Movies-KinoKinoKino - German and English on Germanradioshow by Susanne Nielsen
Movies-KinoKinoKino - German and English on Germanradioshow by Susanne Nielsen
2024 Films/Filme:
Published in
(in German) GERMANRADIOSHOW.COM (germanradioshow.blogspot.com )
(in English) ACED Magazine /Tampa, WWW.ACEDMAGAZINE.COM (search: Susanne Nielsen)
(in English) https://www.spinbinmag.com
Florida office mailing address:
ACED MAGAZINE NETWORK, 11603 Fairfield Court/ Spring Hill, FL 34609
John Delia, Sr., Film Editor/Critic , Member of Southeastern Film Critics Association SEFCA and Critics Association of Central Florida CACF
NEW REVIEWS:
von/by Susanne Nielsen
(English) Fly Me to the Moon ( Flieg mich auf den Mond) (https://acedmagazine.com/fly-me-to-the-moon-a-creative-rom-com/)
For those in the mood for a perfect romantic comedy, with smart dialogues and the perfect casting, Fly Me to the Moon is all of that!
The Apollo Mission to the Moon and all the sixties fashions (with a nod to predecessor movie “Barbie,”) are at the center of the story.
We meet hunk Channing Tatum as launch director Cole Davis, who works hard to get the next Apollo Mission off the ground, and are introduced to a gorgeous bleach blonde marketing wiz Kelly Jones (Scarlett Johansson) in her element, using every trick of the trade to sweet-talk a group of execs into selling sports cars to the ladies of the house.
Shady behind the scenes character Moe Berkus with a direct line to the President (yes, the White House) is played with panache by Woody Harrelson, Secret Service man extraordinaire - who holds all the strings of the action.
Harrelson first gets Johansson’s character found out by the reluctant car execs, only to enlist her to help him drum up the interest of the American entire nation for his boss’s favorite project: Nixon wants to make Kennedy’s dream reality: To put a man on the Moon! And, of course, to beat the Russians to the finish line!
First, in this story, the gal has to meet the guy. Tatum spots her sitting Monroe-style at a table and gazes love struck at the beautiful blonde, and gets to save her, all in a diner near their place of work, the Florida Apollo launch site Cape Canaveral.
With NASA’s not so secret weapon, the fabulous Advertising lady from New York as their new Press Agent, who is willing to do almost everything to get NASA back into the limelight, the project cannot fail, then again, Moe wants to make very sure.
Kelly's very first task, having a window installed to update her new office, shows her talent to push past every obstacle and enlist the men and adoring female assistant (Ruby Martin) around her to get the job done.
There is another twist that will drive the story, Moe’s reason for keeping Johansson ever so close, he knows her secret and could make it go away, if she plays along. And so she does.
Since technology is pretty new and a quite volatile, America’s public trust has to be served and political funding depends on it. So Moe pushes for parallel realities, a moon landing on the earth to be broadcast, just in case the one on the moon runs into a snag.
A zany film director(Jim Rash) and a black cat (and what a great actress she is!) play some leading and very funny roles. There is enough wit and just enough romance to keep us guessing and hoping - a very enjoyable catch! The Sinatra song will have you humming your way home.
(German) Flieg mich auf den Mond Für alle, die Lust auf eine perfekte romantische Komödie mit cleveren Dialogen und der perfekten Besetzung haben, ist Flieg mich auf den Mond genau das Richtige!
Die Apollo-Mission zum Mond und die Mode der 60er Jahre (mit Anspielung auf den Vorgängerfilm „Barbie“) stehen im Mittelpunkt der Geschichte.
Wir treffen den gut aussehenden Channing Tatum als Startleiter Cole Davis, der hart daran arbeitet, die nächste Apollo-Mission auf die Beine zu stellen, und lernen die wunderschöne, blondierte Marketing-Expertin Kelly Jones (Scarlett Johansson) kennen, die in ihrem Element ist und alle Tricks des Fachs anwendet, um eine Gruppe von Führungskräften dazu zu überreden, den Damen des Hauses Sportwagen zu verkaufen.
Der zwielichtige Charakter Moe Berkus mit direktem Draht zum Präsidenten (ja, zum Weißen Haus) wird mit Bravour von Woody Harrelson gespielt, einem außergewöhnlichen Geheimdienstmann, der alle Fäden der Handlung in der Hand hält.
Harrelson sorgt dafür, dass Johanssons Figur zunächst von den widerstrebenden Automanagern entdeckt wird, nur um sie dann zu gewinnen, um ihm dabei zu helfen, das Interesse der gesamten amerikanischen Nation für das Lieblingsprojekt seines Chefs zu wecken: Nixon will Kennedys Traum wahr machen: Einen Mann auf den Mond bringen! Und natürlich die Russen im Ziel überholen!
In dieser Geschichte muss die Traumfrau erst einmal ihren Traummann treffen. Tatum entdeckt sie im Monroe-Stil an einem Tisch sitzend, verguckt sich in die schöne Blondine und rettet sie sogar, Ort der Begegnung ist ein Diner in der Nähe ihres Arbeitsplatzes, dem Apollo-Startplatz in Florida, Cape Canaveral.
Mit NASAs neuer Geheim-Waffe, der fabelhaften Werbedame aus New York als neuer Presseagentin, die bereit ist, fast alles zu tun, um die NASA wieder ins Rampenlicht zu rücken, kann das Projekt nicht scheitern. Andererseits will Moe ganz sicher gehen.
Kelly beginnt ihre Arbeit damit, ein grosses Fenster in das alte Büro einbauen zu lassen, um es - wie da ganze Projekt, auf den neuesten Stand zu bringen, Beweis fuer ihr Talent, jedes Hindernis zu überwinden und die Männer um sich herum und ihre devote Assistentin (Ruby Martin) zu gewinnen, um alle Arbeit voran zu treiben.
Und gleich nach der Romanze kommt eine wichtige Wendung, die die Geschichte bestimmt: Moes Grund, Johansson ganz nahe im Blick zu behalten, und ihr klarzumachen, dass er ihr Geheimnis kennt und es verschwinden lassen kann, aber nur wenn sie brav mitspielt. Und so tut sie das.
Da die Technologie ziemlich neu und ziemlich unbeständig ist, meint Moe das öffentliche Vertrauen Amerikas mit ein paar extra Tricks zu bedienen und auch die politische Finanzierung hängt vom Erfolg der Sache ab. Also drängt Moe darauf parallele Realitäten aufzustellen: Seine Idee, eine Mondlandung auf der Erde, die übertragen werden soll, - nur für den Fall, dass die Mondlandung als Event doch nicht ganz so glatt verläuft.
Ein verrückter Filmregisseur (Jim Rash) und eine schwarze Katze (und was für eine großartige “Schauspielerin” sie ist!) spielen eine gewisse Rolle und tragen zur Kommodere bei. Es gibt genug Komik und Romantik, wir rätseln und hoffen auf ein Happy End – ein sehr unterhaltsamer Film! Das Sinatra-Lied bleibt einem noch lange im Kopf.
Run Lola Run - game is not over yet! in https://acedmagazine.com/run-lola-run-wonderfully-fresh/
On its 25th
anniversary’s rerelease in 2024, German director Tom Tykwer’s film “Run Lola
Run” is still wonderfully fresh and exciting. His was a very novel way of film
story-telling using the video game format as concept in 1998). Lola ( Franka
Potente) with a “Skittles-red” shock of hair, tank-top, torn jeans, and heavy
boots, answers her boyfriend Manni’s ( Moritz Bleibtreu) call for help from a
phone booth in the middle of Berlin.
The two-bit criminal has just lost a bag of money, payment for loot, left
behind on a streetcar when he tries to avoid getting caught for riding without
a ticket.
Unfortunately, he has only twenty minutes left to hand over the 100,000.- Marks
to gangster-boss Ronnie ( Heino Ferch).
And girlfriend Lola now needs to save Manni from some very big consequences.
And after some rapid thinking, Lola starts to run. As she leaves the apartment
and storms down the staircase Tykwer switches to a Lola-cartoon, only to turn
her back into the breathless Franka Potente as she sprints through the city’s
streets. The soundtrack is a steady beat of Tykwer lyrics to percussion. Lola’s
goal with every step: to get the money, and save a life! The steady rhythm
starts with a giant clock. It sets the movie’s pace like a timer for the game.
The prolog tells us there are rules - and as a soccer ball is kicked in the air
the theme “After the game is before the game, (S. Herberger) sets the scene. A
watchman says: “The ball is round, (the) game is 90 minutes. …that much is
clear! “And so it begins. Lola, in her run through
town, crosses paths with a number of people. In snapshot manner, Tykwer gives
glimpses of what their fate, decided by one moment. Our focus is on the action,
how the story will play out for Lola. We are hoping for a “ win”. The clock hits the twenty minute mark, and the game must end.But then, amazingly, and to everyone’s delight, Lola says “ no” and gets
another chance. The game starts over. Off she goes again. Tykwer repeats the story - lets it play three times in all.
Lola and Manni, a bit like Bonnie and Clyde, are playing a game of chance.
Their personalities match today’s on-the-edge generation well. And Lola’s
piercing scream shows she is the master of this game.
Tykwer’s Berlin is every (big)city, where the established society, represented
by Lola’s middle class parents ( Herbert Knaup, Ute Lobosch) play their own
games (breaking established rules) and as ever, dismiss the next generation for
their rebellious and defiant behavior.
In the end , Lola and Manni - with goodwill (Monika Bleibtreu as blind and
trusting, and Beate Finck as casino cashier chipping in some cash) and luck,
and love for each-other, may well be headed towards a “win”.
