters” zu einem festen Bestandteil unserer freundlichen Helfer geworden.Und so sehen wir, wie sie mit allen möglichen extra Wunderwaffen herumschlittern– darunter ein Sitz, der herausspringt, um ein besseres Zielen zu ermöglichen, und neueste Technologien, sogar eine Drohne, die vom Dach des Autos gestartet wird, um diese schrecklichen Geister einzufangen, die mittlerweile die Geisterfanganlage im historischesn Ghostbuster-Haus , dem alten Feuerwehrhaus, hoffnungslos überfüllen. Und ja, ihre Methoden laufen nicht immer reibungslos ab. Es ist also nur eine Frage der Zeit, bis ein neues Ereignis – der Verlust der Gefangenen von der “anderen Seite” – die Handlung bestimmen muss. Dieses Mal stehen ein uraltes Artefakt, Protonenbarrieren und das Stoppen der nächsten Eiszeit im Mittelpunkt dieses Films – voller Nostalgie und wundervoller neuer Wendungen in der Handlung, die auch den neuesten Ghostbusters-Film zu einem reinen Vergnügen machen! Natürlich gibt es die alte Crew, aber auch wunderbare neue Mitspieler. Gemeinsam müssen sie die Welt retten! Wenn Sie also die neuen Akteure noch nicht kennen, die sich den alten Leuten wie Akroyd, Murray und Co. angeschlossen haben, ist das gar kein Problem! Die beiden Teenager (Grace als Phoebe und Wolfhard als Trevor Spengler) sind bezaubernd – sie sind brillante kluge Köpfe mit genau der richtigen Portion “Nerdigkeit”, um trotz des immer genervten Bürgermeisters (William Atherton), der ihr Geister-Fang Geschäft schließen will, sich bei allen grosser Beliebtheit zu erfreuen.
Diese Protonen-Wissenschaft, die die Geister in ihren Käfigen festhält, ist ziemlich unbeständig, und so passiert mitten im Film das Unvermeidliche: Die gruseligen und widerwärtigen Geister entkommen alle und scheinen viel grünen Schleim zu verschütten oder zu spucken, besonders auf die neuen Charaktere, die ihre Kapriolen mit Geduld akzeptieren – das ist eben typisches Geisterverhalten – ganz normal in diesem Ghostbuster-Universum!Es ist alles nicht ganz so schlimm, und selbst der schlimmste und riesige böse Geist mit sehr langen Hörnern, der, wie unsere gelehrten Geisterzerstörer herausgefunden haben, in einer seltsamen Messingkugel gefangen ist und die Fähigkeit besitzt, diejenigen einzufrieren, die ihm im Weg stehen. Und da ist dieses Geistermädchen (Emily Alyn Lind), das sehr gut Schach spielt (ich „hatte viel Zeit zum Üben“…) – das offenbar einen sehr guten Grund hat, dem alten bösen Geist zu helfen, wieder frei zu kommen.Eine wunderbare Ergänzung ist der Komödiant Kumail Ali Nanjiani, der vom unfreiwilligen zum versierten „Feuermeister“ wird. Er passt gut zu den Ghostbuster-Jungs, wir hoffen, ihn und alle anderen bald wiederzusehen!Die mehr als dreiteiligen Serie der „Ghostbusterfilme“ ist nie wirklich gruselig genug. Immer dürfen wir raten, welche neuen Gefahren auf unsere Freunde warten, dieses Mal geht es um Feuer- und Eis.Wen ruft man, wenns um Spaß geht? Die Macher scheinen zu sagen: Her mit der ganzen Bande der Spengler-Familie! Diese Ghostbusters sind super. Los geht’s!English, Kung Fu Panda 4, in Spinbinmag: https://www.spinbinmag.com/post/kung-fu-panda-4-review-by-susanne-nielsen
(English) Zone of Interest, a slow burn, https://acedmagazine.com/zone-of-interest-a-slow-burn/
“The Zone of Interest,” demands german born Sandra Hueller playing a character to compartmentalize her emotions well. Love and empathy are reserved for those who are closest to her as Hueller’s character Hedwig Hoess, wife of the commandant of Auschwitz, is able to completely distance herself from those she has been conditioned to look down upon.
The film begins with a visual pause during which we focus upon sound rather than image, a point made by director Jonathan Glazer that will become more and more relevant throughout the film. Pictures deceive, he seems to say, and what we hear, are secrets best kept out of view - in this film - behind a wall. We first see the Hoess family at the lake, the children playing. Then it is time to leave, everyone gathers their things, and the automobile convoy heads home. It is the early1940s, Poland, - Auschwitz.
The family’s house is two-story with a generous garden filled with many beds of flowers and even a little square pool in its middle. All seems well managed by helping hands, girls from the village who do the work in the house and inmates from the work camp next door who labor in the garden.
Husband and wife and their children seem in harmony, except for an occasional fight. We learn that they come from farming and Hedwig’s dream is to return to this life once the war is over.