(German) Lola rennt – “Vor dem Spiel ist nach dem Spiel”, und es ist noch nicht vorbei!Anlässlich seiner Wiederauffuehrung im Kino zu seinem 25. Jubiläum im Jahr 2024 ist der Film „Lola Rennt“ des deutschen Regisseurs Tom Tykwer immer noch wunderbar frisch und spannend. Sein Film war 1998 eine komplett neuartige filmische Erzählweise , die das immer wiederbeginnendeVideospielformat als Konzept verwendete. Lola (Franka Potente) mit „Skittles-roter“ Haarpracht, Tanktop, zerrissenen Jeans und schweren Stiefeln vernimmt ueber ihr rotes Telefon den Hilferuf ihres Freundes Manni (Moritz Bleibtreu) aus einer Telefonzelle mitten in Berlin.Der Klein-Kriminelle hat gerade eine Tasche mit Geld, Bezahlung für verkaufte Beute, in einer Straßenbahn zurückgelassen, als er diese fluchtartig verlassen hatte um nicht erwischt zu werden, als er ohne Fahrschein fuhr.Leider bleiben ihm nur zwanzig Minuten, um die Summe von 100.000 Mark an Gangsterboss Ronnie (Heino Ferch) zu übergeben.Nun muss sie, Lola fuer Manni den Karren aus dem Dreck ziehen, sonst gibt es sehr schlimme Konsequenzen.Und nach einigem Überlegen, schnappschussartig fuer den Zuschauer mit zu verfolgen, rennt Lola los. Als sie die Wohnung verlässt und die Treppe hinunterstürmt, wechselt Tykwer zu einem Lola-Cartoon, nur um sie wieder in die echte Lola zurueck zu verwandeln, während sie atemlos durch die Straßen der Stadt sprintet. Der Soundtrack ist ein gleichmäßiger Beat von Tykwers Texten zu Schlagzeug. Lolas Ziel bei jedem Schritt: das Geld zu bekommen und Mannis Leben retten! Der gleichmäßige Rhythmus beginnt mit einer riesigen Uhr. Sie gibt das Tempo des Films vor wie ein Timer für das Spiel. Der Prolog sagt uns, dass es Regeln gibt – und als ein Fußball in die Luft geschossen wird, bestimmt das Thema „Nach dem Spiel ist vor dem Spiel“ (S. Herberger) den Ablauf jeder Szene. Ein Wachmann sagt: „Der Ball ist rund, (das) Spiel dauert 90 Minuten. …soviel ist klar!“Und so beginnt das Spiel. Lolas Lauf durch die Stadt kreuzt den Weg einer Reihe von Menschen. In Momentaufnahmen-Manier gibt Tykwer Einblicke in deren Schicksal, das sich in einem Moment entscheidet. Unser Fokus liegt auf der Handlung, darauf, wie die Geschichte für Lola ausgehen wird. Wir hoffen auf dass sie einen Sieg davon traegt“.Die Uhr zeigt die 20-Minuten-Marke an und das Spiel muss jedesmal beendet werden.Aber dann sagt Lola erstaunlicherweise und zur Freude aller „Nein“ und bekommt eine weitere Chance.Das Spiel beginnt von vorne. Sie rennt wieder los.Tykwer wiederholt die Geschichte zeitlich leicht versetzt –und lässt sie insgesamt dreimal ablaufen.Lola und Manni spielen, ein bisschen wie Bonnie und Clyde, ein Glücksspiel. Ihre Persönlichkeiten passen gut zur heutigen Generation am Rande der Gesellschaft. Und Lolas durchdringender Schrei zeigt, dass sie die Meisterin dieses Spiels ist.Tykwers Berlin ist jede (Groß-)Stadt, in der die etablierte Gesellschaft, vertreten durch Lolas Mittelklasseeltern (Herbert Knaup, Ute Lobosch), ihre eigenen Spiele spielen (und etablierte Regeln brechen) und wie immer die nächste Generation für ihr rebellisches und trotziges Verhalten abtut.Am Ende könnten Lola und Manni – mit gutem Willen guter Menschen (Monika Bleibtreu als blinde und vertrauensselige Spielerin und Beate Finck als Casino-Kassiererin, die etwas Geld beisteuert), Glück und Liebe zueinander – durchaus auf einen „Sieg“ zusteuern.
(English) WE Grown Now , see ( acedmagazine.com)
This charming coming-of-age film follows two boys (wonderful performances by Blake Cameron as Malik and Gian Knight Ramirez as Eric) who grow up in the early 1990s in Chicago’s largest public housing project, Cabrini-Green. Malik and his pal Eric dream of reaching the stars, and, as narrator Malik explains, the kids know that what makes them stand out is to be able to “jump”!
The film opens with images of the kids soaring above the asphalt, an image that sets the tone for this story. As boys and girls jump rope or pivot off a mattress, they rise above their environment, literally. Malik, who is the film’s narrator, leads the task of dragging a mattress from an abandoned apartment on the top floor of a 12-story building to use in their games. They make it all the way down the many stairs. That the elevator is broken, the boys simply accept with grace. We meet Malik’s mother (June Smollett) as she spends her days keeping the family going, tired from the job that does not pay enough. Her frustration is palpable, in her quest for more for her mother and her son, but the prospects seem distant. Grandmother Anita (a perfectly cast S. Epatha Merkerson) had once moved from her native South to Cabrini-Green on the promise of this same dream. The bright orange curtains she had sewn when she first arrived remain a reminder of her hopes. They will take us through to the film’s end, when reminders for a precious new life may no longer be needed. The real sacrifice, Bain shows us, is the loss of the old ties. Merkerson as Anita is empathetic, an always kind grandmother who encourages her daughter to seize every opportunity to grow. We and she see Malik’s creativity and we know he needs saving.
Chicago writer and director Minhal Baig who also co-produced the film, gives us an example when Malik takes his friend Eric on an adventure. The best friends break out of their status quo. They cut class and ride a train to visit Chicago’s Art Institute. Art is a way for 10-year olds to experience an alternative to their stress filled housing situation.
The film is set in the early 1990s, and we are surprisingly presented with a nostalgic view of an oasis of a childhood. We Grown Up offers hope in light of the decline of the large housing project. Director Baig centers the action on actual 1992 incident that brings residents together. Change is overdue. The film’s main characters’ portrayal is wonderful, the children are naturals, bringing to their roles a joy that truly shines!
(German)We Grown Up (Wir sind jetzt erwachsen) Dieser charmante Film über das Erwachsenwerden handelt von zwei Jungen (wunderbare Darstellungen von Blake Cameron als Malik und Gian Knight Ramirez als Eric), die Anfang der 1990er Jahre in Chicagos größtem Sozialwohnungsprojekt, Cabrini-Green, aufwachsen. Malik und sein Kumpel Eric träumen davon, nach den Sternen zu greifen, und, wie der Erzähler Malik erklärt, wissen die Kinder, dass sie sich dadurch auszeichnen, dass sie „springen“ können! Der Film beginnt mit Bildern der Kinder, die über den Asphalt schweben, ein Bild, das den Ton für diese Geschichte angibt. Wenn Jungen und Mädchen Seil springen oder sich von einer Matratze abheben, erheben sie sich buchstäblich über ihre Umgebung. Malik, der Erzähler des Films, leitet die Aufgabe, eine Matratze aus einer verlassenen Wohnung im obersten Stockwerk eines 12-stöckigen Gebäudes zu schleppen, um sie für ihre Spiele zu verwenden. Sie schaffen es die vielen Treppen hinunter. Dass der Aufzug kaputt ist, akzeptieren die Jungen einfach mit Anmut. Wir treffen Maliks Mutter (June Smollett), die ihre Tage damit verbringt, den Familienzusammenhalt zu erhalten, müde von ihrem Job, der nicht genug abwirft. Ihre Frustration ist spürbar, in ihrem Streben nach mehr für ihre Mutter und ihren Sohn, aber die Aussichten scheinen in weiter Ferne. Großmutter Anita (perfekt besetzt mit S. Epatha Merkerson) war einst mit der Erwartung eines besseren Lebens Taus den Südstaaten nach Chicago in den Cabrini-Green Distrikt gezogen. Die leuchtend orangefarbenen Vorhänge, die sie bei ihrer Ankunft genäht hatte, bleiben eine Erinnerung an ihre Hoffnungen. Ihre Vision wird uns bis zum Ende des Films begleiten, lange nachdem sie vielleicht noch nötig waren. Das Opfer, das sie fuer ihre Veraenderung bringen muss, so zeigt uns Bain, ist der Verlust der alten Bindungen. Merkerson ist als Anita einfühlsam, eine immer positive Großmutter, die ihre Tochter ermutigt, jede Gelegenheit zu ergreifen, um zu ueber sich hinaus zu wachsen. Wir und sie sehen Maliks Kreativität und wissen, dass er “gerettet” werden muss. Die Chicagoer Drehbuchautorin und Regisseurin Minhal Baig, die den Film auch co-produziert hat, macht dies fuer uns an einer Begebenheit deutlich. Sie schickt Malik und seinen Freund Eric auf ein Abenteuer. Die besten Freunde brechen aus ihrem Status Quo aus. Sie schwänzen die Schule und fahren mit dem Zug zum Art Institute of Chicago. Kunst ist für die 10-Jährigen eine Möglichkeit, eine Alternative zu ihrer stressigen Wohnsituation zu erleben.
Der Film spielt in den frühen 1990er Jahren und bietet uns überraschenderweise einen nostalgischen Blick auf eine Oase der Kindheit. “We Grown Up” gibt uns Hoffnung angesichts des Niedergangs dieses großen Wohnprojekts. Die Handlung konzentriert Regisseurin Baig auf einen tatsächlichen Vorfall aus dem Jahr 1992, der die Bewohner zusammenbringt. Veränderungen sind überfällig. Die Darstellung der Hauptfiguren des Films ist wunderbar, die Kinder sind Naturtalente und bringen eine Freude in ihre Rollen, die wirklich wie eine Sonne strahlt!
(English) BABES, in https://acedmagazine.com/babes-quick-whited-comedy/ Pamela Adlon directs the new comedy Babes - Two New York friends, Eden and Dawn have always promised to stick together through thick and thin, and one of them, Eden, after a romantic evening with a handsome man (Stephan James), discovers that she is pregnant. What do you do when you run a yoga studio in Astoria and the handsome man has unfortunately disappeared? Not everyone is ready for this, not her best friend Dawn (Michelle Buteau) and especially not her dad (played for a few great moments by Oliver Platt) - "I'd be happy to meet your kid some day", he says. So she soldiers on and we believe her, from loving food to extra emotions, in her case maybe not what you would expect. Of course she wants her best childhood friend to accompany her on this new adventure, even if Dawn has been through it all, and now is literally consumed by her family, the second child and the job she really wanted to get back to. She is a dentist with an adoring husband (Hasan Minhaj), and two adorable, demanding little kids, and a now ever progressive needy mommy-to-be. If breast-feeding is one's only all consuming concern, the home is happy, it is time to own up to that childhood promise to share everything, including what Dawn already knows, that this is not going to be easy.