We see her go about her day, carrying her baby to the garden gate to say goodbye to papa as he goes to work, in polished boots and gray uniform, severely cropped hair. The insignia of the “SS” and their German language denotes the times, setting those in charge apart from those whom they govern. On horseback and among his men Commandant Hoess’ status is one of importance, he meets with engineers, discussing his plans to make extermination even more efficient.
The world of the men is presented separate from Hedwig’s world of women. In her domaine she demonstrates equal efficiency as she parcels out garments (“I have my connections” she tells her husband when he asks about the origins of her birthday gift for him, etc.) to her staff and takes the most luxurious items like a mink coat for herself. In private she methodically searches it for added treasures like jewelry or coins sewn into the seams presumably by its former owner. We see her tending her well appointed garden of countless varieties of flowers, fruit and vegetables, letting her child take in the scents and accepting her mother’s admiration.
Something is odd about this idyll. Visually, the wall to the neighboring property, the camp, has barbed wire at the top, but this concrete barrier that Hedwig hopes her growing garden will soon hide, cannot stop the sounds from beyond it. The smallest of the children, a little boy, playing with his toy soldiers listens with apprehension. The visiting grandmother seems more disturbed by the scents than the sounds.
At night, when the reddish glare of the chimney and the sky glow behind the tightly drawn curtains, and the accompanying roar cannot disguise what we know must be burning there, - like a dream - the Thermal night-vision images show a girl gathering fruit which she deposits in the areas where the workers in the camp must pass. It is an ingenious way to show what those brave enough to aid the people confined to the labor camp, do to help them.
Zone of Interest is a quiet film that gets under your skin. Its message comes to us, disturbing and intense, unexpected, a garden of paradise garden with terrifying secrets just beyond.
(German) Zone of Interest, Im letzteren Film, unlängst in US Kinos angelaufen, auf Deutsch mit Untertiteln, gelingt es Sandra Hüllers Hedwig Hoess, sich völlig von denen zu distanzieren, auf die sie konditioniert ist, herabzuschauen.
Der Film beginnt mit einer regelrechten Bild-Pause, in der wir uns auf den Ton statt der visuellen Szenen konzentrieren müssen– eine Absicht des Regisseurs Jonathan Glazer, die im Laufe des Films immer relevanter wird. Bilder täuschen, scheint er zu sagen, und was man hört, sind Tatsachen, die man am besten geheim hält – hinter einer Mauer.
Zuerst sehen wir die Familie Höss am See, die spielenden Kinder. Dann heißt es aufbrechen, alle packen ihre Sachen zusammen und der Autokonvoi macht sich auf den Heimweg.
Es ist Anfang der 1940er Jahre, Polen, – Auschwitz.
Das Haus der Familie ist zweistöckig und verfügt über einen großzügigen Garten voller Blumenbeete und sogar einem kleinen Pool in der Mitte. Alles scheint gut betreut, innen von helfenden Händen einiger Mädchen aus dem Dorf, die die Arbeit rund im Haus erledigen, und draussen erledigen die Insassen aus dem Arbeitslager nebenan die Arbeit im Garten.
Der Ehemann und seine Frau und ihre Kinder scheinen bis auf einen gelegentlichen Streit in Harmonie zu leben. Wir erfahren, dass sie aus der Landwirtschaft stammen und Hedwigs Traum es ist, in dieses Leben zurückzukehren, sobald der Krieg vorbei ist.
Wir sehen, wie sie ihrem Tagesprogramm nachgeht, wie sie ihr Baby zum Gartentor trägt, um sich von Papa zu verabschieden, als er in polierten Stiefeln und grauer Uniform zur Arbeit geht. Zu Pferd und unter seinen Männern erscheint er groß und von Bedeutung. Er trifft sich mit Ingenieuren und bespricht die von ihm entworfenen Pläne, um seine Aufgabe, die Vernichtung, noch effizienter durchzufuehren.
Die Filmszenen zeigen abwechselnd sein wie auch Hedwigs Welt. Sie handelt ebenso effizient wie ihr Mann, wenn sie Kleidungsstücke(wie seidene Wäsche) an ihre Hausangestellten austeilt, und sich selbst die luxuriösesten Gegenstände wie einen Nerzmantel nimmt und ihn systematisch nach zusätzlichen Schätzen durchsucht, wie zum Beispiel Schmuck, den ihre frühere Besitzerin vielleicht die Nähte eingenäht hat. Wir sehen, wie sie ihren gut angelegten Garten mit unzähligen Blumen-, Obst- und Gemüsesorten pflegt, ihr Kind an den Blumen riechen lässt und die Bewunderung ihrer Mutter fuer ihre Großzügige Wohnsituation zufrieden aufnimmt.
Aber irgendetwas ist seltsam an dieser Idylle. Optisch ist es die Mauer zum Nachbargrundstück, die oben mit Stacheldraht versehen ist, vor allem aber die Geräusche hinter dieser Mauer, die vor allem die Kleinsten der Kinder und die zu Besuch kommende Großmutter beunruhigen, letztere so sehr, dass sie abreist.
Nachts, wenn der rötliche Schein des Schornsteins und des ihn umgebenden Himmels durch die Vorhänge scheint und das laute Geräusch der Brennanlagen nicht darüber hinwegtäuschen kann, was dort, wie wir wissen, brennen muss, zeigen die Infrarotbilder – wie in einem Traum – ein Mädchen, das Früchte sammelt versteckt sie wo die Arbeiter im Lager vorbeikommen werden. Es ist eine geniale Möglichkeit zu zeigen, was diejenigen tun können, die mutig genug sind, den im Arbeitslager eingesperrten Menschen zu helfen.
„Zone of Interest“ ist ein stiller Film, der unter die Haut geht. Seine Botschaft erreicht uns, und wirkt verstörend und suggestiv durch die Kraft dessen was wir hören.
English Migration, https://acedmagazine.com/migration-family-friendly/
(German) Migration - ist ein (Zeichentrick) Abenteuer, auf (Vogel-)Kinder-Sicht von Regisseur Benjamin Renner (und Mike White) erzaehlt, einer Illumination Produktion mit einer amusanten familienfreundlichen Geschichte komplett mit Happy End!
(German) „Iron Claw“ – der Name von Fritz von Erichs charakteristischem Griff nach seinem Gegner in seiner frühen Ringer-Karriere – dient als Titel des Films und steht gleichermaßen für den Griff des Patriarchen nach seinem Gegner, aber auch nach dem Leben seiner Söhne. Die Von Erichs galten als die beliebteste Ringer-Familie in Texas, und Fritz‘ Besessenheit für den Sport und den Machismo, der diese Showmanier prägt, ist der Kern der gesamten Familiengeschichte. Der zweistündige Film von Regisseur Sean Durkin schildert, wie die Von Erichs (ursprünglich Adkisson genannt) einen Weg des „Do or Die“ in die persönliche Tragödie nahmen, während sie sich mit ihren eigenen Fähigkeiten auseinandersetzten, sich zu übertreffen suchten und bis zum heutigen Tag im gesamten Süden der USA begeisterte Fans haben. Szenen aus der ausverkauften Sport-Halle und die Akrobatik dieses Sports gehören zu den Höhepunkten von „Iron Claw“.Ein Biopic über die Von Erichs schien überfällig, und die Besetzung liefert eine würdige Hommage: Im Mittelpunkt steht Zack Efron als zweiter Sohn, NWA-Preisträger Kevin Von Erich, der hartnäckig der Besessenheit seines Vaters gehorchte, den Weltmeisterschafts-Preis mit nach Hause zu bringen, und dabei bei einem Münzwurf scheiterte, von seinem Vater dazu ausgewählt zu werden, und bald darauf mehr und mehr auf dessen Ablehnung stößt. Der Patriarch (die erste Schwarz-Weiß-Szene stellt das Bild des gnadenlosen Wrestlers am besten dar) will den siegreichen Trophäen-Gürtel haben – und einer seiner Söhne – egal welcher von ihnen – muss ihn gewinnen, um den Ruf der Familie zu wahren. Nach und nach bringt Fritz sie alle ins Familiengeschaeft des Ringens und besteht darauf, dass sie ihr Leben dem Traum ihres Vaters widmen, für "gute Leistungen belohnt" zu werden.Vor allem Efron portraetiert hervorragend die Bemühungen jedes Sohnes, seinem Vater zu gefallen (eisig gespielt von Holt McCallany) – und die Enttäuschung, die Anerkennung oder Liebe dieses Vaters nicht zu erlangen. Der Rest der Besetzung der Von Erich Familie, Jeremy Allen White als Kerry Von Erich, Harris Dickinson als David Von Erich und Maura Tierney als distanzierte Doris Von Erich, wurde ausgezeichnet besetzt um Aspekte dieser wahren Geschichte, der Hingabe und Angst gegenüber einem Allmächtigen Patriarchen für seine Sache, darzustellen. Am Ende erfuellt sich ein anhaltender „Fluch“, der eine Familientragödie nach der anderen mit sich bringt, von Unfällen bis hin zu Selbstmorden (der zweite wurde vom Regisseur ausgelassen), die schwer zu verkraften und zu verstehen sind, aber ein sicherlich gut gemeintes Wiedergeben des Regisseurs und ein Zeugnis der Geschichte des Ringens mit all seinen immensen physischen und psychischen Auswirkungen. Die Schauspieler zeigen beides, es wird der Sport mit seiner Fan-Gemeinde und gut choreografierten Stunts und seinem oft verheerenden (persönlichen) Finale dargestellt. Kevin von Erich steht trotz so vieler Verluste weiterhin im Mittelpunkt der Geschichte, und wie wir erfahren, lebt er, um den Traum seines Vaters fortzusetzen. Dies ist der Epitaph einer sehr traurigen Familiengeschichte und eine Hommage an die Kraft des Ringens als integraler Bestandteil des amerikanischen Sports.