The film is smart, loud and cheeky, but such a comedy is urgently needed, who hasn't experienced something like that? Ilana Glazer wrote Babes together with her colleague Josh Rabinowitz, and is its leading actress. The friend duo, Eden and Dawn, Ilana Glazer and Michelle Buteau, are wonderful in it and play off each other perfectly. A real women's film, guys invited, for sure! Be prepared to hear and ( almost) see everything you always wanted to know from conception to cutting the umbilical cord, it is all said out loud. Motherhood as comedy, we could use more of that! Great fun through the New York scene, Nora Ephron would be proud!
(Deutsch) Pamela Adlon führt bei der neuen Komödie Babes Regie – Zwei New Yorker Freundinnen, Eden und Dawn, haben sich immer versprochen, durch dick und dünn zusammenzuhalten, und eine von ihnen, Eden, entdeckt nach einem romantischen Abend mit einem gutaussehenden Mann (Stephan James), dass sie schwanger ist. Was tut man, wenn man ein Yogastudio in Astoria betreibt und der gutaussehende Mann leider verschwunden ist?Nicht jeder ist darauf vorbereitet, nicht ihre beste Freundin Dawn (Michelle Buteau) und vor allem nicht ihr Vater (gespielt für einige großartige Momente von Oliver Platt) – „Ich würde mich freuen, Ihr Kind eines Tages kennenzulernen“, sagt er. Also macht sie weiter und wir glauben ihr, von der Liebe zum Essen bis hin zu zusätzlichen Emotionen, in ihrem Fall vielleicht nicht das, was man erwarten würde.
Natürlich möchte sie, dass ihre beste Freundin aus Kindertagen sie bei diesem neuen Abenteuer begleitet, auch wenn Dawn alles durchgemacht hat und jetzt buchstäblich von ihrer Familie, dem zweiten Kind und dem Job, zu dem sie wirklich zurückkehren wollte, in Anspruch genommen wird. Sie ist Zahnärztin mit einem sie anbetenden Ehemann (Hasan Minhaj), zwei entzückenden, anspruchsvollen kleinen Kindern und einer mittlerweile immer fortschrittlicheren, bedürftigen werdenden Mama. Wenn das Stillen die einzige alles verzehrende Sorge ist und das Zuhause glücklich ist, ist es an der Zeit, sich zu dem Kindheitsversprechen zu bekennen, alles zu teilen, auch das, was Dawn bereits weiß, nämlich dass es nicht einfach wird.Der Film ist klug, laut und frech, aber so eine Komödie braucht es dringend, wer hat so etwas nicht schon erlebt? Ilana Glazer hat Babes zusammen mit ihrem Kollegen Josh Rabinowitz geschrieben und ist die Hauptdarstellerin. Das Freundinnenduo Eden und Dawn, Ilana Glazer und Michelle Buteau, sind darin wunderbar und spielen perfekt zusammen. Ein echter Frauenfilm, Männer sind auf jeden Fall eingeladen! Machen Sie sich darauf gefasst, alles zu hören und (fast) zu sehen, was Sie schon immer wissen wollten, von der Empfängnis bis zum Durchtrennen der Nabelschnur, alles wird laut ausgesprochen. Mutterschaft als Komödie, davon könnten wir mehr gebrauchen! Ein toller Ausflug durch die New Yorker Szene, Nora Ephron wäre stolz!
(English) Wildcat, in https://acedmagazine.com/wildcat-a-surreal-tapestry/
Director Ethan Hawke co-wrote (with Shelby Gaine) and directed the 2023 film “Wildcat” starring Maya Hawke as Flannery O’Connor and Laura Linney as her mother Regina. In it he weaves the life of American iconic author and her poignant Gothic tales about rural life in her native American South into an intense 105 minute tapestry of the surreal! Hawke’s daughter Maya portrays O’Connor, the author of many short stories and a one novel that all have a decidedly dark side. From the opening scene we are in Flannery’s imagination, prickly typed tales in which we and she experience the protagonist’s every moment. The film has Hawke and Linney as her mother in a series of seamless episodes morph from real to fictitious characters playing out scenarios spun in O’Connor’s head! A bride is carried over the threshold, a fearful girl cowering in her car, a man fascinated by a woman’s prosthetic leg, a mother who pays the ultimate price for a seeming good deed, and a woman sealing her daughter’s fate. Each segment offers a peek into O’Connor’s creative universe!O’Connor is portrayed as a shy, awkward young woman in her 1950s college and social settings far from home. Already recognized as a promising American literary star by her professor, poet Robert Lowell (Philip Ettinger) who is in love with her intellect, O’Connor turns her unrequited love for him into the drama of her Gothic tales. From the opening sequence of a B movie trailer, we find ourselves immersed in O’Connor’s fictitious world, never sure where life turns into fiction, characters or actions are real or imagined, and how intensely the drama will play out in the vast unforgiving landscape, excellently captured by Steve Cosens’ cinematography.The film moves from snippets of Flannery’s obsessions, as she navigates life outside of her community to episodes set in her quirky Southern family. O’Connor’s mother becomes the towering figure - in a wide range from simplistic to elegant – the model for stories forming in the author’s head. As she communicates intensely with the publisher of her prize-winning first novel she resolutely insists to go it alone and quickly retreats back to her native South.She leaves her professor and confidante with whom she shares her love of literature, to spend - as the film’s epitaph notes - her final 14 years in her room, dying of Lupus at the age of only 39. Her main form of contact, letters, excerpts read in Hawke’s voice, offer beautiful insights into this relationship beyond the mailbox she is able to physically reach.A cameo by Liam Neesen shows the film’s view of O’Connor’s desire as devout Catholic to use her talent to achieve the ultimate – the desire for grace. We follow the author as she grapples with the growing discomfort of Lupus, the disease her father succumbed to too early in life. Under the protective watchful eyes of her mother, she endures its effects and painful treatment.Thanks to the writing of Ethan Hawke, Maya Hawke as O’Connor, the always wonderful Laura Linney, and an excellent supporting cast, the film brings an important icon of American literary South, Flannery O'Connor, to life!
(German) Regisseur Ethan Hawke ist Mit-Autor (mit Shelby Gaine) und Regisseur des 2023 erschienenen Films „Wildcat“ mit Maya Hawke als Flannery O’Connor und Laura Linney als ihrer Mutter Regina. Darin webt er das Leben der amerikanischen Kultautorin und ihre eindringlichen duesteren Geschichten um das ländliche Leben ihrer heimischen Südstaaten zu einem intensiven 105-minütigen Wandteppich des Surrealen! Hawkes Tochter Maya porträtiert O’Connor, die Autorin vieler Kurzgeschichten und eines Romans, die alle eine ausgesprochen dunkle Seite haben. Von der Eröffnungsszene an befinden wir uns in Flannerys Fantasie, in stacheligen Geschichten, in denen wir und sie jeden Moment im Leben ihrer Protagonisten hautnah erleben. Im Film verwandeln sich Hawke und Linney als ihre Mutter durch einer Reihe nahtloser Episoden, von realen zu fiktiven Charakteren, die die Szenarien durchleben, und alle O’Connors Fantasie entspringen!Eine Braut wird über die Schwelle getragen, ein ängstliches Mädchen kauert in ihrem Auto, ein Mann ist fasziniert von der Beinprothese einer Frau, eine Mutter zahlt den höchsten Preis für eine scheinbar gute Tat und eine Frau besiegelt das Schicksal ihrer Tochter. Jede Szene gibt Einblicke in O’Connors erstaunlich kreatives Universum!O’Connor wird als schüchterne, unbeholfene junge Frau in ihrem College- und sozialen Umfeld der 1950er Jahre, weit weg von zu Hause, dargestellt. Ihr Professor, der Dichter Robert Lowell (Philip Ettinger), der in ihren Intellekt verliebt ist, erkennt sie bereits als vielversprechenden amerikanischen Literaturstar an und O’Connor verwandelt ihre unerwiderte Liebe zu ihm in das Drama ihrer Geschichten.Von der Eröffnungssequenz, einem B-Movie-Trailer an tauchen wir in O’Connors fiktive Welt ein und sind uns nie sicher, wo das Leben zur Fiktion wird, wo die Charaktere oder Handlungen real oder eingebildet sind, und wie intensiv sich das Drama in der riesigen, unerbittlichen Landschaft abspielen wird, die von Steve Cosens’ Kameraarbeit hervorragend gezeigt wird.Der Film reiht Ausschnitte von Flannerys Obsessionen aneinander, während sie sich durch das Leben außerhalb ihrer Gemeinschaft schlägt, unterbrochen von Episoden, die in ihrer schrulligen Südstaatenfamilie spielen. O’Connors Mutter wird zur überragenden Figur – in einer breiten Palette von simpel bis elegant – zum Vorbild für Geschichten, die sich in der Gedankenwelt der Autorin bilden. Während sie intensiv mit dem Verleger ihres preisgekrönten ersten Romans kommuniziert, besteht sie entschlossen darauf, es allein zu versuchen, und zieht sich schnell wieder in ihre Heimat Südstaaten zurück. Sie verlässt ihren Professor und Vertrauten, mit dem sie ihre Liebe zur Literatur teilt, um – wie es in der Nachschrift des Films heißt – ihre letzten 14 Jahre in ihrem Zimmer zu verbringen und im Alter von nur 39 Jahren an Lupus zu sterben. Ihre wichtigste Kontaktform, Briefe, Auszüge, die mit Hawkes Stimme vorgelesen werden, bieten schöne Einblicke in diese Beziehung jenseits des Briefkastens, den sie physisch erreichen kann.Ein Kurz-Auftritt von Liam Neesen zeigt die Sicht des Films auf O’Connors Wunsch als gläubige Katholikin, ihr Talent zu nutzen, um das Höchste zu erreichen – den Wunsch nach Gnade. Wir begleiten die Autorin bei ihrem Kampf mit den zunehmenden Beschwerden von Lupus, der Krankheit, der ihr Vater viel zu früh erlag. Unter den beschützenden, wachsamen Augen ihrer Mutter erträgt sie die Folgen und die schmerzhafte Behandlung.Dank des Drehbuchs von Ethan Hawke, Maya Hawke als O’Connor, der immer wunderbaren Laura Linney und einer hervorragenden Nebenbesetzung erweckt der Film eine wichtige Ikone der amerikanischen Literatur des Südens, Flannery O’Connor, zum Leben!