English , Maestro - Larger than Life, by Susanne Nielsen, https://acedmagazine.com/maestro-larger-than-life/ -
Sich selbst „Gott“ zu nennen, Baxters eigenes Gesicht und die bizarre Tiermenagerie, die durch die Gärten direkt vor seiner Praxis, dem Zentrum seiner Welt, wandert (Dafoe belegte für seine Rolle einen chirurgischen Kurs), sind Beweis für seine Bemühungen, seinem Eigentümlichen körperliche Gestalt zu verleihen Vision der Welt. Lanthimos lässt uns das Bild manchmal treffend durch eine Fischaugenlinse betrachten, in Schwarzweiß oder in Farbe.
Bella und der Rest der Charaktere wie ein verliebter Anwalt (Mark Ruffalo), ein weichherziger Assistent von „Gott“ (Ramy Youssef), eine Madam (Kathryn Hunter) und in einem überraschenden Cameo-Auftritt Hanna Schygulla (einst Muse des Berühmten). Der deutsche Filmregisseur Rainer Fassbender als Bellas Begleiterin auf einem Dampfschiff ist wunderbar übertrieben und unvergesslich. Sie alle wandern durch eine traumhafte Welt aus mit Zucker überzogenen, seltsam schönen, bonbonfarbenen gotischen Visionen geschwungener, verzierter viktorianischer Ausblicke.
Stone spielt Bella überzeugend, von unsicher bis getrieben, während sie sich von einem Experiment zu einer Frau entwickelt, die das Bedürfnis hat, die Welt über Kontinente und Ozeane hinweg zu erkunden. Ihre Rolle unterscheidet sich von der der viktorianischen Frauen, da sie mit einem Sinn für sexuelle Neugier und dem Bedürfnis zu überleben handelt. Sie stürzt (uns) von einem Abenteuer ins nächste, während sie auf eine Nebenbesetzung bizarrer Figuren trifft – eine Anspielung des Regisseurs auf die Filme von Fellini, Jeunet, Caro und anderen.
Die Geschichte wirkt wie eine absurde Erzählung, die uns visuell und mental in ihr eigenes Universum lockt, eine Plattform für das absolut Übertriebene, die uns dazu bringt, gemeinsam mit Bella unsere Gedanken von innen nach außen und auf den Kopf zu stellen, eine Gothic-Fantasie, für die keine Operation erforderlich ist !
English, Wish, https://acedmagazine.com/wish-family-friendly-entertainment/
Asha und ihre Familie feiern den 100. Geburtstag ihres Großvaters, und die junge Frau wirft ihre wunderschönen langen schwarzen Zöpfe zurück und trägt ein langes Kleid in einem Stil, der irgendwo zwischen mittelalterlich und orientalisch liegt (ebenso wie die vielseitige Architektur in dieser magischen, glücklichen Welt). Eine besondere Hoffnung: Dies könnte endlich das Jahr sein, in dem ihr Großvater seinen Wunsch von ihrem König – im Rahmen der jährlichen Wunschzeremonie - erfüllt bekommt.
Wir erfahren aber auch sofort, warum sie besonders aufgeregt ist, denn am Alter ihres Großvaters liegt die Erfüllung nicht, sondern in ihrer Hoffnung, ihrem Geheimnis: sie ist eine Bewerberin für eine Position, die dem Anführer des Königreichs sehr nahe steht, einem Mann, den sie verehrt und wie jeder andere im Reich, ihr ganzes Vertrauen in seine Fürsorge setzt. In dieser Position könnte sie ihren Wunsch schneller als andere erfüllt bekommen.Die Dinge sind nie so, wie sie scheinen, und wie in jedem guten Märchen hält die Geschichte viele Wendungen bereit, die für spannende Unterhaltung für alle Altersgruppen sorgen. Es gibt einige Tiere, die unerwartete Dinge tun, einen süßen unerwarteten Besucher, einige Verfolgungsjagden und Entdeckungen wundervoller Orte und trotz aller Gefahren ist natürlich ein Happy End garantiert.
Die Animation ist reizend, die Ausblicke verträumt, von im Wasser schwimmenden Booten bis hin zu durch den Himmel schwebender Kugeln, Asha und ihre Freunde, die sie unterstützen, sind schrullig und der böse Charakter ist in seinem Bestreben, alles zu kontrollieren, größtenteils allein.Auch wenn dieser Film nicht mit den größten Filmen mithalten kann, sind wir sicher, dass es ein unterhaltsamer Nachmittag für die ganze Familie wird.(English)The Holdovers, https://acedmagazine.com/the-holdovers-emotional-and-convincing/
Paul Giamatti is excellent in his role as Paul Hunham, a luckless teacher at a private boarding school, where he is left behind during the winter holidays with a group of “hold-overs”. He has been put in charge of the students who have no place to go during the Christmas Holidays. The film’s director Alexander Payne is reunited in this production with Giamatti after their successful pairing in the film Sideways. In a similar sentiment towards his characters, the director chose a story based upon the book by Marcel Pagnol (The Butcher’s Wife), known for his quiet humor. This film is, we should point out, for those who would like to see another side of the holidays. While Paul seems to accept his lot without protest, as atonement for not given a passing grade to the son of a rich donor, Giamatti plays this underdog role with elegance. His students do their best to escape their plight: left in the care of what seems their least favorite "father figure”. Precedent for their disrespect of his rules has long been set ,as we see, since both Hunham’s colleagues and the school’s headmaster show him little regard. He accepts all for reasons the film reveals along the way. Students challenge his attempts to exert any type of authority in so many ways, adding a bit of comedy to the plot. But it is the instructor's acceptance of his own short comings, emotionally and academically, his willingness to accept his fate and to be the companion and equal to his two holiday holdover employees assisting him, that lets us root for Paul. His quest for a woman he secretly admires becomes a pleasant detour. As he brings humanity to all that the world around them seems to lack, he becomes a gentle hero of the story. His empathy to the cook (Da’Vine Joy Randolph) who just lost a son to the Vietnam war and to the school’s janitor are endearing and lovely. He accepts her mild mockery and even acts on her advice as she encourages his romantic pursuit towards a school employee he has fancied for a long time. The humor is quiet and well paced, the emotions convincing. For a short time everyone sets aside the strict code of conduct that seems to have emotionally have served none of them, they each bring more heart to the lives of one another , form a bond (Giamatti with newcomer Dominic Sessa) and the result is trust and support in surprising ways.With so few characters in this story, and its slow pace to reveal the relationships among them, the director lets us discover what drives his main character. The Holdovers is a quiet and surprisingly charming film due mostly to Paul Giamatti, a film full of lessons for life
(German)The Holdovers - die Zurückbleibenden, Paul Giamatti ist hervorragend in seiner Rolle als Paul Hunham, ein glückloser Lehrer an einem privaten Internat, wo er während der Winterferien mit einer Gruppe von „Zurueck-Bleibenden“ zurückgelassen wird. Ihm wurde die Betreuung der Schüler übertragen, die während der Weihnachtsferien keinen Ort haben, an den sie gehen können. Der Regisseur des Films, Alexander Payne, ist in dieser Produktion wieder mit Giamatti vereint, nachdem sie im Film „Sideways“ erfolgreich zusammengearbeitet hatten. In einer ähnlichen Haltung gegenüber seinen Figuren wählte der Regisseur eine Geschichte, die auf dem Buch von Marcel Pagnol („Die Frau des Metzgers“) basiert, der für seinen ruhigen Humor bekannt ist. Wir sollten betonen, dass dieser Film für diejenigen gedacht ist, die die Feiertage von einer anderen Seite sehen möchten.Während Paul sein Los ohne Protest zu akzeptieren scheint, als Sühne dafür, dass er dem Sohn eines reichen Spenders bei der Prüfung durchrasseln liess, spielt Giamatti diese Außenseiterrolle mit Eleganz. Seine Schüler tun ihr Bestes, um ihrer Notlage zu entkommen oder sie müssen in der Obhut dessen bleiben, der ihnen scheinbar als fuersorgliche Vaterfigur am allerwenigsten gefällt. Wie wir sehen, ist schon seit langem ein Präzedenzfall für die Missachtung seiner Regeln geschaffen worden, da sowohl Hunhams Kollegen als auch der Schulleiter wenig Rücksicht auf ihn nehmen. Er akzeptiert alles aus Gründen, die der Film im Laufe der Story preisgibt. Die Schüler stellen seine Versuche, irgendeine Art von Autorität auszuüben, auf vielfältige Weise in Frage, was der Handlung seine milde Komik verleiht.Aber es ist die Akzeptanz des Lehrers für seine eigenen emotionalen und akademischen Unzulänglichkeiten, seine Bereitschaft, sein Schicksal zu akzeptieren und der Begleiter und Gleichberechtigte seiner beiden Urlaubsmitarbeiter zu sein, die ihn unterstützen, nehmen uns für Paul ein. Seine Suche nach einer Frau, die er heimlich bewundert, wird zu einem amüsanten Intermezzo.Indem er denen, denen er begegnet, Menschlichkeit zeigt, was der Welt um ihn herum zu fehlen scheint, wird er zum sanften Helden seiner Geschichte. Sein Einfühlungsvermögen gegenüber der Köchin (Da’Vine Joy Randolph), die gerade einen Sohn durch den Vietnamkrieg verloren hat, und gegenüber dem Hausmeister der Schule ist leinfuehlsam und liebenswert. Er akzeptiert den milden Spott der Köchin und folgt sogar ihrem Rat, als sie ihn ermutigt, seine romantische Zuneigung einer Schulangestellten, die er schon lange verehrt, neu zeigen.Der Humor ist ruhig, die Emotionen im film überzeugen. Für eine kurze Zeit legt jeder den strengen Verhaltenskodex beiseite, der emotional keinem von ihnen gedient zu haben scheint, jeder bringt mehr Herz in das Leben des anderen, baut eine Bindung auf (Giamatti mit dem Neuzugang Dominic Sessa) und das Ergebnis ist Vertrauen und Unterstützung auf überraschende Weise.Angesichts der wenigen Charaktere in dieser Geschichte und des langsamen Tempos, in dem die Beziehungen zwischen ihnen offenbart werden, lässt uns der Regisseur in Ruhe herausfinden, was seine Hauptfigur bewegt. „The Holdovers“ ist ein überraschend charmanter Film, der vor allem der Schauspielkunst Paul Giamattis zu verdanken ist, ein Film voller kleiner Lebenweisheiten.