Adios, Buenos Aires in https://acedmagazine.com/adios-buenos-aires-a-love-story/
Shayda - Australian Iranian story of one woman’s quest for freedom, a woman sits with her six year old daughter and receives instructions how to be and stay safe from the child’s estranged father. It is a very emotional scene that immediately sets the stage for the story of Shayda, for which Iranian-Australian filmmaker Noora Niasari’s directorial debut is named. Its main character, played with great audience connection by French-Iranian actor Zar Amir Ebrahimi, shows the young Iranian mother’s courage and love for the life of her six year old daughter (played wonderfully by Selina Zahednia as Mona). We meet them, sometime in the 1990s, post the altercation that led them to take refuge at an Australian women’s shelter during the two weeks of Persian New Year (Nowruz). After fleeing her abusive husband Hossein (Osamah Sami, convincingly portrayed by Osamah Sami, a university student whom his young wife and child had accompanied from their native Iran, Niasari describes Shayda’s first careful steps navigating life alone in a new country with the help of her new-found friends. How will she navigate her Iranian expat community that continues to live by its traditional values? The scenes of the father’s visits with his daughter illustrate the child’s confusion and the “dance” between the two worlds.
The film, based upon a true story (photos during the credits show the mother and daughter who served as its inspiration), does include Shayda’s efforts to convince her Iranian husband to accept her, and her new-found understanding of how life is lived in another culture. Hossein with initial charm and more and more frustration, tries to draw his wife and his their daughter into returning home to Iran. His wish that all resume their former given roles, lead to an increasingly tense drama. While Shayla follows the path of many women who are victimized in their marriages, as an immigrant Niasari shows how she has to navigate the two cultures, with ties to her past life that continues to hold her captive in her new found country. She has to not only learn new cultural values but also quickly find a voice in a new language. The director shows a translator accompanying her process of liberation and also excellently providing added cultural information.
Her Australian advocates sensitively guide her to stay protected and yet still be able to interact with her Iranian culture and to share its positive values with her child, i.e. attending a holiday celebration and visiting with her Iranian exile community. Though the women in this group accept the old values that restrict women compared to freedoms enjoyed by their Australian sisters, in the end it is these women, though tied to their cultural heritage who help Shayda to separate herself from her husband without giving up her love of her culture.In this story, they, too, learn that the treatment of Shayda, and all women as victims cannot continue. Against the backdrop of Australia’s contemporary special concern for victims of marital abuse, this film, produced in part by celebrity Cate Blanchett, sends the message that no matter the cultural differences, intimidation both verbally nor physically is acceptable and that immigrants are as protected as are those born in the country. It is film filled with hope, an important film that speaks to our global outlook and the lessons for a peaceful coexistence.
The new Ghostbusters opens with a wild car chase, the Spengler/Grooberson family (Paul Rudd, Carey Coon, McKenna Grace,Finn Wolfhard) in their Ghost-mobile in pursuit of a vicious looking giant eal-like creature with very sharp teeth weaving its way through the New York streets flying just above the city’s traffic.
“ohhhh," says one cop to another looking up, “don’t call it in - they've ( Ghostbusters speeding by !) got this!” Like police and firemen, The Ghostbusters have become a fixture of everyone’s friendly helpers.
And so we see them skidding along with all kinds of gadgets - including a seat that pops out to allow better aim and among the newest tech, even a drone released from the roof of the car to rein in those awful ghosts, by now overcrowding their historic Ghostbuster-home, the old fire house's Ghost-trapping device. And yes, their operations do not always run smoothly.
So, it is only a matter of time when a new event - loosing their captives from the other side - must feature as the main story-line.This time an ancient artifact ,Proton barriers, and stopping the next ice-age become the focus of this movie - filled with nostalgia and wonderful new plot twists that make watching Ghostbusters again a sheer delight!
There is of course, the old crew, but wonderful new ones, as well. Together they must save the world!
So, if you don’t know the new characters who have joined the old guys like Akroyd, Murray and co., no worries! The two teens (Grace as Phoebe and Wolfhard as Trevor Spengler) are adorable - they offer brilliant science minds with just the right amount of nerdiness to remain endearing despite that ever irritated city mayor (William Atherton) who wants to shut them down.
That proton pack science that keeps the ghosts in their cages is quite volatile, and so mid-movie the inevitable happens, the creepy and obnoxious ghosts all get out, and seem to spill or spit lots of green goop especially at the new characters who take it in stride - that’s just what Ghosts do - normal in this Ghostbusters universe!
It’s all not quite as bad, and even the worst of them, the giant evil ghost with very big horns who, our learned ghost busting scientists find out, has been trapped in a strange brass globe and his ability to freeze those who are in his way. And there is that ghost girl ( Emily Alyn Lind )who is very good at chess, ( I“ had a lot of time to practice”…) - who seems to have good reason to assist the ancient ghost to be free again.
A great addition to the cast of characters is comedic actor Kumail Ali Nanjiani, who graduates from accidental to accomplished "Fire master." He is a fun match for the Ghostbuster guys, we hope to see him and all the others again!
In keeping with the series, now more than three, Ghostbusters is never really scary enough, and keeps us guessing what dangers await our friends, this time all this fire and ice business.
Who you gonna call to have fun? The makers seem to be saying: bring on the whole Spengler family gang! These ghostbusters are great,
Let’s go!
German, Ghostbusters,
Die neuen “Ghostbusters” beginnen mit einer wilden Verfolgungsjagd, bei der die Spengler/Grooberson-Familie (Paul Rudd, Carey Coon, McKenna Grace, Finn Wolfhard) in ihrem “Ghost-Mobil” einer bösartig aussehenden, riesigen, Aal-ähnlichen Kreatur mit sehr scharfen Zähnen durch die Straßen von New York, knapp über dem Verkehr der Stadt fliegend, nachjagt. „Ohhhh“, sagt ein Polizist zu seinem Kollegen und beide blicken hoch, „rufen Sie die Zentrale nicht – sie haben es (die vorbei rasenden Ghostbusters!) super im Griff!“ Wie die Polizei und Feuerwehr sind auch die “Ghostbusters” zu einem festen Bestandteil unserer freundlichen Helfer geworden.Und so sehen wir, wie sie mit allen möglichen extra Wunderwaffen herumschlittern– darunter ein Sitz, der herausspringt, um ein besseres Zielen zu ermöglichen, und neueste Technologien, sogar eine Drohne, die vom Dach des Autos gestartet wird, um diese schrecklichen Geister einzufangen, die mittlerweile die Geisterfanganlage im historischesn Ghostbuster-Haus , dem alten Feuerwehrhaus, hoffnungslos überfüllen. Und ja, ihre Methoden laufen nicht immer reibungslos ab. Es ist also nur eine Frage der Zeit, bis ein neues Ereignis – der Verlust der Gefangenen von der “anderen Seite” – die Handlung bestimmen muss. Dieses Mal stehen ein uraltes Artefakt, Protonenbarrieren und das Stoppen der nächsten Eiszeit im Mittelpunkt dieses Films – voller Nostalgie und wundervoller neuer Wendungen in der Handlung, die auch den neuesten Ghostbusters-Film zu einem reinen Vergnügen machen! Natürlich gibt es die alte Crew, aber auch wunderbare neue Mitspieler. Gemeinsam müssen sie die Welt retten!Wenn Sie also die neuen Akteure noch nicht kennen, die sich den alten Leuten wie Akroyd, Murray und Co. angeschlossen haben, ist das gar kein Problem! Die beiden Teenager (Grace als Phoebe und Wolfhard als Trevor Spengler) sind bezaubernd – sie sind brillante kluge Köpfe mit genau der richtigen Portion “Nerdigkeit”, um trotz des immer genervten Bürgermeisters (William Atherton), der ihr Geister-Fang Geschäft schließen will, sich bei allen grosser Beliebtheit zu erfreuen.Diese Protonen-Wissenschaft, die die Geister in ihren Käfigen festhält, ist ziemlich unbeständig, und so passiert mitten im Film das Unvermeidliche: Die gruseligen und widerwärtigen Geister entkommen alle und scheinen viel grünen Schleim zu verschütten oder zu spucken, besonders auf die neuen Charaktere, die ihre Kapriolen mit Geduld akzeptieren – das ist eben typisches Geisterverhalten – ganz normal in diesem Ghostbuster-Universum!Es ist alles nicht ganz so schlimm, und selbst der schlimmste und riesige böse Geist mit sehr langen Hörnern, der, wie unsere gelehrten Geisterzerstörer herausgefunden haben, in einer seltsamen Messingkugel gefangen ist und die Fähigkeit besitzt, diejenigen einzufrieren, die ihm im Weg stehen. Und da ist dieses Geistermädchen (Emily Alyn Lind), das sehr gut Schach spielt (ich „hatte viel Zeit zum Üben“…) – das offenbar einen sehr guten Grund hat, dem alten bösen Geist zu helfen, wieder frei zu kommen.Eine wunderbare Ergänzung ist der Komödiant Kumail Ali Nanjiani, der vom unfreiwilligen zum versierten „Feuermeister“ wird. Er passt gut zu den Ghostbuster-Jungs, wir hoffen, ihn und alle anderen bald wiederzusehen!Die mehr als dreiteiligen Serie der „Ghostbusterfilme“ ist nie wirklich gruselig genug. Immer dürfen wir raten, welche neuen Gefahren auf unsere Freunde warten, dieses Mal geht es um Feuer- und Eis.Wen ruft man, wenns um Spaß geht? Die Macher scheinen zu sagen: Her mit der ganzen Bande der Spengler-Familie! Diese Ghostbusters sind super. Los geht’s!