English, Napoleon germanradioshow.com
Ridley Scott’s film Napoleon tells the story of the French general and eventually emperor’s life, who united his people after the turbulent years of revolution. The film is most of all a history lesson. Seeing Joaquin Phoenix fight, falter, stumble, fall, and stoically continue in his quest for power - in battles in France, a war with Russia, two exiles, and remaining resilient throughout is exhausting. Through it all Scott focusses on Napoleon’s love for one women, Josephine. This film takes us through Napoleon’s life. It does not answer questions nor does it delve into the character of the French leader.It follows the outsider from Corsica on his steady rise from captain who, victorious and loyal in the time of the French revolution, consequently rises to General, is rewarded for his victories and accepts without grudge punishment for his defeats. As the film opens we see the final moments of Queen Marie Antoinette. Paraded through a mob that pelts her as a symbol of the out-of-touch monarchy, in her close-up, she walks to her death by guillotine. Joaquin Phoenix, still a Captain in the French army, is witness to this scene, and to the actions of politicians, among them his brother, who again and yet again, keep toppling the highest ranking among them. Napoleon uses his skills in the battlefield for his rise. Phoenix has played larger than life characters, especially villains and outsiders with much success before, the harsh emperor in Gladiator, with camera close-ups to match - yet the in Napoleon the director keeps him from taking center stage.And, instead of focusing the camera on Napoleon Scott places him among his men, charging on his horse into battle amidst the countless soldiers at war. These scenes are made for the big screen, and Scott makes them the center of his drama. The scenes are well choreographed; they characterize the violence of man and horse (Napoleon's comes to a very violent end).The landscape is vast, the interiors opulent, as are the costumes. Napoleon is well appointed in uniforms with elaborate embroidery, Josephine elegant at banquets and in the boudoir. Quite an undertaking, the film Napoleon is yet another piece of the historic puzzle. While telling the life story of Napoleon, the film’s contribution to its historic authenticity it is also its short-coming in the portrayal of Napoleon himself. We are left to wonder why the adoration of this man who crowned himself emperor and sought to live up to the standards of kings all the way to ancient Egypt, was so unique, so absolute. In the end it is not war, but love that conquers him.
(German) Napoleon, Ridley Scotts Film Napoleon erzählt die Geschichte des Lebens des französischen Generals und späteren Kaisers, der sein Volk nach den turbulenten Jahren der Revolution vereinte. Der Film ist vor allem eine Geschichtsstunde. Zu sehen, wie Joaquin Phoenix kämpft, schwankt, stolpert, fällt und stoisch sein Streben nach Macht fortsetzt – in Schlachten in Frankreich, einem Krieg mit Russland, zwei Verbannten und durchgehend widerstandsfähig zu bleiben, ist anstrengend. Dabei konzentriert sich Scott auf Napoleons Liebe zu einer Frau, Josephine. Dieser Film führt uns durch Napoleons Leben. Es beantwortet weder Fragen noch befasst es sich mit dem Charakter des französischen Anführers. Es folgt dem Außenseiter aus Korsika auf seinem stetigen Aufstieg vom Kapitän, der in der Zeit der Französischen Revolution siegreich und loyal war und anschließend zum General aufsteigt, wofür er belohnt wird seine Siege und nimmt ohne Groll die Strafe für seine Niederlagen hin. In der Eroeffnungs-Sequenz des Films sehen wir die letzten Momente von Königin Marie Antoinette. Sie wird durch einen Mob geführt, der sie als Symbol der berührungslosen Monarchie beschimpft, und in ihrer Nahaufnahme geht sie durch die Guillotine in den Tod. Joaquin Phoenix, immer noch Hauptmann der französischen Armee, ist Zeuge dieser Szene und des Handelns von Politikern, darunter seines Bruders, der immer wieder die höchsten Ränge unter ihnen stürzt. Napoleon nutzt seine Fähigkeiten auf dem Schlachtfeld für seinen Aufstieg. Phoenix hat schon früher mit großem Erfolg überlebensgroße Charaktere gespielt, vor allem Schurken und Außenseiter, den strengen Kaiser in „Gladiator“, mit passenden Kamera-Nahaufnahmen – doch in „Napoleon“ hält der Regisseur ihn davon ab, im Mittelpunkt zu stehen. Und statt ihn zu fokussieren Kamera auf Napoleon Scott platziert ihn inmitten seiner Männer, wie er auf seinem Pferd inmitten der unzähligen Soldaten im Krieg in die Schlacht stürmt. Diese Szenen sind für die große Leinwand gemacht und Scott macht sie zum Mittelpunkt seines Dramas. Die Szenen sind gut choreografiert; Sie charakterisieren die Gewalttätigkeit von Mensch und Pferd (Napoleons Werk endet sehr gewalttätig). Die Landschaft ist gross, die Innenräume opulent, ebenso wie die Kostüme. Napoleon wird in Uniformen mit aufwendigen Stickereien kaiserlich praesentiert, Josephine elegant bei Banketten und im Boudoir. Ein ziemliches Unterfangen, der Film „Napoleon“ ist ein weiteres Teil des Puzzles der Europaeischen Geschichte. Während der Film die Lebensgeschichte Napoleons erzählt, trägt er zwar zu seiner historischen Authentizität bei, weist aber auch einen Mangel an der Darstellung Napoleons selbst auf. Wir müssen uns fragen, warum die Verehrung dieses Mannes, der sich selbst zum Kaiser krönte und bis ins alte Ägypten danach strebte, den Maßstäben der Könige gerecht zu werden, so einzigartig und so absolut war. Am Ende ist es nicht der Krieg, sondern die Liebe, die ihn besiegt.
German, Sommer 1900, Schweiz. Die 17-jährige Elisabeth will gerade ihr Gelübde ablegen, als der plötzliche Tod ihrer älteren Schwester sie dazu zwingt, das Kloster zu verlassen und auf den Bauernhof der Familie zurückzukehren. Erstickt durch die erdrückenden und strengen Regeln des Dorfes folgt Elisabeth dem Beispiel ihrer Schwester, um das Geheimnis ihres Todes zu lüften, und wird langsam dazu getrieben, gegen die örtliche Ordnung zu rebellieren und ihr Recht, ihr Leben zu leben, einzufordern.________________________________________________
Sommer 1900, Schweiz. Die 17-jährige Elisabeth will gerade ihr Gelübde ablegen, als der plötzliche Tod ihrer älteren Schwester sie dazu zwingt, das Kloster zu verlassen und auf den Bauernhof der Familie zurückzukehren. Erstickt durch die erdrückenden und strengen Regeln des Dorfes folgt Elisabeth dem Beispiel ihrer Schwester, um das Geheimnis ihres Todes zu lüften, und wird langsam dazu getrieben, gegen die örtliche Ordnung zu rebellieren und ihr Recht, ihr Leben zu leben, einzufordern.
Wunderschoen, so sehen sich die Protagonistinnen, darunter Martina Gedeck und Deutschlands Kommoediantin Nummer Eins, eben gar nicht mehr. Sie kaempfen mit der Rolle der Frau, der Mutter und Geschaeftsfrau, und wer wird hierbei wohl gewinnen?
Corsage zu dem eingeschnuerten Dasein der Kaiserin von Oesterreich, Sissi, die ihr Korsett als Sinnbild der von ihr verlangten Einschraenkungen traegt wie eine Krone. Corsage als Filmtitle bringt allerdings kulturelle Missverstaendnisse mit sich in den US Markt, wo Corsage Blumengesteck, das man bei einem Ball traegt bedeutet, nicht Korsett. Beides mag auf die Kaiserin, einst sorgenfreie Prizessin zu Bayern, zutreffen, nur nicht in diesem Film, der sie in ihrem 40ten Jahr zeigt.
Monte Verita , ein Film ueber die Kolonie der Aussteiger nahe Ascona, wo sich auch eine junge Ehefrau hinfluechtete, die bei dieser Gruppe zu sich selbst als Fotografin findet. Sie bricht mit ihrer Tradition als Mutter und ihrem Manne untertan. Wunderbare Bilder und ein wahrer Hintergrund, der Hermann Hesse als Bewohner dieser Kolonie zeigt.