English, Kung Fu Panda 4, in Spinbinmag:
https://www.spinbinmag.com/post/kung-fu-panda-4-review-by-susanne-nielsen
English: The Zone of Interest, https://acedmagazine.com/
German born actress Sandra Hueller shines with two Oscar-worthy performances in leading roles in films of 2023, the psychological drama “Anatomy of a Fall” and one more. “The Zone of Interest,” demands Hueller playing a character who compartmentalizes her emotions well. Love and empathy are reserved for those who are closest to her as Hueller’s character Hedwig Hoess, wife of the commandant of Auschwitz, is able to completely distance herself from those she has been conditioned to look down upon.
The film begins with a visual pause during which we focus upon sound rather than image, a point made by director Jonathan Glazer that will become more and more relevant throughout the film. Pictures deceive, he seems to say, and what we hear, are secrets best kept out of view - in this film - behind a wall.
We first see the Hoess family at the lake, the children playing. Then it is time to leave, everyone gathers their things, and the automobile convoy heads home. It is the early1940s, Poland, - Auschwitz.
The family’s house is two-story with a generous garden filled with many beds of flowers and even a little square pool in its middle. All seems well managed by helping hands, girls from the village who do the work in the house and inmates from the work camp next door who labor in the garden.
Husband and wife and their children seem in harmony, except for an occasional fight. We learn that they come from farming and Hedwig’s dream is to return to this life once the war is over.
We see her go about her day, carrying her baby to the garden gate to say goodbye to papa as he goes to work, in polished boots and gray uniform, severely cropped hair. The insignia of the “SS” and their German language denotes the times, setting those in charge apart from those whom they govern. On horseback and among his men Commandant Hoess’ status is one of importance, he meets with engineers, discussing his plans to make extermination even more efficient.
The world of the men is presented separate from Hedwig’s world of women. In her domaine she demonstrates equal efficiency as she parcels out garments (“I have my connections” she tells her husband when he asks about the origins of her birthday gift for him, etc.) to her staff and takes the most luxurious items like a mink coat for herself. In private she methodically searches it for added treasures like jewelry or coins sewn into the seams presumably by its former owner. We see her tending her well appointed garden of countless varieties of flowers, fruit and vegetables, letting her child take in the scents and accepting her mother’s admiration.
Something is odd about this idyll. Visually, the wall to the neighboring property, the camp, has barbed wire at the top, but this concrete barrier that Hedwig hopes her growing garden will soon hide, cannot stop the sounds from beyond it. The smallest of the children, a little boy, playing with his toy soldiers listens with apprehension. The visiting grandmother seems more disturbed by the scents than the sounds.
At night, when the reddish glare of the chimney and the sky glow behind the tightly drawn curtains, and the accompanying roar cannot disguise what we know must be burning there, - like a dream - the Thermal night-vision images show a girl gathering fruit which she deposits in the areas where the workers in the camp must pass. It is an ingenious way to show what those brave enough to aid the people confined to the labor camp, do to help them.
Zone of Interest is a quiet film that gets under your skin. Its message comes to us, disturbing and intense, unexpected, a garden of paradise garden with terrifying secrets just beyond.
English Zone of Interest in acedmagazine, https://acedmagazine.com/zone-of-interest-a-slow-burn/
German: Zone of Interest, Die in Deutschland geborene Schauspielerin Sandra Hueller ist mit zwei Hauptrollen in Filmen des Jahres 2023, dem Psychodrama „Anatomy of a Fall“ und „The Zone of Interest“, auf dem besten Weg zu den Oscars, die nächstens anstehen. Im letzteren Film, unlängst in US Kinos angelaufen, auf Deutsch mit Untertiteln, gelingt es Hüllers Hedwig Hoess, sich völlig von denen zu distanzieren, auf die sie konditioniert ist, herabzuschauen.
Der Film beginnt mit einer regelrechten Bild-Pause, in der wir uns auf den Ton statt der visuellen Szenen konzentrieren müssen– eine Absicht des Regisseurs Jonathan Glazer, die im Laufe des Films immer relevanter wird. Bilder täuschen, scheint er zu sagen, und was man hört, sind Tatsachen, die man am besten geheim hält – hinter einer Mauer.
Zuerst sehen wir die Familie Höss am See, die spielenden Kinder. Dann heißt es aufbrechen, alle packen ihre Sachen zusammen und der Autokonvoi macht sich auf den Heimweg.
Es ist Anfang der 1940er Jahre, Polen, – Auschwitz.
Das Haus der Familie ist zweistöckig und verfügt über einen großzügigen Garten voller Blumenbeete und sogar einem kleinen Pool in der Mitte. Alles scheint gut betreut, innen von helfenden Händen einiger Mädchen aus dem Dorf, die die Arbeit rund im Haus erledigen, und draussen erledigen die Insassen aus dem Arbeitslager nebenan die Arbeit im Garten.
Der Ehemann und seine Frau und ihre Kinder scheinen bis auf einen gelegentlichen Streit in Harmonie zu leben. Wir erfahren, dass sie aus der Landwirtschaft stammen und Hedwigs Traum es ist, in dieses Leben zurückzukehren, sobald der Krieg vorbei ist.
Wir sehen, wie sie ihrem Tagesprogramm nachgeht, wie sie ihr Baby zum Gartentor trägt, um sich von Papa zu verabschieden, als er in polierten Stiefeln und grauer Uniform zur Arbeit geht. Zu Pferd und unter seinen Männern erscheint er groß und von Bedeutung. Er trifft sich mit Ingenieuren und bespricht die von ihm entworfenen Pläne, um seine Aufgabe, die Vernichtung, noch effizienter durchzufuehren.
Die Filmszenen zeigen abwechselnd sein wie auch Hedwigs Welt. Sie handelt ebenso effizient wie ihr Mann, wenn sie Kleidungsstücke(wie seidene Wäsche) an ihre Hausangestellten austeilt, und sich selbst die luxuriösesten Gegenstände wie einen Nerzmantel nimmt und ihn systematisch nach zusätzlichen Schätzen durchsucht, wie zum Beispiel Schmuck, den ihre frühere Besitzerin vielleicht die Nähte eingenäht hat. Wir sehen, wie sie ihren gut angelegten Garten mit unzähligen Blumen-, Obst- und Gemüsesorten pflegt, ihr Kind an den Blumen riechen lässt und die Bewunderung ihrer Mutter fuer ihre Großzügige Wohnsituation zufrieden aufnimmt.
Aber irgendetwas ist seltsam an dieser Idylle. Optisch ist es die Mauer zum Nachbargrundstück, die oben mit Stacheldraht versehen ist, vor allem aber die Geräusche hinter dieser Mauer, die vor allem die Kleinsten der Kinder und die zu Besuch kommende Großmutter beunruhigen, letztere so sehr, dass sie abreist.
Nachts, wenn der rötliche Schein des Schornsteins und des ihn umgebenden Himmels durch die Vorhänge scheint und das laute Geräusch der Brennanlagen nicht darüber hinwegtäuschen kann, was dort, wie wir wissen, brennen muss, zeigen die Infrarotbilder – wie in einem Traum – ein Mädchen, das Früchte sammelt versteckt sie wo die Arbeiter im Lager vorbeikommen werden. Es ist eine geniale Möglichkeit zu zeigen, was diejenigen tun können, die mutig genug sind, den im Arbeitslager eingesperrten Menschen zu helfen.
„Zone of Interest“ ist ein stiller Film, der unter die Haut geht. Seine Botschaft erreicht uns, und wirkt verstörend und suggestiv durch die Kraft dessen was wir hören.
English Migration https://acedmagazine.com/migration-family-friendly/
German: Migration
German: Iron „Iron Claw“ – der Name von Fritz von Erichs charakteristischem Griff nach seinem Gegner in seiner frühen Ringer-Karriere – dient als Titel des Films und steht gleichermaßen für den Griff des Patriarchen nach seinem Gegner, aber auch nach dem Leben seiner Söhne. Die Von Erichs galten als die beliebteste Ringer-Familie in Texas, und Fritz‘ Besessenheit für den Sport und den Machismo, der diese Showmanier prägt, ist der Kern der gesamten Familiengeschichte. Der zweistündige Film von Regisseur Sean Durkin schildert, wie die Von Erichs (ursprünglich Adkisson genannt) einen Weg des „Do or Die“ in die persönliche Tragödie nahmen, während sie sich mit ihren eigenen Fähigkeiten auseinandersetzten, sich zu übertreffen suchten und bis zum heutigen Tag im gesamten Süden der USA begeisterte Fans haben. Szenen aus der ausverkauften Sport-Halle und die Akrobatik dieses Sports gehören zu den Höhepunkten von „Iron Claw“.Ein Biopic über die Von Erichs schien überfällig, und die Besetzung liefert eine würdige Hommage: Im Mittelpunkt steht Zack Efron als zweiter Sohn, NWA-Preisträger Kevin Von Erich, der hartnäckig der Besessenheit seines Vaters gehorchte, den Weltmeisterschafts-Preis mit nach Hause zu bringen, und dabei bei einem Münzwurf scheiterte, von seinem Vater dazu ausgewählt zu werden, und bald darauf mehr und mehr auf dessen Ablehnung stößt. Der Patriarch (die erste Schwarz-Weiß-Szene stellt das Bild des gnadenlosen Wrestlers am besten dar) will den siegreichen Trophäen-Gürtel haben – und einer seiner Söhne – egal welcher von ihnen – muss ihn gewinnen, um den Ruf der Familie zu wahren. Nach und nach bringt Fritz sie alle ins Familiengeschaeft des Ringens und besteht darauf, dass sie ihr Leben dem Traum ihres Vaters widmen, für "gute Leistungen belohnt" zu werden.Vor allem Efron portraetiert hervorragend die Bemühungen jedes Sohnes, seinem Vater zu gefallen (eisig gespielt von Holt McCallany) – und die Enttäuschung, die Anerkennung oder Liebe dieses Vaters nicht zu erlangen. Der Rest der Besetzung der Von Erich Familie, Jeremy Allen White als Kerry Von Erich, Harris Dickinson als David Von Erich und Maura Tierney als distanzierte Doris Von Erich, wurde ausgezeichnet besetzt um Aspekte dieser wahren Geschichte, der Hingabe und Angst gegenüber einem Allmächtigen Patriarchen für seine Sache, darzustellen. Am Ende erfuellt sich ein anhaltender „Fluch“, der eine Familientragödie nach der anderen mit sich bringt, von Unfällen bis hin zu Selbstmorden (der zweite wurde vom Regisseur ausgelassen), die schwer zu verkraften und zu verstehen sind, aber ein sicherlich gut gemeintes Wiedergeben des Regisseurs und ein Zeugnis der Geschichte des Ringens mit all seinen immensen physischen und psychischen Auswirkungen. Die Schauspieler zeigen beides, es wird der Sport mit seiner Fan-Gemeinde und gut choreografierten Stunts und seinem oft verheerenden (persönlichen) Finale dargestellt. Kevin von Erich steht trotz so vieler Verluste weiterhin im Mittelpunkt der Geschichte, und wie wir erfahren, lebt er, um den Traum seines Vaters fortzusetzen. Dies ist der Epitaph einer sehr traurigen Familiengeschichte und eine Hommage an die Kraft des Ringens als integraler Bestandteil des amerikanischen Sports.
English , Maestro by Susanne Nielsen
German, Größer als das Leben! "Maestro", der Name Leonard Bernstein weckt Ehrfurcht bei jedem, der etwas über diese überlebensgroße Persönlichkeit in der Welt der amerikanischen Musik weiß – Maestro ist der perfekte Titel dieses Films von Regisseur Bradley Cooper, der auch die Hauptrolle spielt! In der Schlüsselszene fängt Cooper den absoluten Überschwang ein, der vom Künstler ausgeht und von seinem Publikum in Hülle und Fülle zurückgegeben wird. Völlig in die Musik versunken dirigiert er das Orchester in Mahlers Auferstehung unter den Gewölbedecken der Kathedrale von Ely – der perfekte Rahmen für diese ikonische Szene.Bernstein IST seine Musik, scheint der Regisseur zu sagen, und sie gibt uns so viele Facetten, dass nur flüchtige Einblicke möglich sind und Lust auf mehr macht.Er unterlegt diese Episoden mit unterschiedlichen Titeln von Bernsteins Musik, die meisten werden Westside Story kennen, und er bietet Cameo-Auftritte von Mentoren des Maestros wie Aaron Copeland (Brian Krugman), um uns an Bernsteins amerikanisches musikalisches Erbe zu erinnern. Bernsteins Musik ist eine Mischung aus Klassik und Moderne, schroff und unberechenbar, wie die schnellen Sprachmuster, die Cooper ebenso perfekt nachahmt wie die wilden Körperbewegungen des Maestros beim Tanzen oder Dirigieren.Die Geschichte dreht sich um Lennys Beziehungen, die Menschen, die ihm mit Bewunderung und Hingabe folgen. Cooper zeigt, wie Bernstein mit ihnen spielt und wie sie in Gegenwart eines Genies sein unstillbares Kontrollbedürfnis akzeptieren.Aber das ist vor allem die Geschichte von Bernstein und der Schauspielerin Felicia Montealegre Cohn, gespielt von Carey Mulligan, die sich mühelos von einer bezaubernden jungen Frau zu einer eleganten Begleiterin an der Seite des berühmten Ehemanns entwickelt. Sie wird zum stillen Mittelpunkt des Maestro, zur Mutter, Vertrauten und zum sozialen Barometer, dem er treu und verpflichtet ist. Und obwohl er „jeden liebt“ und schöne junge Männer auf musikalischen Spielplätzen wie Tanglewood und in ruhigen Fluren zu Hause umarmt, kehrt er zu Felicia zurück und bleibt an ihrer Seite und an der Seite seiner Kinder, als selbst sie ihr Leben nicht mehr führen kann.Die schauspielerischen Leistungen von Cooper und Mulligan sind hervorragend; Der Regisseur porträtiert den reinen Bernstein mit einem überfüllten Leben voller Kreativität und Lehrtätigkeit, in seinem ständigen Streben nach Erfüllung, um eine emotionale Lücke zu füllen. Mulligans Anwesenheit kanalisiert Felicias zentralen und lebenslangen Einfluss.Die Nebendarsteller wirken vergleichsweise blass, die gut inszenierten Nahaufnahmen von Cooper passen perfekt zu Bernsteins überlebensgroßer Persönlichkeit, die sich spät im Leben vom aufgeregten jungen Dirigenten in der Carnegie Hall zum gealterten Maestro entwickelt. Das Make-up bildet Bernsteins Gesicht nach, sein welliges Haar wechselt von dunkel zu silbergrau. Maestro ist ein Film für Anhänger, der uns durch anekdotische Szenen aus dem Leben des Maestro führt, diejenigen, die es wissen, daran erinnert und andere dazu bringt, noch viel mehr herauszufinden.
Sich selbst „Gott“ zu nennen, Baxters eigenes Gesicht und die bizarre Tiermenagerie, die durch die Gärten direkt vor seiner Praxis, dem Zentrum seiner Welt, wandert (Dafoe belegte für seine Rolle einen chirurgischen Kurs), sind Beweis für seine Bemühungen, seinem Eigentümlichen körperliche Gestalt zu verleihen Vision der Welt. Lanthimos lässt uns das Bild manchmal treffend durch eine Fischaugenlinse betrachten, in Schwarzweiß oder in Farbe.
Bella und der Rest der Charaktere wie ein verliebter Anwalt (Mark Ruffalo), ein weichherziger Assistent von „Gott“ (Ramy Youssef), eine Madam (Kathryn Hunter) und in einem überraschenden Cameo-Auftritt Hanna Schygulla (einst Muse des Berühmten). Der deutsche Filmregisseur Rainer Fassbender als Bellas Begleiterin auf einem Dampfschiff ist wunderbar übertrieben und unvergesslich. Sie alle wandern durch eine traumhafte Welt aus mit Zucker überzogenen, seltsam schönen, bonbonfarbenen gotischen Visionen geschwungener, verzierter viktorianischer Ausblicke.
Stone spielt Bella überzeugend, von unsicher bis getrieben, während sie sich von einem Experiment zu einer Frau entwickelt, die das Bedürfnis hat, die Welt über Kontinente und Ozeane hinweg zu erkunden. Ihre Rolle unterscheidet sich von der der viktorianischen Frauen, da sie mit einem Sinn für sexuelle Neugier und dem Bedürfnis zu überleben handelt. Sie stürzt (uns) von einem Abenteuer ins nächste, während sie auf eine Nebenbesetzung bizarrer Figuren trifft – eine Anspielung des Regisseurs auf die Filme von Fellini, Jeunet, Caro und anderen.
Die Geschichte wirkt wie eine absurde Erzählung, die uns visuell und mental in ihr eigenes Universum lockt, eine Plattform für das absolut Übertriebene, die uns dazu bringt, gemeinsam mit Bella unsere Gedanken von innen nach außen und auf den Kopf zu stellen, eine Gothic-Fantasie, für die keine Operation erforderlich ist !
English, Wish, https://acedmagazine.com/wish-family-friendly-entertainment/
German, Wish, Wunsch, Im 100. Jahr seines Bestehens greift Disney auf einige seiner ursprünglichen Erfolge zurück – auf die Magie, die es mit absoluten Favoriten wie seinem ersten abendfüllenden Zeichentrickfilm „Schneewittchen“ geschaffen hat, seinem ersten Technicolor-Wunder der Animation, mit synchronisierten Stimmen und bezaubernden Bild-Hintergründen Seine Protagonistin und ihre kleinen Freunde spielen im Wald. Im Laufe der Jahre sind sie alle zu Disneys Markenzeichen für familienfreundliche Unterhaltung auf der Leinwand geworden.So sehen wir uns in der neuesten Veröffentlichung „Wish“ wieder einmal einer traditionellen „Es war einmal …“-Geschichte gegenüber. Die Bilder eines offenen Buches in der Eröffnungssequenz drehen sich um Magie, ein Königreich auf einer Insel und eine bezaubernde zentrale Figur, Asha , und ein Bösewicht, der ihrem Traum im Weg steht. Die Geschichte spielt in einem wunderschönen verzauberten Insel-Königreich voller glücklicher Dorfbewohner. In seiner Mitte, auf einem Hügel, ein ebenso zauberhaftes Schloss. Wir glauben, dass der König und die Königin gütig regieren, er als Zauberer mit magischen Kräften, der die Träume seiner Bewohner in kleinen Kugeln aufbewahrt, die unter einer riesigen Kuppel schweben, und bei näherer Betrachtung den einen wahren Traum jedes Einzelnen preisgibt .
Asha und ihre Familie feiern den 100. Geburtstag ihres Großvaters, und die junge Frau wirft ihre wunderschönen langen schwarzen Zöpfe zurück und trägt ein langes Kleid in einem Stil, der irgendwo zwischen mittelalterlich und orientalisch liegt (ebenso wie die vielseitige Architektur in dieser magischen, glücklichen Welt). Eine besondere Hoffnung: Dies könnte endlich das Jahr sein, in dem ihr Großvater seinen Wunsch von ihrem König – im Rahmen der jährlichen Wunschzeremonie - erfüllt bekommt.
Wir erfahren aber auch sofort, warum sie besonders aufgeregt ist, denn am Alter ihres Großvaters liegt die Erfüllung nicht, sondern in ihrer Hoffnung, ihrem Geheimnis: sie ist eine Bewerberin für eine Position, die dem Anführer des Königreichs sehr nahe steht, einem Mann, den sie verehrt und wie jeder andere im Reich, ihr ganzes Vertrauen in seine Fürsorge setzt. In dieser Position könnte sie ihren Wunsch schneller als andere erfüllt bekommen.Die Dinge sind nie so, wie sie scheinen, und wie in jedem guten Märchen hält die Geschichte viele Wendungen bereit, die für spannende Unterhaltung für alle Altersgruppen sorgen. Es gibt einige Tiere, die unerwartete Dinge tun, einen süßen unerwarteten Besucher, einige Verfolgungsjagden und Entdeckungen wundervoller Orte und trotz aller Gefahren ist natürlich ein Happy End garantiert.