Ich bin Dein Mensch , von Maria Schrader perfekt inszeniert, soll die Protagonistin einen Roboter drei Wochenlang testen, ob er zu ihrem idealen Partner werden kann. Sie ist neugierig, und nimmt an. Ob man einen Partner will, der alles tut was das eigene Ego wiederspiegelt? Das ist die sehr philosophische Frage. Wie mag sie sich entscheiden? Sehens- und Diskutierenswerter Film. Wanda, das Wunder, skuriler schweizer Film ueber das Oben und Unten im Leben. Marthe Keller als schweizer Matriarchin, die ihren Mann und auch so ziemlich jedes Fiasko in ihrer Familie voller nicht wohlgeratener mitglieder uebersteht. Man gab ihr dafuer einen Filmpreis.
Kaiserschmarrndrama, der neueste in der Reihe der Sebastian Bezzel Krimis, der im tiefsten Bayern politisch unkorrekt und herrlich stereotyp seine Story entfaltet. Herzlich lachen und viele Augen zudruecken koennen, heisst zwei Stunden im tiefsten Bayern grossen Spass erleben. Lisa Maria Potthoff wunderbar als Freundin, und Simon Schwarz als der Polizeikollege, diesmal im Rollstuhl , aber nicht lange.
Der Spielemacher: Im Deutsch-Kroatischen Gangster Spielemacher Millhieu angesiedelt, spielt Frederick Lau einen ex Straefling, der wieder ins normale Arbeitsleben finden will. Einstmal Fussball-Aufsteiger kann er sich nicht wieder eingliedern, weil ihn seine Vergangenheit stets verfolgt. Doch sein Glueck beim Erkennen guter Fussballer der jungstes Generation bringt ihm rasch ein Angebot ins Spielemachen,was er fuer seinen Kroatisch-Deutschen Gangsterchef auf einen sehr schraegen Weg bringt. Ob er doch noch eine Chance bekommt?Zoros Solo ist ein deutscher Film mit Fluechtlingsthema. Wie kommt ein 14jaehriger Afghanen-Junge, der mit Mutter und Schwester der auf der Flucht von dem Vater getrennt wurde, dazu einem christlichen deutschen Knabenchor beizutreten? Alles um den in Ungarn zurueckgeblieben Vater, ganz “solo” zu retten. Ein Weg mit Hindernissen, von der Chorleiterin bis zur fuer ihn immer wieder unverstaendlichen deutschen Kultur und einem guten Schuss Trauma – Zoro wird seinen Weg finden. Coup, ein neuer deutscher Film ueber eine Millionen-Unterschlagung bringt uns eine (fast) unglaubliche Geschichte, die der Regisseur nach Original-Audio-Aufnahmen mit dem Taeter in einen Film verwandelt hat. Langsam rollt er den Hergang ab, jedoch fehlt dem Film die Spannung, wir sehen den gealterten Hauptakteur Jahre spaeter und aelter uns die Handlung wieder erzaehlen. Die Lotterszene der siebziger und achtziger ist perfekt inszeniert, fuer manchen pure Nostalgie, ein Zeitbild.
Bruder Schwester Herz: (siehe auch unser Interview mit dem Regisseur im Fruehjahr 2020 im Programm)Tom Sommerlattes zweiter Film seiner Trilogie, die Geschwisterbeziehungen beleuchtet, ist wie er selber sagt, eine Anlehnung an das Western Genre, jedoch spielt die Geschichte von Bruder/Schwester, die eine Rinderzucht betrieben in Deutschland. Der Film bringt uns ein Zusammenspiel von weiten Landschaftsaufnahmen und einer sowohl innigen als auch von Konflikten durchsetzten Beziehung - dem Drang der beiden inzwischen Dreissigjaehrigen nach Freiheit und Zweisamkeit um den invaliden Vater. Sie bleiben in einer Bindung, die sich nie ganz loesen laesst. Schoen erzaehlt, mit viel Mut zu Ruhe und Bewegung. Sehenswert.
Werk ohne Author, (Never Look Away) 2018, - Film von Regisseur Florian Henckel von Donnersmarck, (Das Leben der Anderen), ausgezeichneter sehr langer (188 Minuten) Film zum Leben von dem Maler Gerhard Richter. Der Kuenstler Joseph Beuys als sein Lehrer und grosser Einfluss im Westen, "ausradiert" im Osten, den er verlaesst und in der staendigen Auseinandersetzung mit seinem Schwiegervater, einem Frauenarzt und Klinikleiter, der ein dunkles Geheimnis und einen Drang nach Macht dem jungen Kuenstler entgegensetzt. Sehenswert und Oscarwuerdig. Mit Sebastian Koch, Tom Schilling, Paula Beer, Saskia Rosendahl.Der Traffikant (Oesterreich) : Ein Junge lernt in Wien das Handwerk des Rauchwaren Haendlers, was man im oesterreichischen Traffikant nannte. Er geraet in die Zeiten des Umbruchs, und des aufsteigenden Nationalsozialismus. Er verliebt sich in eine junge Boemin und holt sich Rat bei einem guten Kunden des Ladens, bei Dr. Siegmund Freud persoenlich. Ein Film voller Poesie und Fantasie in ungewissen Zeiten.
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