Die Animation ist reizend, die Ausblicke verträumt, von im Wasser schwimmenden Booten bis hin zu durch den Himmel schwebender Kugeln, Asha und ihre Freunde, die sie unterstützen, sind schrullig und der böse Charakter ist in seinem Bestreben, alles zu kontrollieren, größtenteils allein.Auch wenn dieser Film nicht mit den größten Filmen mithalten kann, sind wir sicher, dass es ein unterhaltsamer Nachmittag für die ganze Familie wird.English, The Holdovers, acedmagazine.com link:
Paul Giamatti is excellent in his role as Paul Hunham, a luckless teacher at a private boarding school, where he is left behind during the winter holidays with a group of “hold-overs”. He has been put in charge of the students who have no place to go during the Christmas Holidays. The film’s director Alexander Payne is reunited in this production with Giamatti after their successful pairing in the film Sideways. In a similar sentiment towards his characters, the director chose a story based upon the book by Marcel Pagnol (The Butcher’s Wife), known for his quiet humor. This film is, we should point out, for those who would like to see another side of the holidays.
While Paul seems to accept his lot without protest, as atonement for not given a passing grade to the son of a rich donor, Giamatti plays this underdog role with elegance. His students do their best to escape their plight: left in the care of what seems their least favorite "father figure”. Precedent for their disrespect of his rules has long been set ,as we see, since both Hunham’s colleagues and the school’s headmaster show him little regard. He accepts all for reasons the film reveals along the way. Students challenge his attempts to exert any type of authority in so many ways, adding a bit of comedy to the plot.
But it is the instructor's acceptance of his own short comings, emotionally and academically, his willingness to accept his fate and to be the companion and equal to his two holiday holdover employees assisting him, that lets us root for Paul. His quest for a woman he secretly admires becomes a pleasant detour. As he brings humanity to all that the world around them seems to lack, he becomes a gentle hero of the story. His empathy to the cook (Da’Vine Joy Randolph) who just lost a son to the Vietnam war and to the school’s janitor are endearing and lovely. He accepts her mild mockery and even acts on her advice as she encourages his romantic pursuit towards a school employee he has fancied for a long time. The humor is quiet and well paced, the emotions convincing. For a short time everyone sets aside the strict code of conduct that seems to have emotionally have served none of them, they each bring more heart to the lives of one another , form a bond (Giamatti with newcomer Dominic Sessa) and the result is trust and support in surprising ways.With so few characters in this story, and its slow pace to reveal the relationships among them, the director lets us discover what drives his main character. The Holdovers is a quiet and surprisingly charming film due mostly to Paul Giamatti, a film full of lessons for life.
German, The Holdovers - die Zurückbleibenden, Paul Giamatti ist hervorragend in seiner Rolle als Paul Hunham, ein glückloser Lehrer an einem privaten Internat, wo er während der Winterferien mit einer Gruppe von „Zurueck-Bleibenden“ zurückgelassen wird. Ihm wurde die Betreuung der Schüler übertragen, die während der Weihnachtsferien keinen Ort haben, an den sie gehen können. Der Regisseur des Films, Alexander Payne, ist in dieser Produktion wieder mit Giamatti vereint, nachdem sie im Film „Sideways“ erfolgreich zusammengearbeitet hatten. In einer ähnlichen Haltung gegenüber seinen Figuren wählte der Regisseur eine Geschichte, die auf dem Buch von Marcel Pagnol („Die Frau des Metzgers“) basiert, der für seinen ruhigen Humor bekannt ist. Wir sollten betonen, dass dieser Film für diejenigen gedacht ist, die die Feiertage von einer anderen Seite sehen möchten.
Während Paul sein Los ohne Protest zu akzeptieren scheint, als Sühne dafür, dass er dem Sohn eines reichen Spenders bei der Prüfung durchrasseln liess, spielt Giamatti diese Außenseiterrolle mit Eleganz. Seine Schüler tun ihr Bestes, um ihrer Notlage zu entkommen oder sie müssen in der Obhut dessen bleiben, der ihnen scheinbar als fuersorgliche Vaterfigur am allerwenigsten gefällt.
Wie wir sehen, ist schon seit langem ein Präzedenzfall für die Missachtung seiner Regeln geschaffen worden, da sowohl Hunhams Kollegen als auch der Schulleiter wenig Rücksicht auf ihn nehmen. Er akzeptiert alles aus Gründen, die der Film im Laufe der Story preisgibt. Die Schüler stellen seine Versuche, irgendeine Art von Autorität auszuüben, auf vielfältige Weise in Frage, was der Handlung seine milde Komik verleiht.
Aber es ist die Akzeptanz des Lehrers für seine eigenen emotionalen und akademischen Unzulänglichkeiten, seine Bereitschaft, sein Schicksal zu akzeptieren und der Begleiter und Gleichberechtigte seiner beiden Urlaubsmitarbeiter zu sein, die ihn unterstützen, nehmen uns für Paul ein. Seine Suche nach einer Frau, die er heimlich bewundert, wird zu einem amüsanten Intermezzo.
Indem er denen, denen er begegnet, Menschlichkeit zeigt, was der Welt um ihn herum zu fehlen scheint, wird er zum sanften Helden seiner Geschichte. Sein Einfühlungsvermögen gegenüber der Köchin (Da’Vine Joy Randolph), die gerade einen Sohn durch den Vietnamkrieg verloren hat, und gegenüber dem Hausmeister der Schule ist leinfuehlsam und liebenswert. Er akzeptiert den milden Spott der Köchin und folgt sogar ihrem Rat, als sie ihn ermutigt, seine romantische Zuneigung einer Schulangestellten, die er schon lange verehrt, neu zeigen.
Der Humor ist ruhig, die Emotionen im film überzeugen. Für eine kurze Zeit legt jeder den strengen Verhaltenskodex beiseite, der emotional keinem von ihnen gedient zu haben scheint, jeder bringt mehr Herz in das Leben des anderen, baut eine Bindung auf (Giamatti mit dem Neuzugang Dominic Sessa) und das Ergebnis ist Vertrauen und Unterstützung auf überraschende Weise.
Angesichts der wenigen Charaktere in dieser Geschichte und des langsamen Tempos, in dem die Beziehungen zwischen ihnen offenbart werden, lässt uns der Regisseur in Ruhe herausfinden, was seine Hauptfigur bewegt. „The Holdovers“ ist ein überraschend charmanter Film, der vor allem der Schauspielkunst Paul Giamattis zu verdanken ist, ein Film voller kleiner Lebenweisheiten.
German, FOE ist einen psychologischer Science-Fiction-Thriller mit den Oscar-Nominierten Saoirse Ronan und Paul Mescal in den Hauptrollen, der auf dem gleichnamigen Roman von Iain Reid basiert, der auch den ähnlich spannenden Roman „I’m Thinking of Ending Things“ geschrieben hat. Diemysterioes im Schrank und anderswo auftauchenden Käfer und die gut fotografierte Dune-ähnliche unendliche Weite da draussen geben dem Film mehr Klasse als man erwartet.
English, Napoleon (acedmagazine.com)
Ridley Scott’s film Napoleon tells the story of the French general and eventually emperor’s life, who united his people after the turbulent years of revolution. The film is most of all a history lesson. Seeing Joaquin Phoenix fight, falter, stumble, fall, and stoically continue in his quest for power - in battles in France, a war with Russia, two exiles, and remaining resilient throughout is exhausting. Through it all Scott focusses on Napoleon’s love for one women, Josephine. This film takes us through Napoleon’s life. It does not answer questions nor does it delve into the character of the French leader.It follows the outsider from Corsica on his steady rise from captain who, victorious and loyal in the time of the French revolution, consequently rises to General, is rewarded for his victories and accepts without grudge punishment for his defeats. As the film opens we see the final moments of Queen Marie Antoinette. Paraded through a mob that pelts her as a symbol of the out-of-touch monarchy, in her close-up, she walks to her death by guillotine. Joaquin Phoenix, still a Captain in the French army, is witness to this scene, and to the actions of politicians, among them his brother, who again and yet again, keep toppling the highest ranking among them. Napoleon uses his skills in the battlefield for his rise. Phoenix has played larger than life characters, especially villains and outsiders with much success before, the harsh emperor in Gladiator, with camera close-ups to match - yet the in Napoleon the director keeps him from taking center stage.And, instead of focusing the camera on Napoleon Scott places him among his men, charging on his horse into battle amidst the countless soldiers at war. These scenes are made for the big screen, and Scott makes them the center of his drama. The scenes are well choreographed; they characterize the violence of man and horse (Napoleon's comes to a very violent end).The landscape is vast, the interiors opulent, as are the costumes. Napoleon is well appointed in uniforms with elaborate embroidery, Josephine elegant at banquets and in the boudoir. Quite an undertaking, the film Napoleon is yet another piece of the historic puzzle. While telling the life story of Napoleon, the film’s contribution to its historic authenticity it is also its short-coming in the portrayal of Napoleon himself. We are left to wonder why the adoration of this man who crowned himself emperor and sought to live up to the standards of kings all the way to ancient Egypt, was so unique, so absolute. In the end it is not war, but love that conquers him.
German, Napoleon, Ridley Scotts Film Napoleon erzählt die Geschichte des Lebens des französischen Generals und späteren Kaisers, der sein Volk nach den turbulenten Jahren der Revolution vereinte. Der Film ist vor allem eine Geschichtsstunde. Zu sehen, wie Joaquin Phoenix kämpft, schwankt, stolpert, fällt und stoisch sein Streben nach Macht fortsetzt – in Schlachten in Frankreich, einem Krieg mit Russland, zwei Verbannten und durchgehend widerstandsfähig zu bleiben, ist anstrengend. Dabei konzentriert sich Scott auf Napoleons Liebe zu einer Frau, Josephine. Dieser Film führt uns durch Napoleons Leben. Es beantwortet weder Fragen noch befasst es sich mit dem Charakter des französischen Anführers. Es folgt dem Außenseiter aus Korsika auf seinem stetigen Aufstieg vom Kapitän, der in der Zeit der Französischen Revolution siegreich und loyal war und anschließend zum General aufsteigt, wofür er belohnt wird seine Siege und nimmt ohne Groll die Strafe für seine Niederlagen hin. In der Eroeffnungs-Sequenz des Films sehen wir die letzten Momente von Königin Marie Antoinette. Sie wird durch einen Mob geführt, der sie als Symbol der berührungslosen Monarchie beschimpft, und in ihrer Nahaufnahme geht sie durch die Guillotine in den Tod. Joaquin Phoenix, immer noch Hauptmann der französischen Armee, ist Zeuge dieser Szene und des Handelns von Politikern, darunter seines Bruders, der immer wieder die höchsten Ränge unter ihnen stürzt. Napoleon nutzt seine Fähigkeiten auf dem Schlachtfeld für seinen Aufstieg. Phoenix hat schon früher mit großem Erfolg überlebensgroße Charaktere gespielt, vor allem Schurken und Außenseiter, den strengen Kaiser in „Gladiator“, mit passenden Kamera-Nahaufnahmen – doch in „Napoleon“ hält der Regisseur ihn davon ab, im Mittelpunkt zu stehen. Und statt ihn zu fokussieren Kamera auf Napoleon Scott platziert ihn inmitten seiner Männer, wie er auf seinem Pferd inmitten der unzähligen Soldaten im Krieg in die Schlacht stürmt. Diese Szenen sind für die große Leinwand gemacht und Scott macht sie zum Mittelpunkt seines Dramas. Die Szenen sind gut choreografiert; Sie charakterisieren die Gewalttätigkeit von Mensch und Pferd (Napoleons Werk endet sehr gewalttätig). Die Landschaft ist gross, die Innenräume opulent, ebenso wie die Kostüme. Napoleon wird in Uniformen mit aufwendigen Stickereien kaiserlich praesentiert, Josephine elegant bei Banketten und im Boudoir. Ein ziemliches Unterfangen, der Film „Napoleon“ ist ein weiteres Teil des Puzzles der Europaeischen Geschichte. Während der Film die Lebensgeschichte Napoleons erzählt, trägt er zwar zu seiner historischen Authentizität bei, weist aber auch einen Mangel an der Darstellung Napoleons selbst auf. Wir müssen uns fragen, warum die Verehrung dieses Mannes, der sich selbst zum Kaiser krönte und bis ins alte Ägypten danach strebte, den Maßstäben der Könige gerecht zu werden, so einzigartig und so absolut war. Am Ende ist es nicht der Krieg, sondern die Liebe, die ihn besiegt.
German, Sommer 1900, Schweiz. Die 17-jährige Elisabeth will gerade ihr Gelübde ablegen, als der plötzliche Tod ihrer älteren Schwester sie dazu zwingt, das Kloster zu verlassen und auf den Bauernhof der Familie zurückzukehren. Erstickt durch die erdrückenden und strengen Regeln des Dorfes folgt Elisabeth dem Beispiel ihrer Schwester, um das Geheimnis ihres Todes zu lüften, und wird langsam dazu getrieben, gegen die örtliche Ordnung zu rebellieren und ihr Recht, ihr Leben zu leben, einzufordern.________________________________________________
Sommer 1900, Schweiz. Die 17-jährige Elisabeth will gerade ihr Gelübde ablegen, als der plötzliche Tod ihrer älteren Schwester sie dazu zwingt, das Kloster zu verlassen und auf den Bauernhof der Familie zurückzukehren. Erstickt durch die erdrückenden und strengen Regeln des Dorfes folgt Elisabeth dem Beispiel ihrer Schwester, um das Geheimnis ihres Todes zu lüften, und wird langsam dazu getrieben, gegen die örtliche Ordnung zu rebellieren und ihr Recht, ihr Leben zu leben, einzufordern.
Wunderschoen, so sehen sich die Protagonistinnen, darunter Martina Gedeck und Deutschlands Kommoediantin Nummer Eins, eben gar nicht mehr. Sie kaempfen mit der Rolle der Frau, der Mutter und Geschaeftsfrau, und wer wird hierbei wohl gewinnen?
Corsage zu dem eingeschnuerten Dasein der Kaiserin von Oesterreich, Sissi, die ihr Korsett als Sinnbild der von ihr verlangten Einschraenkungen traegt wie eine Krone. Corsage als Filmtitle bringt allerdings kulturelle Missverstaendnisse mit sich in den US Markt, wo Corsage Blumengesteck, das man bei einem Ball traegt bedeutet, nicht Korsett. Beides mag auf die Kaiserin, einst sorgenfreie Prizessin zu Bayern, zutreffen, nur nicht in diesem Film, der sie in ihrem 40ten Jahr zeigt.
Monte Verita , ein Film ueber die Kolonie der Aussteiger nahe Ascona, wo sich auch eine junge Ehefrau hinfluechtete, die bei dieser Gruppe zu sich selbst als Fotografin findet. Sie bricht mit ihrer Tradition als Mutter und ihrem Manne untertan. Wunderbare Bilder und ein wahrer Hintergrund, der Hermann Hesse als Bewohner dieser Kolonie zeigt.
Ich bin Dein Mensch , von Maria Schrader perfekt inszeniert, soll die Protagonistin einen Roboter drei Wochenlang testen, ob er zu ihrem idealen Partner werden kann. Sie ist neugierig, und nimmt an. Ob man einen Partner will, der alles tut was das eigene Ego wiederspiegelt? Das ist die sehr philosophische Frage. Wie mag sie sich entscheiden? Sehens- und Diskutierenswerter Film. Wanda, das Wunder, skuriler schweizer Film ueber das Oben und Unten im Leben. Marthe Keller als schweizer Matriarchin, die ihren Mann und auch so ziemlich jedes Fiasko in ihrer Familie voller nicht wohlgeratener mitglieder uebersteht. Man gab ihr dafuer einen Filmpreis.
Kaiserschmarrndrama, der neueste in der Reihe der Sebastian Bezzel Krimis, der im tiefsten Bayern politisch unkorrekt und herrlich stereotyp seine Story entfaltet. Herzlich lachen und viele Augen zudruecken koennen, heisst zwei Stunden im tiefsten Bayern grossen Spass erleben. Lisa Maria Potthoff wunderbar als Freundin, und Simon Schwarz als der Polizeikollege, diesmal im Rollstuhl , aber nicht lange.
Der Spielemacher: Im Deutsch-Kroatischen Gangster Spielemacher Millhieu angesiedelt, spielt Frederick Lau einen ex Straefling, der wieder ins normale Arbeitsleben finden will. Einstmal Fussball-Aufsteiger kann er sich nicht wieder eingliedern, weil ihn seine Vergangenheit stets verfolgt. Doch sein Glueck beim Erkennen guter Fussballer der jungstes Generation bringt ihm rasch ein Angebot ins Spielemachen,was er fuer seinen Kroatisch-Deutschen Gangsterchef auf einen sehr schraegen Weg bringt. Ob er doch noch eine Chance bekommt?Zoros Solo ist ein deutscher Film mit Fluechtlingsthema. Wie kommt ein 14jaehriger Afghanen-Junge, der mit Mutter und Schwester der auf der Flucht von dem Vater getrennt wurde, dazu einem christlichen deutschen Knabenchor beizutreten? Alles um den in Ungarn zurueckgeblieben Vater, ganz “solo” zu retten. Ein Weg mit Hindernissen, von der Chorleiterin bis zur fuer ihn immer wieder unverstaendlichen deutschen Kultur und einem guten Schuss Trauma – Zoro wird seinen Weg finden. Coup, ein neuer deutscher Film ueber eine Millionen-Unterschlagung bringt uns eine (fast) unglaubliche Geschichte, die der Regisseur nach Original-Audio-Aufnahmen mit dem Taeter in einen Film verwandelt hat. Langsam rollt er den Hergang ab, jedoch fehlt dem Film die Spannung, wir sehen den gealterten Hauptakteur Jahre spaeter und aelter uns die Handlung wieder erzaehlen. Die Lotterszene der siebziger und achtziger ist perfekt inszeniert, fuer manchen pure Nostalgie, ein Zeitbild.
Bruder Schwester Herz: (siehe auch unser Interview mit dem Regisseur im Fruehjahr 2020 im Programm)Tom Sommerlattes zweiter Film seiner Trilogie, die Geschwisterbeziehungen beleuchtet, ist wie er selber sagt, eine Anlehnung an das Western Genre, jedoch spielt die Geschichte von Bruder/Schwester, die eine Rinderzucht betrieben in Deutschland. Der Film bringt uns ein Zusammenspiel von weiten Landschaftsaufnahmen und einer sowohl innigen als auch von Konflikten durchsetzten Beziehung - dem Drang der beiden inzwischen Dreissigjaehrigen nach Freiheit und Zweisamkeit um den invaliden Vater. Sie bleiben in einer Bindung, die sich nie ganz loesen laesst. Schoen erzaehlt, mit viel Mut zu Ruhe und Bewegung. Sehenswert.
Werk ohne Author, (Never Look Away) 2018, - Film von Regisseur Florian Henckel von Donnersmarck, (Das Leben der Anderen), ausgezeichneter sehr langer (188 Minuten) Film zum Leben von dem Maler Gerhard Richter. Der Kuenstler Joseph Beuys als sein Lehrer und grosser Einfluss im Westen, "ausradiert" im Osten, den er verlaesst und in der staendigen Auseinandersetzung mit seinem Schwiegervater, einem Frauenarzt und Klinikleiter, der ein dunkles Geheimnis und einen Drang nach Macht dem jungen Kuenstler entgegensetzt. Sehenswert und Oscarwuerdig. Mit Sebastian Koch, Tom Schilling, Paula Beer, Saskia Rosendahl.Der Traffikant (Oesterreich) : Ein Junge lernt in Wien das Handwerk des Rauchwaren Haendlers, was man im oesterreichischen Traffikant nannte. Er geraet in die Zeiten des Umbruchs, und des aufsteigenden Nationalsozialismus. Er verliebt sich in eine junge Boemin und holt sich Rat bei einem guten Kunden des Ladens, bei Dr. Siegmund Freud persoenlich. Ein Film voller Poesie und Fantasie in ungewissen Zeiten.
Weitere Empfehlungen: More Recommendations: Undine
Der Staat gegen Fritz BauerLabyrinth des SchweigensAlles Auf ZuckerAlemania, Willkommen in DeutschlandEin Hans mit scharfer SosseWeit (2018)Wer Nimmt den Hund (2019)Cleo (2019)
Comments
Post a Comment